Frühjahr 2017 / Spring 2017 Kunst und Fotografie / Art … · the temples of the Regla de Ocha and...

AFotografie / Photography

Frühjahr 2017 / Spring 2017

Kunst und Fotografie / Art and Photography

B 1 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography

Ein poetisches Werk, das Themen wie Liebe, Verlust

und kulturelle Identität im Nordwesten Argentiniens

behandelt

A poetic work, which covers aspects of love, loss

and cultural identity in northwestern Argentina

Herausgegeben von / Edited by Sarah Cooper, Nina Gorfer

Texte von / Texts bySarah Cooper, Nina Gorfer, Haro Galli, Gonzalo Pardo, Joanna Persman et al.

Gestaltet von / Designed bySarah Cooper, Nina Gorfer

Festeinband / Hardcover 24 x 31,5 cmca. 416 Seiten / pages ca. 80 Farbabb. / color ills.

ENGLISCH / SPANISCH

ISBN 978-3-86828-778-3ca. Euro 48,00

März / March 2017

Sarah Cooper & Nina GorferI Know Not These My Hands SEEK Volume 04: ArgentinaDieses Buch handelt von den allgegenwärtigen Spuren, die eine krisenhafte Geschichte im menschlichen Geist hinterlässt. Auf der Grundlage einer ausgedehnten Recherche-reise in den Nordwesten Argentiniens untersuchen Cooper & Gorfer Fragen der Iden-tität mithilfe von Interviews und Fototerminen mit Menschen aus unterschiedlichen Schichten der argentinischen Gesellschaft und der Nachbarländer. Reflexionen über Wunden der Kolonialzeit und neuere politische Krisen treten immer wieder aus den Anmerkungen und Dialogen des Buches zutage; sie manifestieren sich in den erzähle-rischen, poetischen Bildwelten, die für das Werk von Cooper & Gorfer so bezeichnend sind. Bruchlos zwischen Bildern und Anekdoten hin- und hergleitend, spricht I Know Not These My Hands über den menschlichen Aspekt von Liebe, Verlust und Identität. Zum Duo Cooper & Gorfer gehören Sarah Cooper (* 1974, USA) und Nina Gorfer (* 1979, Österreich). Die Künstlerinnen sind für ihre eigenständige, hybride Ästhetik bekannt. Thematisch kreist ihr auf Fotografie basierendes Werk oft um Fragen der kul-turellen Identität.

This book is about the ubiquitous traces a troubled history leaves on the human mind. Based on a comprehensive research travel to northwestern Argentina, Cooper and Gor-fer investigate questions of identity and displacement through interviews and photo-graphic meetings with people from different levels within the Argentinian society and adjacent lands. Reflections on colonial wounds, forced migration, and more recent political turmoil surface throughout the book’s notes and dialogs, manifesting in the narrative and poetic imagery so indicative of Cooper and Gorfer’s work. Seamlessly navigating between image and anecdotes, I Know Not These My Hands, speaks of the human aspect of love, loss and identity.Cooper & Gorfer comprises the artists Sarah Cooper (b. 1974, USA) and Nina Gorfer (b. 1979, Austria). The artist duo is known for their distinct hybrid aesthetics. Themat-ically, their photo-based work often revolves around issues of cultural identity.

9783868287783

Ausstellungen / Exhibitions

I Know Not These My HandsFotografiska, Stockholm11.03. – 15.06.2017

Selected worksgallery Christian LarsenMarket Art Fair, Stockholm24.03. – 26.03.2017

The Weather DiariesAmerican Swedish Institute, MinneapolisApril – Juni / June 2017

InterruptionsKvinnohistoriskt museum, UmeåSchweden / Sweden, 24.06. – 30.11.2017

2 3 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography

Die katastrophalen Folgen von 20 Jahren des rücksichtslosen Einsatzes von Monsanto-Agrarchemikalien im ländlichen Nordosten Argentiniens

The devastating impact of 20 years of indiscrimi-nate use of Monsanto agrochemicals in the rural northeast of Argentina

Texte von / Texts byPablo E. Piovano, N.N.

Gestaltet von / Designed byKehrer Design

Festeinband / Hardcover ca. 17 x 23 cmca. 128 Seiten / pagesca. 70 Duplexabb. / duotone ills.

ENGLISCH / SPANISCH

ISBN 978-3-86828-767-7 ca. Euro 35,00

Juni / June 2017

Pablo E. PiovanoThe Human Cost. Agrotoxins in Argentina1996 genehmigte die argentinische Regierung den Anbau transgener Sojabohnen und den Einsatz von Glyphosat-Herbiziden auf genetisch modifizierten Nutzpflanzen, wobei sie sich ausschließlich auf Studien der Firma Monsanto verließ. Nach fast zwei Jahr-zehnten, in denen ein Drittel der Landesbevölkerung direkt oder indirekt von Glypho-sat-Spritzmitteln betroffen war, ist Argentinien zu einer Feldstudie für Giftkatastrophen geworden. Hunderte wissenschaftlicher Studien und medizinischer Untersuchungen bestätigen die tödlichen Wirkungen des Unkrautvernichtungsmittels: Die Krebsrate bei Kindern hat sich verdreifacht, die Häufigkeit von Fehlgeburten und Geburtsschäden mit ungeklärter Ursache ist dramatisch angestiegen. Atemwegs- und Hautkrankheiten, geistige Behinderungen sind nur einige der nachgewiesenen gesundheitlichen Auswir-kungen auf die Menschen, die im Bereich der Spritzmittel leben. Trotz dieser unbe-quemen Wahrheit hat es bisher keinerlei systematische Information von offizieller Seite gegeben. The Human Cost (Auf Kosten der Menschen) dokumentiert die Folgen von 20 Jahren des wahllosen Einsatzes von Agrarchemikalien im ländlichen Nordosten Argen-tiniens und dessen katastrophale Auswirkungen auf die Menschen und ihre Umwelt.

In 1996 the Argentinian government approved, only relying on studies of the Monsanto Company, the cultivation of transgenic soybeans and the use of glyphosate herbicide spray, which was employed on resistant genetically-modified crops. With nearly two decades of glyphosate spraying affecting directly or indirectly one third of the country’s population, Argentina has become a field study in toxic disaster with hundreds of sci-entific studies and medical surveys confirming the herbicide’s lethal impact: Pediatric cancer cases have tripled, miscarriages, and unexplained birth defects have dramat-ically increased. Respiratory and skin disorders, mental disabilities and spontaneous abortions are just a few of the documented health effects on those living directly in the spray’s path. Despite this inconvenient truth, there has not been any official system-atized information. The Human Cost / El Costo Humano documents the impact of 20 years of indiscriminate use of agrochemicals in the rural northeast of Argentina, and the devastating impact of the people and their environment. Pablo E. Piovano (b. 1981) is a photojournalist and multi-scholarship winner based in Buenos Aires, Argentina. He has been a staff photographer for the Página / 12 news-paper in Buenos Aires since the age of 18.

9783868287677

The Human Cost

Pablo E. Piovano


Freiheit als Herausforderung im Angesicht revolutionärer Dogmen: Das afrokubanische Erbe zwischen emanzipatorischen Praktiken und kolonialer Erinnerung

The challenge of freedom in the face of revolutionary dogma: Afro-Cuban heritage caught between emancipatory practices and colonial memory

Texte von / Texts by Angela Davis, Nancy Morejon

Gestaltet von / Designed by Kehrer Design

Festeinband / Hardcover ca. 19 x 24 cmca. 120 Seiten / pages ca. 70 Farbabb. / color ills.

ENGLISCH / FRANZÖSISCH

ISBN 978-3-86828-788-2ca. Euro 35,00

Mai / May 2016

Nicola Lo CalzoReglaSeit fünf Jahren erkundet Nicola Lo Calzo auf verschiedenen Kontinenten die lebendige Erinnerung an Sklaverei und Kolonialismus. Nach Aufenthalten in Westafrika, der Kari-bik, Südamerika, Louisiana und Mississippi wandte er sich Kuba zu, insbesondere den afrokubanischen Gemeinschaften aus Nachfahren afrikanischer Sklaven und Kreolen. Die hier vorgestellten Bilder entstanden, indem er in marginale Räume eintauchte, die früher geheim waren, aber inzwischen vom Castro-Regime toleriert – und kontrolliert – werden: die Tempel der Regla de Ocha und der Regla del Palo, die Geheimgesellschaft der Abakuá, die Carabalí-Vereinigungen und die Freimaurerlogen. Sie basieren auf Wer-ten wie Solidarität, dem Heiligen, der Erinnerung, der Freiheit des Individuums und seiner Meinung. 130 Jahre nach Abschaffung der Sklaverei sind sie die direkten Erben von Kultur- und Widerstandsformen, die während der spanischen Kolonialzeit von afri-kanischen Sklaven und sogenannten »freien Farbigen« entwickelt wurden. Auch die Hip-Hop-Bewegung, in den 1990ern aus den USA importiert, bietet neuen Generatio-nen Freiräume. Regla zeigt, wie die Raperos eine Negra-Identität und -Kultur zurück-erobern und die Geschichte ihrer Sklavereivergangenheit zu neuem Leben erwecken.

For the last five years Nicola Lo Calzo has been exploring the living memories of slav-ery and colonialism on various continents. After going to West Africa, the Caribbean and South America, then to Louisiana and Mississippi, he turned to Cuba, in particular the Afro-Cuban communities, the descendants of former African slaves and creoles. The images presented here are the result of immersing himself in marginal spaces, formerly clandestine but now tolerated, albeit controlled by the Castro regime, such as the temples of the Regla de Ocha and the Regla del Palo, the Abakua secret society, the carabali associations and the Masonic lodges. 130 years after the abolition of slavery, these free spaces, based on values such as solidarity, the sacred, memory, the importance of the individual, and freedom of expression, are the direct heirs of forms of culture and resistance developed by Afri-can slaves and »free people of color« during the Spanish colonial period. The hip-hop movement that was brought in from the United States in the 1990s also plays a part in creating a space for freedom and anti-power for the new generations. Regla shows how the raperos are reclaiming a negra identity and culture, and are bringing back to life the history of a slave past.

9783868287882


ICI – Magazzino del Caffè, Venedig / VeniceFebruar / February – März / March 2017

La Balsa Arte, Bienal Internacional Fotográfica Bogotá 2017, Kolumbien / Columbia12.05. – 10.06.2017


Texte von / Texts by Heloise Conesa, Caroline Weber

Gestaltet von / Designed byKehrer Design (Martin Lutz)

Leineneinband / Cloth hardcover16,5 x 23,3 cm120 Seiten / pages 79 Farb- und 7 S / W-Abb. / 79 color and 7 b/w ills.

ENGLISCH / FRANZÖSISCH

ISBN 978-3-86828-757-8Euro 35,00

Januar / January 2017 9783868287578

Tara BogartA Modern Hair StudyIm Jahr 2011 sah Tara Bogart in der Pariser Bibliothèque nationale die Fotografie Marie Laurent (1856) von Nadar und war sofort fasziniert. Das von hinten aufgenommene Foto zeigt eine junge Frau, deren Haar mit einem verzierten Kamm hochgesteckt ist. Fünf Monate später begann sie mit der Serie, aus der A Modern Hair Study entstand. »Ich dachte die ganze Zeit darüber nach, wie dieses Bild heute aussehen würde. A Modern Hair Study besteht aus Porträts junger Frauen, die von hinten fotografiert sind. Durch die Fokussierung auf den Rücken ist der Betrachter gezwungen, sich mit all den peripheren Dingen auseinanderzusetzen, die jede Frau einmalig machen. In diesen inti-men Porträts bin ich Voyeur und konzentriere mich auf eine Generation, die nicht die meine ist. Während bestimmte Ideale oft für verschiedene Generationen gelten, zeigt die Art, wie Frauen sich schmücken und verwandeln, oft die Kämpfe junger Erwach-sener mit ihrer eigenen Ideologie und Individualität. Seit ich diese Frauen fotografiert habe, kann ich mir vorstellen, dass diese Kämpfe zeitlos sind. Sie existieren heute noch genauso wie damals, als das ursprüngliche Porträt von Nadar aufgenommen wurde.«

In 2011, during a visit to Paris’ Bibliothèque nationale, Tara Bogart saw the photograph Marie Laurent (1865) by Nadar and was immediately intrigued. The photograph, taken from behind, was of a young woman whose hair was held up by an ornate clip. Five months later, she began the series that became A Modern Hair Study.»I couldn’t stop thinking about what that same image would look like today. A Modern Hair Study consists of portraits of young women photographed from behind. By focus-ing on the back, the viewer is forced to contend with all of the peripheral things that make each woman unique. In these intimate portraits I am a voyeur concentrating on a generation that is not mine. While certain ideals are often relevant to different gen-erations, the ways in which women adorn and modify themselves often indicate the struggles of a young adult with their own ideology and individuality. After photograph-ing these women, I can imagine these struggles are timeless. Existing today as well as when the original Nadar portrait was taken.«Tara Bogart has exhibited at Elizabeth Houston Gallery, Hous Projects, Aperture, New York, Catherine Edelman Gallery, Chicago, and other venues. Her work is in the J. Crew Art Collection, collection of the Bibliothèque nationale de France in Paris, among others.

Bogarts Rückenbildnisse deuten die Persönlichkeit der porträtierten jungen Frauen nur anhand peripherer Details wie Frisuren oder Tätowierungen an

Portraits of young women photographed from behind force the viewer to imagine the personalities based on peripheral details like hairstyles, tattoos, and other visual clues

Ausstellung / Exhibition

Hoffmaster Gallery at Lawrence University, Appleton, WisconsinMärz / March – Mai / May 2017

Book Signings Frühjahr / Spring 2017Elizabeth Houston Gallery, New York HCP Houston Centre of PhotographyAlice Wilds Gallery, Milwaukee


Texte von / Texts byMonica Dematté,Christopher Taylor


Halbleineneinband / Half-cloth hardcover ca. 22 x 22 cmca. 160 Seiten / pages ca. 60 Duplexabb. / duotone ills.

ENGLISCH / ISLÄNDISCH(FRANZÖSISCH / CHINESISCH in Textbeiheft / in text supplement)

ISBN 978-3-86828-766-0Euro 39,90

Februar / February 2017 9783868287660

Christopher TaylorSteinholt»Steinholt ist ein Haus im Fischerdorf Þórshöfn, in der abgelegenen Nordostecke von Island. Erbaut 1929 von den Eltern meines Schwiegervaters, bekam das Haus einen Namen, bevor überhaupt eine Straße existierte. Meine Frau Álfheiður wurde nach ihrer Großmutter benannt. Ihre enge Beziehung und die unerwarteten Umstände, unter denen wir das kleine Haus erwarben, waren der Ausgangspunkt des Fotoprojekts.Anhand der Informationen aus Geschichten und Aufzeichnungen habe ich die Wege der Vorfahren meiner Frau nachgezeichnet, die auf der Suche nach Arbeit oder einem Ort zum Leben die Landschaft durchstreiften. Die im Lauf der letzten fünf Jahre auf diese Weise entstandene Serie analoger Schwarz-Weiß-Fotografien ist ein Versuch, die Ver-gangenheit zu interpretieren und die Ursprünge von Namen zu untersuchen, als Weg zum Leben in und mit der Landschaft.« (Christopher Taylor)Als studierter Zoologe und fotografischer Autodidakt hat Christopher Taylor (* 1958) ausgedehnte Reisen durch Frankreich, Island, Japan, Indien und China unternommen. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in Paris, Madrid, London, Peking, Delhi, Mumbai und Kalkutta und wird von der Galerie Camera Obscura, Paris, und von Tas-veer, Indien, vertreten.

»Steinholt is a house in the fishing village of Þórshöfn in the remote northeast corner of Iceland. Built in 1929 by my wife’s paternal grandparents, the house was given a name before there was a street. My wife, Álfheiður, was named after her grandmother. The closeness of their relationship and the unexpected circumstances by which we came to acquire this small house, are where the photographic project begins. Informed by stories and written accounts, I have retraced the movements of my wife’s ancestors as they criss-crossed the landscape, in search of work or a place to live. The resulting series of black and white analogue photographs compiled over the last five years are an attempt to interpret the past and investigate the origin of names as a means to inhabiting the landscape.« (Christopher Taylor)A trained zoologist and self taught photographer, Christopher Taylor (b. 1958) has traveled extensively in France, Iceland, Japan, India, and China. He has held critically acclaimed solo and group exhibitions in Paris, Madrid, London, Beijing, Delhi, Mumbai, and Calcutta, and is represented by Galerie Camera Obscura, Paris, and Tasveer, India.


National Museum of Iceland, Reykjavikab Februar / starting February 2017

Galerie Camera Obscura, Paris, 2017

Eine Familiengeschichte, angesiedelt in der überwälti-gend schönen, aber auch herausfordernden Lebens-welt des Nordostens von Island

Series about the photographer’s wife’s family history set in the stunningly beautiful but also challenging environment of northeast Iceland

Christopher Taylor

Steinholt


Herausgegeben von / Edited by Lori Foley, S.B. Walker

Text von / byAlan Trachtenberg

Gestaltet von / Designed byS. B. Walker

Festeinband / Hardcover 24 x 21 cm124 Seiten / pages 58 S / W-Abb. / b/w ills.

ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-765-3ca. Euro 35,00

Januar / January 2017 9783868287653

S. B. WalkerWaldenWas ist aus dem sagenumwobenen Walden Pond geworden? In seinem Buchdebüt untersucht S. B. Walker die symbolisch aufgeladene Landschaft des großen Literaten Henry David Thoreau. Tief im amerikanischen Kollektivbewusstsein verwurzelt, ist der See zu einem mythischen Ort geworden, der als Wildnis wahrgenommen wird und oft als Geburtsstätte der modernen Umweltbewegung gilt. Heute allerdings lässt sich Wal-den vielleicht am ehesten als glorifizierter Vorortpark beschreiben, der ins wuchernde Großstadtgebiet von Boston eingebettet ist. Weil unsere Vorstellung von diesem Ort weitgehend Thoreaus sorgfältigen, ungefähr 150 Jahre alten Beschreibungen ent-stammt – Texten, in denen er oft Vergleiche zu Vergils arkadischen Landschaften zog –, erweist sich der aktuelle Stand der Dinge, den Walkers Bilder porträtieren, als nach-denklich stimmendes Paradox. Der Künstler S. B. Walker lebt und arbeitet in Neuengland. Seine Arbeiten wurden inter-national in Ausstellungen gezeigt und sind in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, darunter das Museum of Fine Arts Boston, das Smith College Museum of Art, die David Winton Bell Gallery der Brown University sowie der Prentice and Paul Sack Photographic Trust. Er wird vertreten von Janet Borden Inc., Brooklyn, New York.

What has become of the fabled Walden Pond? In his debut title, S. B. Walker surveys the symbolically charged landscape of literary giant Henry David Thoreau. Deeply rooted in the American collective conscious, it is a mythical place perceived as wild and often considered to be the birthplace of the modern environmental movement. Contemporary Walden, however, is perhaps best characterized as a glorified suburban park, nestled amongst the sprawl of metropolitan Boston. As our awareness of the place is largely borne out of Thoreau’s diligent description some 150 years ago – writings in which he often drew connections to the Arcadian landscape of Virgil – the current state of affairs portrayed in Walker’s images reveals a thought provoking paradox. S. B. Walker is an artist living and working in New England. His works have been exhib-ited internationally and can be found in public and private collections including the Museum of Fine Arts Boston, the Smith Museum of Art, the David Winton Bell Gallery at Brown University, and the Prentice and Paul Sack Photographic Trust, among oth-ers. He is represented by Janet Borden Inc., Brooklyn, New York.

Eine aktuelle Betrachtung des sagenumwobenen Walden Pond

A contemporary survey of the fabledWalden Pond


WaldenJanet Borden Inc., Brooklyn, New York, 2017

Concord Art Association, Concord, Massachusetts, 2017

University of Southern Maine, Portland, Maine, 2017


Lars BorgesImperial CountyImperial County ist der jüngste und ärmste Landkreis Kaliforniens. Obwohl es in der Colorado Wüste auf der San-Andreas-Verwerfung liegt und dort Höchsttemperaturen von bis zu 50° C und mit Niederschlag von nur 75 Millimeter im Jahr lebensfeindliche Bedingungen herrschen, ist es einer der Hauptproduzenten von Wintergemüse, Sala-ten, Korn und Alfalfa in den USA. Der Wasserbedarf ist gigantisch – alte Wasserrechte sichern dem Imperial County riesige Mengen des Wassers aus dem Colorado River, das durch ein Netz aus Kanälen und Pipelines in ein Gebiet so groß wie die gesamte Metropolregion Los Angeles gepumpt wird: das größte Bewässerungssystem des nord-amerikanischen Kontinents. Die Arbeitslosigkeit ist die zweitgrößte in den USA – die Einkommen sind am unteren Ende im sonst reichen Kalifornien. Hart arbeitende Menschen, vornehmlich Hispanoamerikaner, schuften in der Landwirtschaft bis zur Erschöpfung, und Heimatlose, Vertriebene und Aussteiger leben hier die Anti-These des amerikanischen Traums. In eindrucksvollen Landschaftsbeschreibungen und Porträts widmet der Berliner Foto-graf Lars Borges sein Buchprojekt diesen Menschen, um exemplarisch auf die Auswir-kungen eines entfesselten globalen Kapitalismus für Mensch und Natur hinzuweisen.

Imperial is the youngest and poorest county in California. Although located in the Col-orado Desert on the San Andreas Fault and, with temperatures of up to 50° C and an average annual precipitation of only 75 milimeters, marked by life-threatening condi-tions, it is one of the main producers of winter vegetables, salads, grain, and alfalfa in the USA. The demand for water is enormous – old water rights ensure Imperial County vast quantities of water from the Colorado River, which is pumped via a network of channels and pipelines into an area as large as the entire metropolitan region of Los Angeles: the largest irrigation system on the North American continent. The unemployment rate is the second highest in the USA – incomes are at the lower end of the scale in otherwise wealthy California. Here, hard-working people, especially Hispanics, labour in the fields to the point of exhaustion, while the homeless, the dis-placed, and downshifters live the flip-side of the American Dream. With his impressive landscapes and portraits, the Berlin-based photographer Lars Borges dedicates his book project to these people in an effort to point out the effects of unbridled global capitalism on man and nature.

Texte von / Texts by Enno Kaufhold, N.N.

Gestaltet von / Designed by Studio Maven


DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-781-3ca. Euro 48,00

April 2017 9783868287813

Eindrucksvolle Landschaftsbeschreibungen und Porträts zeigen die Auswirkungen eines globalen Kapitalismus für Mensch und Natur

Impressive landscapes and portraits point out the effects of unbridled global capitalism on man and nature


Jay WolkeSame Dream Another TimeAls Jay Wolke diese Fotos Ende der 1980er- und Anfang der 1990er-Jahre aufnahm, gab es in den Vereinigten Staaten zwei bedeutende Zentren für Glücksspiele: Las Vegas, Nevada, und Atlantic City, New Jersey. Er war fasziniert von den markanten Schichtun-gen und Überlagerungen von Menschen, Künstlichkeit, Architektur und Landschaft. Wolke suchte nach Situationen, die mit Erwartungen und Ehrgeiz aufgeladen und von Fantasiebildern angeregt waren, die er anschließend in seinen Fotos wieder abschä-len konnte, um die Symbole des Begehren ebenso bloßzustellen wie die Realität aus Unsicherheit und Blendwerk. Inzwischen ist das Projekt sowohl zu einer Zeitkapsel als auch zu einem Indikator des Zeitgenössischen geworden; es behandelt Themen, die heute genauso bedeutsam sind wie vor 30 Jahren.Jay Wolke ist Professor für Fotografie am Columbia College Chicago. Er hatte Einzelaus-stellungen im Art Institute of Chicago, im Saint Louis Art Museum, an der Universität Harvard und im California Museum of Photography. Seine Fotos sind unter anderem in den ständigen Sammlungen des Museum of Modern Art und des Whitney Museum of American Art in New York, des Art Institute of Chicago und des San Francisco Museum of Modern Art vertreten.

When Jay Wolke made these photographs in the late 1980s and early 1990s, there were two major centers for gambling in the United States: Las Vegas, Nevada and Atlantic City, New Jersey. He was fascinated with the accentuated layers and intersections of people, artifice, architecture and landscape. Wolke was searching for circumstances charged with expectation and aspiration; stirred by fantasy, so that, through the pho-tographs, he might then strip away those expectations, exposing the symbols of desire alongside the realities of uncertainty and deception. The project has now become both a time capsule and an index of the contemporary, addressing larger themes that are every bit as meaningful today as they were 30 years ago.Jay Wolke is currently a Professor of Photography at Columbia College Chicago. He has had solo exhibitions at the Art Institute of Chicago, the St. Louis Art Museum, Harvard University and the California Museum of Photography. His photographs are in the per-manent collections of the Museum of Modern Art, New York, the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago and the San Francisco Museum of Modern Art, among others.

Fantasie und Wirklichkeit in den beiden klassischen Glücksspielzentren der USA: Las Vegas und Atlantic City

Imagination and reality of the two classic gambling centers in the USA: Las Vegas and Atlantic City

Texte von / Texts by Jay Wolke, N.N.

Gestaltet von / Designed by Kehrer Design


ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-784-4ca. Euro 45,00

Juni / June 2017 9783868287844Jay Wolke

Same Dream Another Time


Herausgegeben von / Edited by Leif Bennett, Yvonne Mueller

Texte von / Texts byLeif Bennett, Fiona Siegenthaler

Gestaltet von / Designed bySibylle Ryser


DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-769-1ca. Euro 40,00

Juli / July 2017 9783868287691

Leif Bennett / Yvonne MuellerInside the Carlton Hotel JohannesburgEinst blühende Metropole, Stadt des Goldes – mit dem Ende der Apartheid veränderte sich Johannesburg grundlegend: Häuser standen plötzlich leer, die Kriminalitätsrate stieg und die Infrastruktur zerfiel. Heute? Eine lebendige, spannende und pulsierende Großstadt. Mittendrin steht ein Hotel, das viele Player dieser politischen und wirtschaft-lichen Entwicklungen sowie zahlreiche Stars aus aller Welt beherbergt hat. Das 5-Sterne Carlton Hotel wurde 1997 geschlossen und wird aus Angst vor Besetzung und Vandalis-mus rund um die Uhr bewacht. Eine leere Hülle mit mehr als 600 Zimmern verteilt auf 31 Stockwerke. Viel hat sich ereignet in den Räumlichkeiten des Hotels, zahlreiche Sit-zungen und Kongresse wurden abgehalten und wegweisende Entscheidungen getroffen.Leif Bennett und Yvonne Mueller, zwei Schweizer Künstler aus Basel, bieten durch ihre einzigartige fotografische Dokumentation einen faszinierenden Einblick in das einst beste Hotel der südlichen Hemisphäre.

Once a thriving metropolis, a city of gold – with the end of Apartheid, Johannesburg experienced a fundamental change: Houses were suddenly empty, the crime rate rose, and the infrastructure crumbled. Today? A lively, exciting, and pulsating city. At its very center a hotel which hosted many protagonists of these political and economic devel-opments, as well as numerous stars from around the world. The five-star Carlton Hotel was closed in 1997 and is now guarded around the clock for fear of illegal occupation and vandalism. An empty shell with more than six hundred rooms on thirty-one floors. Much has transpired in the various rooms of this hotel – numerous meetings and con-gresses were held and ground-breaking decisions made.With their unique photographic documentation, Leif Bennett and Yvonne Mueller, two Swiss artists from Basel, provide fascinating insight into the once best hotel in the southern hemisphere.

Ein faszinierender Einblick in das verlassene 5-Sterne Carlton Hotel in Johannesburg

A fascinating insight into the abandoned five-star Carlton Hotel in Johannesburg


D’Amatos Porträts geben der Dauerkrise der afroamerikanischen Vorstädte ein indiviuelles Gesicht

D’Amato’s portraits give individual faces to the ongoing crisis in African-American communities

Texte von / Texts by Paul D’Amato, N.N.

Gestaltet von / Designed by N.N.


ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-782-0ca. Euro 35,00

Juli / July 2017

Paul D’AmatoHereStillNowDie West Side von Chicago hat nichts sonderlich Einzigartiges. Sie ist weder das ärmste noch das älteste, größte oder afroamerikanischste unter den afroamerikani-schen US-Stadtvierteln. Sie ist genau wie alle anderen Schneisen der Armut sämtlicher Städte und Vorstädte der USA. Uns wird weisgemacht, dass in diesen Gemeinschaften nur dann Krise herrscht, wenn etwas passiert, das es in die Schlagzeilen schafft. Aber die wahre Krise findet laufend statt und sie ist eine Krise der Akzeptanz – Akzeptanz der Lebensbedingungen, tagein, tagaus. Was Paul D’Amato dort fotografiert, ist mehr als Anteilnahme an Armut. Wenn seine Modelle zustimmen, sich fotografieren zu lassen, stehen sie für das beste und einzige Beispiel der Person, die sie sind. Die Fotos werden diese Stadtviertel nicht verändern. Aber sie vergegenwärtigen uns, dass die Personen auf den Fotos nicht »die« sind, son-dern »er« und »sie«, und genauso wichtig sind wie jeder und jede von uns.Paul D’Amato (* 1956) lehrt Fotografie am Columbia College Chicago. Seine Werke sind vielfach ausgestellt worden; sie sind unter anderem in den Sammlungen des Art Ins-titute of Chicago sowie des Metropolitan Museum und des Museum of Modern Art in New York. Er wird vertreten von Stephen Daiter Gallery / Daiter Contemporary, Chicago.

There is nothing particularly unique about the west side of Chicago. It’s not the poor-est, the oldest, the largest, or the most African-American of African-American com-munities in the U.S. It is just like every other swath of poverty in and around every single city in the U.S. We are led to believe that the only time these communities are in crisis is when something occurs that lands on a front page. The real crisis, however, is on-going and it’s one of acceptance – acceptance of the conditions, day in day out. Yet, when Paul D’Amato is there, visiting someone he knows, or simply stopping some-one he has never met, something besides a concern for poverty takes shape. This is what he photographs. When these subjects agree to be photographed, they stand for the best and only example of who they are. The photographs won’t change these neighbor-hoods. But they remind us that the individuals in the images aren’t »they« or »them«, they are »he« and »she« and are as important as any one of us.Paul D’Amato teaches photography at Columbia College Chicago. His work has been widely exhibited and is in the permanent collections of the Art Institute of Chicago, the Metropolitan Museum and Museum of Modern Art in New York, among others. He is represented by Stephen Daiter Gallery / Daiter Contemporary, Chicago.

9783868287820

Paul D’AmatoHereStillNow


Text von / byAshkan Sahihi

Gestaltet von / Designed byKehrer Design (Loreen Lampe), Ashkan Sahihi, Hilka Dirks

Leineneinband / Cloth hardcover 30 x 31,8 cm48 Seiten / pages 20 Duplexabb. / duotone ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-763-9Euro 35,00

Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced9783868287639

Ashkan SahihiBeautiful Berlin BoysAshkan Sahihi, 1963 in Teheran geboren, in Deutschland aufgewachsen, zog 1987 nach New York City. Für ihn und viele andere verkörperte das damalige New York Zuflucht und Schutz, Fortschritt und Möglichkeit. Die Community, in der Sahihi sich bewegte, wurde kurz darauf durch HIV und AIDS erschüttert. In nur wenigen Jahren verloren etliche Freunde und Kollegen aus der Kunstszene ihr Leben.2013 in Berlin, begegnete er jungen schwulen Männern, die ihn an das New York der 1980er-Jahre und an die Suche nach Formen der Identität erinnerten. Es schien ihm, als hätte das Berlin der 2010er-Jahre das alte New York als Sehnsuchtsort ersetzt.Sahihis konzeptionelle Serie ist nicht nur eine Hommage an die Freunde aus vergan-genen Tagen, sie setzt auch ein Zeichen für das Privileg eines Lebens in Freiheit und Offenheit, für Zugehörigkeit und Toleranz. Ashkan Sahihi lebt und arbeitet seit 2013 in Berlin. Er fotografierte unter anderem für das ZEITmagazin, The New Yorker und Vogue. Er stellte unter anderem im MoMA / PS1 in New York und in der Akademie der Künste Berlin aus. Seine 2015 veröffentlichte Arbeit Die Berlinerin ist eine fotografisch-soziologische Studie von Frauen in Berlin.

Ashkan Sahihi was born in Teheran in 1963, raised in Germany, and moved to New York City in 1987. For him and many others at the time, New York epitomized refuge and protection, progress and opportunity. The community in which Sahihi was active was soon shaken by HIV and AIDS. Within a few short years, numerous friends and colleagues from the art scene lost their lives. In 2013 in Berlin, he encountered young gay men who reminded him of New York in the 1980s, as well as of the search for forms of identity. It appeared to him that Berlin in the 2010s had replaced New York as a place of longing.Sahihi’s conceptual series Beautiful Berlin Boys is not only an homage to his friends of days past; it also makes a plea for the privilege of living a life in freedom and open-ness, as well as for tolerance and a sense of belonging. Ashkan Sahihi has been living and working in Berlin since 2013. He shoots photo-graphs for, among others, ZEITmagazin, The New Yorker, and Vogue. In the past few years, he has exhibited in, among others, MoMA / PS1 in New York and the Academy of the Arts in Berlin. His work Die Berlinerin (2015) is a photographic, sociological study of women in Berlin.

Beautiful Berlin Boys ist ein Aufruf für Toleranz und gegenseitigen Respekt

Beautiful Berlin Boys is a call for tolerance and mutual respect


Beautiful Berlin BoysKehrer Galerie, Berlin03.12.2016 – 28.01.2017


Texte von / Texts byNadine Olonetzky, Petra Zudrell



DEUTSCH

ISBN 978-3-86828-771-4ca. Euro 30,00

April 2017 9783868287714

Tina RuisingerTracesEin Verstorbener hinterlässt Spuren im Leben seiner Angehörigen, in seiner Umgebung, in der Welt. Gegenstände, Fotos, Kleider oder Orte lassen die Erinnerungen an einen geliebten Menschen wieder aufleben. Das bildliche Einfangen eines Momentes spielt hier ebenfalls eine große Rolle. Schon Walter Benjamin, Siegfried Kracauer, Roland Barthes und Susan Sontag stellten den Zusammenhang von Fotografie und Tod ins Zentrum ihrer Betrachtungen. Tina Ruisinger hat zehn Jahre lang all die Dinge fotogra-fiert, die zurückbleiben, wenn ein Mensch stirbt. Es geht dabei sowohl um das Ster-ben als auch um das Weiterleben der Hinterbliebenen. Die Objekte werden aus ihrem Kontext herausgelöst dargestellt. Als Künstlerin sieht sie sich einem Thema verpflich-tet, das immer noch ein Tabu darstellt. Tina Ruisinger, 1969 in Stuttgart geboren, hat an der Hamburger Fotoschule, am Inter-national Center of Photography in New York und an der Zürcher Hochschule der Künste studiert. Seit 1992 arbeitet sie als freischaffende Fotografin in den Bereichen Repor-tage, Porträt und Tanz.

Those who die leave behind traces in the lives of their families and loved ones, in their surroundings, in the world. Objects, pictures, clothing, or places spark memories of loved ones. The capturing of a moment in a photo also plays a significant role here. Wal-ter Benjamin, Siegfried Kracauer, Roland Barthes, and Susan Sontag have all empha-sized the connections between photography and death. For ten years, Tina Ruisinger photographed all the things that are left behind when one dies. In doing so, she focused not only on death, but also on the lives of those left behind. The objects are depicted out of their original context. As an artist, she is committed to a topic that remains taboo. Tina Ruisinger (b. 1969 in Stuttgart) studied at the Hamburg School of Photography, the International Center of Photography in New York, and the Zurich University of the Arts. Since 1992, she has been working as a freelance photographer in the fields of reportage, portrait, and dance.

Was hinterlässt ein Mensch, wenn er stirbt?

What is left behind when a person dies?

Tina Ruisinger

Traces


Texte von / Texts byDhondup Gyal, Tenzin Gyatso (14. Dalai Lama), Robert Hariman, Eric Paddock, Bhuchung D. Sonam


Festeinband / Hardcover 24 x 32 cm128 Seiten / pages 50 Farbabb. / color ills.

ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-773-8ca. Euro 48,00

März / March 2017 9783868287738

David ZimmermanOne VoiceOne Voice entwickelt eine fesselnde Geschichte über die Entschlossenheit und Tat-kraft, die Menschen angesichts des Verlusts ihrer Nation, Familie und Identität ent-wickeln können. Werden Menschen von ihrem Heimatgebiet definiert oder von der Kultur, die sie in ihrem neuen Leben aufbauen? Fotografiert in Flüchtlingssiedlungen und Nomadengebieten Indiens, zeigen die großformatigen Porträts von One Voice einen Querschnitt der tibetischen Exilgesellschaft: Nomaden und Händler, Schriftsteller und Revolutionäre. Die Fotos – entstanden, während sie ihre Geschichten erzählten – sind Studien zu Ausdruck und Form. Mit der fotografischen Erzählung sind Texte von tibe-tischen und westlichen Autoren verwoben, deren Gedichte und Essays die Erfahrung des Exils vermitteln. Angesichts einer Flut neuer Flüchtlinge ist die tibetische Exilge-schichte ein warnendes Beispiel für unbeabsichtigte Konsequenzen – und dafür, wie gefährdet Sprache und Kultur sind, wenn sich Vertriebene über die ganze Welt vertei-len. Letztendlich ist die tibetische Geschichte eine universelle Geschichte. David Zim-merman lebt und arbeitet in New Mexico (USA) und Indien.

One Voice weaves a compelling narrative of man’s resolve and spirit when confronted with the loss of nation, family, and identity. Are people defined by their territory or by the culture they construct in their new lives? Photographed in refugee settlements and nomadic regions of India, the large-format portraits of One Voice represent a cross-sec-tion of Tibetan exile society; nomads, tradesman, writers, and revolutionaries. Photo-graphed while recounting their experiences, the images are a study of expression and form. Intertwined with the photographic narrative are insights by Tibetan and Western writers, whose poetry and essays convey the exile experience. Amidst a sea of new ref-ugees, the Tibetan exile history is a cautionary tale of unintended consequences and an example of how language and culture are at risk as exiles scatter around the world. Ultimately, the Tibetan story is a universal story.David Zimmerman lives and works in New Mexico (USA) and India.

Ein Querschnitt der tibetischen Exilgesellschaft

A cross-section of the Tibetan exile society

David Zimmerman

One Voice


One VoiceAIPAD, New York City30.03. – 02.04.2017

Sous Les Etoiles Gallery, New York CityJuni / June – August 2017


Hans-Michael Koetzle (Hrsg. / Ed.) – Sehnsucht Schlüsselwerke aus der Sammlung Michael HorbachMichael Horbach hat Großes vor. Das Medium Fotografie möchte er nutzen, um die Welt ein Stück weit besser zu machen. Das klingt kühn angesichts globaler Krisen und Konflikte. Michael Horbach hält konkret dagegen – mit seinen großzügigen Kunsträu-men in der Kölner Südstadt, einem dichten Ausstellungsprogramm sowie Stipendien für junge Künstler vorzugsweise aus Afrika oder Lateinamerika: Fotografinnen und Fotogra-fen, die sich mit ihrer Arbeit den großen Gegenwartsfragen stellen. Auch in der Rolle als Sammler unterstützt Michael Horbach junge Kamerakunst, wobei sein Interesse auf fotografische Arbeiten zielt, die die Balance zwischen formal-ästhetischer Exzel-lenz und einer humanistischen Botschaft wahren. Erstmals gewährt der umfangreiche Band Einblick in die mit großem Engagement zusammengetragene Sammlung, deren Qualität nicht zuletzt darin besteht, dass sie auch weniger bekannte Fotokünstler prä-sentiert. Horbach sammelt konsequent gegen den Strich und öffnet so die Augen für in unseren Breiten häufig übersehene Positionen.

Michael Horbach has ambitious plans: With the help of photography, he strives to make the world a better place. This may sound foolhardy in the face of global crises and con-flicts, but Michael Horbach remains firm in his convictions – concretely with his spatious Kunsträume (Art Spaces) in Cologne, a dense program of exhibitions, and grants for younger artists, especially from Africa and Latin America, whose works adress critical issues of contemporary society. Michael Horbach also supports contemporary photo art in his role as a collector, whereby his interest is directed towards photographic works that strike a balance between formal and aesthetic excellence and a humanistic state-ment. The comprehensive volume presents for the first time profound insight into a col-lection compiled with great commitment and which stands out not least of all by also featuring works by lesser known photo artists. Michael Horbach collects persistently against the grain, opening our eyes to positions often overlooked in our latitudes.

Fotografen / PhotographersJuan Carlos Alom, Pep Bonet, Raúl Canibaño, Arien Chang Castán, Hernán Díaz, Miquel Frontera Serra, Flor Garduño, Jan Grarup, Lucana, Pierrot Men, Bill Perlmut-ter, Sebastião Salgado, Alfredo Sarabia, Marcos Zimmermann et al.

Mit dieser umfangreichen Publikation gestattet der Kölner Michael Horbach erstmals einen Blick in seine außergewöhnliche Fotosammlung mit Schwerpunkt Lateinamerika

With this comprehensive publication Michael Horbach provides for the first time an in-depth view into his extraordinary photo collection with a focus on Latin America

Herausgegeben von / Edited by Hans-Michael Koetzle

Text von / byHans-Michael Koetzle

Gestaltet von / Designed by Detlev Pusch

Festeinband / Hardcover ca. 24 x 22 cmca. 204 Seiten / pages ca. 120 Duplexabb. / duotone ills.

DEUTSCH / ENGLISCH / SPANISCH

ISBN 978-3-86828-783-7ca. Euro 39,90

Mai / May 2017 9783868287837


Kunsträume der Michael Horbach Stiftung Köln / Cologne01.05.2017 – 30.07.2017

Weitere Stationen werden angekündigt /Further venues to be announced

Hans-Michael Koetzle (Hrsg.)

SEHN SUCHT

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Zum 250. Jubiläum des berühmten Wiener Vergnügungsparks

To the 250th anniversery of the renowned amusement park in Vienna

Text von / byAndrea Roedig

Gestaltet von / Designed byKehrer Design (Loreen Lampe), Frank Robert

Festeinband / Hardcover 28 x 24 cm128 Seiten / pages 77 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-753-0Euro 39,90


Frank RobertEndstation Sehnsucht. Der Wiener PraterDer Wurstelprater in Wien gilt als einer der ältesten Vergnügungsparks der Welt und feierte 2016 sein 250. Jubiläum. Der Fotograf Frank Robert zeigt in seiner Publikation Endstation Sehnsucht. Der Wiener Prater die vielzähligen Buden und Fahrgeschäfte des Praters als einen sozialen Ort, an dem sich die Besucher in eine Reise durch eine künst-liche Welt begeben. Der Prater funktioniert dabei wie eine große Bühne: Die Sonne, das Spiel von Licht und Schatten, wirken wie Spotlights, die für den Fotografen bei jedem Besuch neue Details freilegen. Immer wieder sticht auch beim selben Motiv etwas ande-res hervor. »Die Praterparzellen sind wie organische Zellen, sie verändern und verschie-ben sich ständig«, sagt Robert. Und so gibt es in den 77 Aufnahmen auch einiges zu entdecken: Ein Sammelsurium aus exotischen Plastiktieren, verlassenen Fahrgeschäf-ten und bunten Monstern wird von den Besuchern im Sommer wie im Winter erkun-det und zeigt den Prater als einen Vergnügungspark, der gerade nicht durch modernen Hightech definiert ist. Er hat sich seine Einzigartigkeit vor allem dadurch bewahrt, dass hier viele Attraktionen und Buden einfach länger stehen bleiben dürfen als anderswo. Aber das ist nur eine der Erklärungen für die besondere Atmosphäre des Wiener Praters!

The Wurstelprater in Vienna is regarded as one of the world’s oldest amusement parks and celebrated its 250th anniversary in 2016. In his publication Endstation Sehnsucht. Der Wiener Prater, photographer Frank Robert shows the Prater’s numerous booths and rides as a social place where visitors set off on a journey into an artificial world. In this context, the Prater operates like a big stage: The sun, the play of light and shade, have the effect of spotlights which, as the photographer sees it, reveal new details on every visit. Even when the motif stays the same, something different about it emerges again and again. »The lots at the Prater are like organic cells, they constantly change and shift,« says Robert. And so there are a number of discoveries to made in the 77 shots: a hodgepodge of exotic plastic animals, abandoned rides, and colorful monsters is explored by visitors in summer and winter alike, and shows the Prater as an amuse-ment park that is not exactly defined by modern hi-tech. One of the main elements that have preserved its uniqueness is the fact that many attractions and booths are simply permitted to remain standing for longer here than elsewhere. But that is just one of many explanations for the special ambience at the Vienna Prater!


Herausgegeben von / Edited by Günther Kebeck, Thomas Wrede

Fotografien von / Photographs byThomas Wrede

Text von / byGünther Kebeck

Gestaltet von / Designed bySylvia Handschuh


DEUTSCH

ISBN 978-3-86828-776-9ca. Euro 30,00

März / March 2017

Günther Kebeck / Thomas WredeDie eine AnsichtFotografische Bilder und ihre WahrnehmungFotografische Bilder haben ihren Ausgangspunkt in der Perspektive der Kamera: »der einen Ansicht«. Der Fotograf wählt Ausschnitt und Perspektive, es entsteht eine eigene Realität.Die vorliegende Publikation ist künstlerisches Fotobuch und wissenschaftliches Studi-enbuch zugleich, bei dem der Betrachter wie auch der Leser gefordert wird. Die Dome-stic Landscapes von Thomas Wrede sind in Privatwohnungen entstanden. Ablichtungen von Fototapeten – Interieurs, die gleichzeitig Landschaftsbilder sind, komplexe »Bild im Bild« Situationen. Der Text von Günther Kebeck verspricht keine Interpretation der Bilder. Er vermittelt die naturwissenschaftlichen Grundlagen ihrer Betrachtung: Natür-lichkeit und Künstlichkeit, Illusion und Wirklichkeit, Ambivalenz und Ambiguität, Innen-welt und Außenwelt – sind einige der Stichworte. Die eine Ansicht richtet sich nicht nur an Künstler und Fotografen, sondern an alle, die an Fragen der Bildwahrnehmung interessiert sind.

Photographic images have their origin in the camera’s perspective: »the one view.« The photographer selects detail and perspective, thus creating a distinct reality.The present publication is both an artistic photobook and scientific textbook, which challenges both the viewer and the reader. Thomas Wrede’s Domestic Landscapes were created in private living spaces. Images of photo wallpaper – interiors, which are simul-taneously landscape images; complex situations of »pictures within pictures.« The text by Günther Kebeck does not provide any interpretation of the images. Instead, he postu-lates a scientific basis of their contemplation: naturalness and artificiality, illusion and reality, ambivalence and ambiguity, interior and exterior are several of the keywords. Die eine Ansicht (The One View) is directed not only at artists and photographers, but rather at all those interested in questions related to the perception of pictures.

9783868287769

Die eine Ansicht

Günther Kebeck | Thomas Wrede

Fotografische Bilder und ihre Wahrnehmung


Thomas Wrede. Modell LandschaftMuseum Sinclair-Haus, Altana-Stiftung, Bad Homburg, 12.03. – 05.06.2017

Wahrnehmung von Bildern aus der Sicht der Kunst und der Wissenschaft

Perception of pictures from the perspective of art as well as the science


Tamara JanesHalbschlafDas Wort »Traum« bedeutet in seinem ursprünglichen Sprachbegriff »Trugbild«. Doch diese Bezeichnung greift zu kurz. Träumen ist ein seelischer Vorgang des Halbschlafs. Je nach kulturellem und religiösem Hintergrund gibt es sehr unterschiedliche und oft auch widersprüchliche Interpretationen und Deutungen von Träumen. Tamara Janes hat ein fiktives Traumdeutungsbuch konzipiert, mit dem sie sich kritisch mit der beobachte-ten Vielfalt und Beliebigkeit auseinandersetzt. Von ihrem eigenen Bildarchiv ausgehend, nutzt sie die assoziative Methode des Textsamplings. Hierbei setzt sie Aussagen aus Traumdeutungen unterschiedlicher Quellen zusammen und kreiert damit humorvolle, schräge und bizarre Neuschöpfungen. Die Schlagworte findet Sie unter anderem auf den Webseiten »deutung.de«, »traumdeutung.ch« und »symbolonline.de«. Durch die fiktive Interpretation wird die Verfahrensweise der Traumanalyse ad absurdum geführt.Tamara Janes (* 1980) lebt und arbeitet in Bern. Nachdem sie in Zürich und New York Fotografie studierte, absolviert sie ihr Masterstudium an der Hochschule für Gestal-tung und Kunst in Basel.

The word »dream« originally designated a »deception«. Yet this description falls short. Dreaming is a mental process of half-sleep. Depending on cultural and religious back-ground, there are very different and often contradictory understandings and interpre-tations of dreams. Tamara Janes has conceived a fictive book on dream interpretation, with which she critically examines this diversity and randomness. Starting with her own photographic archive, she makes use of the associative method of text sampling, with which she combines statements from dream interpretations from various sources and uses these to create humorous, quirky, and bizarre neologisms. She finds the catchwords on the websites »deutung.de«, »traumdeutung.ch«, and »symbolonline.de«. Through this fictive interpretation, the methods of dream analysis are taken ad absurdum. Tamara Janes (b. 1980) lives and works in Bern, Switzerland. Following her undergrad-uate studies of photography in Zurich and New York, she completed her Masters at the University of Art and Design in Basel.

Eine humorvolle Auseinandersetzung mit dem Konzept der Traumdeutung

A humorous analysis of the methods of dream interpretation

Texte von / Texts byLorenzo Bonati, Tamara Janes, Jörg Scheller

Gestaltet von / Designed byKrispin Heé, Katharina Reidy

Festeinband / Hardcover 11 x 17 cm304 Seiten / pages ca. 180 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH

ISBN 978-3-86828-786-8ca. Euro 25,00

Juli / July 2017 9783868287868

Verletzung: Sozialer Aufstieg verdrängt den seelischen Schmerz.

Dackel: Der Eigensinn kommt der Lebensfreude zuvor.

Ventilator: Aberglaube sperrt den Weg zur Veränderung.

Coca-Cola: Frohe Stunden an der Front kündigen Friede und Freundschaft an.

TAMARA JANES

Halbschlaf


9783868287592

Oliver MarkNatura Morta»Bei seinen Fotografien steht die Natur im Vordergrund, die nun aber durch den Men-schen vernichtet worden ist, um ihn zu schmücken und hervorzuheben. Der Mensch ist nicht Opfer der Vergänglichkeit, er ist Täter.« (Rainer Vollkommer, Direktor des Nati-onal Museums Liechtenstein)Natura Morta ist eine Fotoserie des 1963 geborenen Fotografen Oliver Mark. Entstan-den in der Asservatenkammer des Bundesamtes für Naturschutz in Bonn von 2015 bis 2016, zeigt sie Produkte, die an der Grenze bei Einreisenden gefunden und beschlag-nahmt wurden. Es handelt sich dabei um geschützte Tier- und Pflanzenteile, etwa Kleidung aus Schlangenleder oder Erzeugnisse aus Horn oder Elfenbein. Oliver Marks Ambition besteht darin, diese Gegenstände auf eine Weise darzustellen, die beim Betrachter die Kostbarkeit der exotischen Mitbringsel in den Fokus setzt, ihn aber nach und nach zum Nachdenken anregen soll.Der Bildband enthält Kommentare von namenhaften Autoren wie Barbara Hendricks, Rainer Vollkommer und Philipp Demandt, die das Thema der Artenvielfalt und ihrer Bedrohung in der heutigen Zeit aufgreifen und betonen. Ziel des Projekts ist es, Men-schen aufzurütteln und zu zeigen, dass Artenvielfalt lebenserhaltend für unsere Spe-zies ist.

»Nature features in the foreground of his photos, but has now been destroyed by man, in order to adorn and accentuate him. Man is not the victim of transience, he is the perpetrator.« (Rainer Vollkommer, Director of the Liechtenstein National Museum)Natura Morta is a photographic series by the photographer Oliver Mark, who was born in 1963. Taken in the evidence room of the German Federal Agency for Nature Conser-vation in Bonn in 2015 to 2016, it shows products that have been found on incoming travelers at the border and confiscated. These are components of protected animals and plants, snakeskin clothing, for instance, or items made out of horn or ivory. Oliver Mark’s ambition is to present these objects in a manner that focuses the beholder’s attention on the preciousness of the exotic souvenir but, little by little, prompts him to reflect.The photobook contains commentaries by renowned authors such as Barbara Hen-dricks, Rainer Vollkommer, and Philipp Demandt, who take up and underline the theme of biodiversity and the threats that it faces today. The project’s aim is to stir people’s consciousness and demonstrate that biodiversity is life-sustaining for our species.

Die Fotoserie, die in der Asservatenkammer des Bundesamtes für Naturschutz entstand, erinnert an die Bedeutung der Artenvielfalt

This photographic series, which was taken in the evidence room of the German Federal Agency for Nature Conversation, seeks to remind us how important biodiversity is

Texte von / Texts byLorenz Becker, Philipp Demandt, Aurelia Frick, Barbara Hendricks, Christian Koberl, Julia M. Nauhaus, Michael Schipper, Rainer Vollkommer

Gestaltet von / Designed bySaskia Franz / SCHIPPER COMPANY GmbH, Hamburg

Festeinband / Hardcover 30,4 x 37,5 cm136 Seiten / pages 57 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-759-2Euro 48,00

Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced

44 45Fotografie / Photography

The Most Beautiful FlowersK E N J I TO M A

9783868287899

Texte von / Texts byN.N.



ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-789-9ca. Euro 45,00

Juli / July 2017

Kenji TomaThe Most Beautiful FlowersDiese Fotoserie ist eine Hommage an die botanischen Illustrationen in Choix Des Plus Belles Fleurs1 von Pierre-Joseph Redouté, eine der meistbeachteten Blumenenzyklo-pädien des 19. Jahrhunderts.Vor der Erfindung der Farbfotografie wurden Zeichnungen und Stiche dieser Blumen-bilder in der Absicht koloriert, dem natürlichen Aussehen des botanischen Modells möglichst nahezukommen. Kenji Toma hingegen ist eher am gegenteiligen Effekt inte-ressiert und setzt das Medium Fotografie, das seiner Natur nach realistisch abbilden kann, gezielt ein, um sein Sujet zu verfremden und künstlich erscheinen zu lassen. Das Ergebnis ist eine moderne und spannende Neuinszenierung des Konzepts eines botanischen Nachschlagewerks.Der vielfach ausgezeichnete Fotograf Kenji Toma (* in Niigata, Japan) hat seine Karri-ere in Tokio begonnen und lebt und arbeitet seit 1990 in New York. Er gilt heute als einer der führenden kommerziellen Still-Life-Fotografen, dessen geheimnisvoller Stil und detailverliebte Sichtweise unverwechselbar sind. Daneben arbeitet er an eigenen Projekten wie The Most Beautiful Flowers.

This photo series is Kenji Toma’s homage to the botanical illustrations in Choix Des Plus Belles Fleurs1 by Pierre-Joseph Redouté, one of the most well regarded flower encyclopedias of the 19th century. Back when color photography did not exist, these images were illustrated with the pur-pose of replicating the botanic subject as close to reality as possible. Kenji Toma is more interested in doing the exact opposite with the photographic medium which, realistic by nature, can also be used to make a subject look unreal, artificial. The result is a highly contemporary and fascinating revival of the concept of the botanical encyclopedia.Kenji Toma (b. in Niigata, Japan) is an award-winning photographer living in New York. After establishing his photography career in Tokyo, Toma arrived in New York in 1990. Since then, he has been recognized as one of the leading commercial still-life pho-tographers with his unique mysterious style and detail-oriented vision. Concurrently, he is working on personal projects and The Most Beautiful Flowers is his most repre-sentative work.

1 Choix Des Plus Belles Fleurs: et des plus beaux fruits, 1833, France, by Pierre-Joseph Redouté (1759 – 1840)

Fotografische Hommage an eine der meistbeachteten Blumenenzyklopädien des 19. Jahrhunderts

Photographic homage to one of the mostwell regarded flower encyclopedias of the 19th century


Text von / byHansjörg Fröhlich



DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-770-7ca. Euro 39,90

April 2017 9783868287707

Christian MaderThe Missing LinkDie Fotografien des Stuttgarter Fotografen Christian Mader erzählen von der Unergründ-lichkeit einer Gesellschaft, die Europäern weitgehend fremd bleibt. Uns fehlt eine offen-kundige Verknüpfung zwischen der sichtbaren und der imaginären Welt, der Missing Link. Die Japaner auf den Fotografien wirken wie hineingestellt, in eine Welt, die sie eher hinnehmen als gestalten. Viele Ostasiaten leben ihr Leben in dem Bewusstsein, dass es einen freien Willen westlichen Zuschnitts letztlich nicht gibt, da ein zielgerich-tetes Handeln im realen Leben keinen Einfluss auf den immer unwägbaren Gesamt-kosmos hätte. Maders Arbeiten sind keinesfalls Reportagen, jedoch sind seine Sujets auch nicht inszeniert. Er arrangiert oder drapiert nicht. Obwohl die Fotografien realsi-tuativen Alltag zeigen, trauen wir dieser Alltäglichkeit nicht. Wir können die Narrative, die in diesen Situationen stecken, nicht weitererzählen, da unsere westlichen Konzepte und Routinen des intuitiven Erkennens und Deutens in diesem östlichen Land nicht greifen. Genau hierin gründet die Faszination von Maders Fotografien.

The works of the Stuttgart-based photographer reveal the inscrutability of a society that remains largely foreign to us as Europeans. We lack a clear connection between the visible and the imaginary worlds – the missing link. The Japanese people in the photographs appear as though they have been inserted into a world that they endure more than they shape. Many Eastern Asians live their lives conscious of the fact that there is ultimately no such thing as free will as this is defined in the West, since, in real life, goal-orientated action has no influence on the eternally imponderable cosmos as a whole. Mader’s works are by no means reportage, whereby his images are not staged. He neither composes nor adorns. Although the photographs depict real situations from everyday life, we do not trust their prosaicness. We are incapable of retelling the narra-tives that lie within these situations, since our Western concepts and routines of intui-tive cognition and interpretation do not apply in this Eastern country. Precisely herein lies the fascination of Mader’s photographs.

Christian Mader untersucht die europäi-sche Wahrnehmung der ostasiatischen Alltagswelt in Japan

Christian Mader studies the European perception of the east Asian day-to-day world in Japan

The Missing Link

Christian Mader


Text von / by Julia Calfee

Gestaltet von / Designed by Pentagram Design Berlin

Festeinband mit Schutzumschlag / Hardcover with dust jacket30 x 24 cm112 Seiten / pages 44 Duplexabb. / duotone ills.

ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-762-2Euro 39,90

Januar / January 2017 9783868287622

Julia CalfeeMessages From Another WorldMessages From Another World zeigt sechs verschiedene Länder in Asien und Europa, die Calfee nicht nur bereist hat; sie lebte monate- oder gar jahrelang dort, um außer-gewöhnliche Menschen mit Verbindungen zu außergewöhnlichen Energien zu suchen und zu finden. In vielen Fällen wurden diese Menschen ihre Freunde und erlaubten ihr, auch unter sehr intimen Umständen ungehindert zu fotografieren. Indem sie sich mit dem einfachen Werkzeug der analogen Schwarz-Weißfotografie auf ihre künstlerische Suche begibt, produziert sie ungewöhnliche humanistische Bilder, die den Betrachter dazu bringen, über diese Momente einer anderen Welt nachzuden-ken. Calfee zeigt, dass an unterschiedlichen Orten ein vergleichbares kulturelles Erbe existiert, heute ebenso wie vor Hunderten von Jahren, und dass es außerdem auf eine Art und Weise verehrt wird, die sich durch bloße geografische Koordinaten nicht hin-reichend erklären lässt.DIe Künstlerin Julia Calfee nutzt Fotografie, Video, Tonaufnahmen und Texte als Medien. Sie lebt und arbeitet in Europa und Asien. Zu ihren Büchern gehören A Glacier’s Requiem (Kehrer 2016), Inside: The Chelsea Hotel (2008), Spirits and Ghosts (2003) und Pho-togeneses /Têtes (1995).

Messages From Another World covers six different countries in Asia and Europe to which Calfee did not just travel, but where she actually lived for many months or even years, searching and finding special people connected to special energies. In many cases these people became her friends and permitted her to photograph freely in very intimate circumstances. Pursuing her quest as an artist with the simple tool of black and white analogue pho-tography, she produces unusual humanistic images which lead the reader to reflect on these other worldly moments. Calfee demonstrates that comparable cultural legacies not only prevail today as they did hundreds of years ago but are revered in ways that go beyond the explanation of geographical locations.Julia Calfee, an artist whose media are photography, video, audio recordings, and writings, lives and works in Europe and Asia. Her books include A Glacier’s Requiem (Kehrer 2016), Inside: The Chelsea Hotel (2008), Spirits and Ghosts (2003), and Pho-togeneses / Têtes (1995).

»Meine Fotografien der unsichtbaren Welt bilden einen Bildteppich humanistischer Geografie, der mit bloßem Auge besser sichtbar ist, als ich erwartet hätte.«

»My photographs of the invisible world contain messages which form a tapestry of humanistic geography more visible to the naked eye than I expected.«


Atemberaubende Bilder von der rauen Schönheit im Atlantik

Breath-taking images of the rough beauty in the Atlantic Ocean

Texte von / Texts by Halldór Guðmundsson, Matthias Wagner K

Gestaltet von / Designed byHarald Pridgar

Festeinband / Hardcover24 x 30,5 cmca. 240 Seiten / pages ca. 100 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-777-6ca. Euro 48,00

März / March 2017

Ulrike CrespoIcelandMit ihrer Serie Iceland nimmt sich Ulrike Crespo einer außergewöhnlichen Landschaft an, die schon seit dem 19. Jahrhundert unzählige Reise- und Kunstfotografen inspiriert hat. Und doch gelingen ihr Bilder, die den atemberaubenden Farben- und Formenreich-tum dieser wilden Insel auf ganz neue Weise, häufig in beinahe abstrakten Details zei-gen: türkisblaue Eisberge, schwarzer Vulkansand, weiß schäumende Wasserfälle, grün bemooste Felsen, schwefelgelbe Geröllwüsten.Seit den 1990er-Jahren setzt sich Ulrike Crespo intensiv mit Fotografie auseinander. 2011 erschien ihr erster Fotoband Twilight mit Bildern, die von der Dämmerung erzäh-len, im Kehrer Verlag. Es folgten weitere Bücher, darunter das Blumenbildern gewidmete Ephemere (2012), die mit Infrarotfotografie verfremdeten Landschaftsbilder in Cold Landscape (2013), und schließlich wogende Wälder aus Algen und Tang in Unter der Haut des Wassers (2015). Ulrike Crespos Fotografien wurden in Einzel- und Gruppenaus-stellungen gezeigt. Sie lebt und arbeitet in Frankfurt / Main, Wien und West Cork, Irland.

With her Iceland series, Ulrike Crespo takes on an extraordinary landscape, which has inspired countless travel and art photographers since the 19th century. And yet she succeeds in producing images that depict the breath-taking wealth of colors and forms of this wild island in a completely new way, often in nearly abstract details: tur-quoise-blue icebergs, black volcanic sand, white foaming waterfalls, mossy green boul-ders, and sulphur-yellow gravel deserts.Ulrike Crespo has been preoccupied with photography since the 1990s. Her first pho-tobook, Twilight, telling about the zone between light and darkness, was published by Kehrer in 2011. Further books followed, including Ephemere (2012), featuring images of flowers, Cold Landscape (2013), dedicated to distorted landscape images shot with infrared photography, and finally Unter der Haut des Wassers (2015), which focuses on an underwater world with undulating forests of seaweed and kelp. Ulrike Crespo’s photographs have been presented in numerous solo and group exhibitions. She lives and works in Frankfurt / Main, Vienna, and West Cork, Ireland.

9783868287776


Joachim Richau

FRAGMENToder die Gegenwart des Zweifels

9783868287806

Joachim RichauFRAGMENT oder die Gegenwart des ZweifelsUnmittelbar nach dem Fall der Mauer im Herbst 1989 begann Joachim Richau seine regelmäßigen Arbeitsaufenthalte in Skandinavien. Nachdem er sich ab Mitte der 1990er-Jahre verstärkt mit dem landschaftlichen Raum und seiner Struktur auseinan-der gesetzt hatte, realisierte er seine fotografischen Serien und Einzelbilder ab Anfang der 2000er-Jahre nur noch dort. Mehr als zehn Jahre lang hatte Richau in Dalarna /Schweden ein Atelier im Waldhaus von Freunden, weit entfernt von bewohnter Gegend, wohin er sich jedes Jahr zu mehrmonatigen Aufenthalten zurückzog – vornehmlich auch im Winter. Zum Werkkomplex FRAGMENT oder die Gegenwart des Zweifels gehö-ren auch Aufnahmen, für die der Fotograf immer wieder den gleichen Steinbruch auf-suchte. Bestimmend in diesen Bildkompositionen der jüngsten Schaffensphase ist die Dualität zwischen einer annähernd opaken Oberfläche einer mehrschichtigen Schnee-decke und dem darunter liegenden rotbraunem Gestein. Dabei ist das Ziel nicht die Dokumentation konkreter Orte. Vielmehr erreichen die zum Teil extremen Nahaufnah-men von Eisoberflächen oder Steinwänden eine Abstraktion, die das jeweilige Bildsu-jet jeglichem zeitlichen und räumlichen Kontext entheben. Joachim Richau (* 1952) präsentierte seine mehrfach ausgezeichneten Arbeiten in mehreren Künstlerbüchern und zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland.

Immediately following the fall of the Berlin Wall in the autumn of 1989, Joachim Richau began making regular work stays in Scandinavia. After, in the mid-1990s, he increas-ingly delved into the landscape and its inherent structure, from 2000 onwards he focused exclusively on this theme for his photographic series and individual images. For more than ten years, Richau had access to a studio in the forest house of friends in Dalarna / Sweden, but nevertheless far away from human inhabitation, to where he retreated for several months each year – also in winter. Included in the group of works titled FRAGMENT oder die Gegenwart des Zweifels (FRAGMENT or the Presence of Doubt) are photos for which the artist repeatedly visited the same stone quarry. Of central importance to these most recent works is the duality between the nearly opaque surface of a multi-layered blanket of snow and the underlying red-brown rock. Nevertheless, the goal here is not the documentation of concrete locations. Instead, the extreme close-ups of ice surfaces or walls of stone reach a level of abstraction which remove the respective motif from any temporal and spatial context.

Texte von / Texts by Peter Kruska, Christiane Stahl

Gestaltet von / Designed byMichael de Maizière

Festeinband / Hardcover ca. 24 x 30 cmca. 80 Seiten / pages ca. 50 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-780-6ca. Euro 35,00

Juni / June 2017


Stadtgalerie Kiel10.06. – 03.09.2017

Alfred Ehrhardt Stiftung, Berlin16.09. – 23.12.2017

Kunstmuseum Dieselkraftwerk, Cottbus 02.12.2017– 28.01.2018

Joachim Richaus Aufnahmen oszillieren an der Grenze zwischen Figuration und Abstraktion und entfalten eine malerische Wirkung

Richau’s photos oscillate between figuration and abstraction and are characterised by a painterly effect

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GREY CRAWFORDFINDING BONES

Grey CrawfordFinding Bones

Das Buch Finding Bones stellt eine kürzlich wiederentdeckte Werkgruppe von Grey Crawford vor. Diese Fotoanthologie verkörpert den kreativen Geist, der seinerzeit in der Kunstszene von Los Angeles vorherrschte. Südkalifornien war in den frühen 1970er-Jah-ren eine selbsterschaffene Insel. Eine Mischung aus Wellen und Meer, in der Beton-Highways ein kulturelles Klima umkurvten, das unsere Annahmen über das, was Kunst ist, infrage stellte. Crawford wählt seine Hintergründe mit einem Gespür für Strenge aus, als Mittel zur Präsentation jener scharfkantigen Formen, die er als Bausteine sei-ner eigenen Sprache verwendet.Die dreißig Fotografien sind Vintage-Silbergelatineabzüge, die in der Dunkelkammer von Hand mit Crawfords Maskiertechnik bearbeitet wurden, um eine neue Synthese von Bildlichkeit und Abstraktion zu erschaffen.(Aus dem Vorwort von Timothy Persons)

Finding Bones is a book introducing a newly rediscovered body of work by Grey Crawford. It’s an anthology of photographs that embody the creative spirit that was prevalent throughout the Los Angeles art scene at the time. Southern California in the early 1970’s was an island of its own creation. A mixture of surf and sea, concrete highways winding around an ever-changing cultural climate that was challenging our assumptions of what art is. Crawford chooses his selected backgrounds with a sense of austerity as a means for introducing these hard edge shapes and using them as the building blocks for his own language.The thirty photographs are silver vintage prints, using Crawford’s hand masking tech-nique in the darkroom to create a new synthesis of imagery and the abstract.(From the forword by Timothy Persons)

In Grey Crawfords Werk verschmelzen Liebe zur

Architektur, abstrakte Malerei und Fotografie

Grey Crawford’s works blend a love of architecture,

abstract painting, and photography

Herausgegeben von / Edited by Timothy Persons

Texte von / Texts byLyle Lexar, Timothy Persons

Gestaltet von / Designed byAsia Zak Persons

Festeinband / Hardcover ca. 34 x 28 cmca. 72 Seiten / pages ca. 30 Duplexabb. / duotone ills.

ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-779-0ca. Euro 39,90

April 2017 9783868287790


Gallery Taik Persons, Berlin28.04. – 01.05.2017


Text von / byGérard A. Goodrow


Festeinband / Hardcover ca. 30 x 24 cmca. 144 Seiten / pages ca. 100 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-768-4Euro 39,90

April 2017 9783868287684

Peter BraunholzFotografische WirklichkeitenPeter Braunholz ist ein Reisender in die vielfältigen Ebenen der Wirklichkeit, die wir mit bloßem Auge nicht wahrnehmen können. Von dort liefert er faszinierend-irritie-rende Bilder und setzt uns als Betrachter auf die Spur von Schein und Sein, Reali-tät und Illusion. Was auf den ersten Blick inszeniert oder manipuliert scheint, ist bei Braunholz reine Fotografie: er ist den Irritationen auf der Spur, die die Wirklichkeit selbst ausbrütet. Dabei geht es ihm weniger um das »Was«, sondern vor allem um das »Wie« – die kontinuierliche Weiterentwicklung eines fotografischen Blicks, der in das Wesen von Objekten und Räumen eindringt und ihre geheimen Zusammenhänge und Verbindungen enthüllt. Peter Braunholz (* 1963) studierte Musik in Los Angeles sowie Germanistik und Film in Frankfurt/Main. Er arbeitete als Musiker, Autor, Gestalter und Fotograf, bevor er sich 1999 der Fotokunst zuwandte. Von 2010 bis 2014 war er Mitglied des Kuratoriums und der Jury des Abisag-Tüllmann-Preises, 2013 Stipendiat des Huantie Museums in Peking. Seine Arbeiten wurden mehrfach international ausgezeichnet, werden weltweit gezeigt, unter anderem im Arsenale di Venezia und im Musée du Louvre, und befinden sich in renommierten Sammlungen.

Peter Braunholz explores the manifold layers of reality which are not perceptible to the naked eye. From this standpoint, he creates fascinating and yet irritating images and provides us as viewers with traces of appearance and reality, truth and illusion. What at first glance appears to be staged or manipulated is pure photography: Braun-holz searches for moments of irritation, born of reality itself. He is less interested in the »what« than he is in the »how« – the continuous development of a photographic perspective, which penetrates into the very essence of objects and spaces and reveals their secret relationships and connections.Peter Braunholz (b. 1963) studied Music in Los Angeles, as well as German Philology and Film in Frankfurt/Main. He worked as a musician, author, designer, and commer-cial photographer before turning to photo art in 1999. From 2010 to 2014, he was a member of the advisory board and jury of the Abisag Tüllmann Award and, in 2013 a grantee of the Huantie Museum in Beijing. His works have received numerous interna-tional awards. They have been exhibited worldwide in, among others, the Arsenale di Venezia and the Musée du Louvre, and are included in various renowned collections.


Galerie Anja Knoess, Köln / Cologne 10.12.2016 – 28.01.2017

Format Photography Festival, Derby 24.03. – 23.04.2017

Circulations Festival, Paris März / March – Juni / June 2017

Krakow Photomonth, Krakau / Krakow Mai / May – Juni / June, 2017

Photomed 2017, Sanary-sur-MerMai / May – Juni / June, 2017

Copenhagen Photo Festival, Kopenhagen / Copenhagen, 01.06. – 11.06.2017

Kunst 17 Zurich 22nd International Contemporary Art Fair, Zürich / Zurich Oktober / October 2017

Athens Photo Festival, Athens Juni / June – Juli / July 2017

Peter Braunholz

Fotografische Wirklichkeiten

Braunholz macht Ebenen der Wirklichkeit sichtbar, die mit bloßem Auge nicht wahrnehmbar sind

Braunholz visualizes layers of reality, which are unvisual for the naked eye


Herausgegeben von / Edited by Wienerberger AG

Texte von / Texts byValerie Loudon, Moritz Stipsicz


Festeinband mit Schutzumschlag / Hardcover with dust jacket ca. 22 x 28 cmca. 110 Seiten / pages ca. 84 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-772-1ca. Euro 45,00

Mai / May 2017 9783868287721

Insights – Wienerberger Contemporary Photography CollectionMit Insights – Wienerberger Contemporary Photography Collection hat die Wienerberger AG – weltweit führender Anbieter von Baustoff- und Infrastrukturlösungen mit Hauptsitz in Wien – 2012 ein einzigartiges Kunstprojekt ins Leben gerufen. Jedes Jahr werden herausragende, junge europäische Fotografen/-innen beauftragt, sich mit der Wie-nerberger Gruppe und ihrem Umfeld zu beschäftigen. Anders als bei herkömmlichen Unternehmenssammlungen, die sich zumeist aus Ankäufen zusammensetzen, stehen bei dieser Sammlung die Entstehung neuer Arbeiten sowie die Auseinandersetzung mit der industriellen Tätigkeit und deren Auswirkung auf die Gesellschaft im Vordergrund. Bis heute sind weit über 100 Werke von 13 Künstlern/-innen in 20 Ländern entstanden.

Insights – The Wienerberger Contemporary Photography Collection is a unique art project initiated in 2012 by the Vienna-based Wienerberger AG, a global provider of building materials and infrastructure solutions. Each year, exceptional young European photog-raphers are commissioned to make creative statements about the Wienerberger Group and its work environment. Unlike conventional corporate collections, which are gener-ally comprised of acquisitions, the focus here is on the processes behind the creation of new works, as well as the artists’ perspectives on industrial activity and its effects on society. Since its inception, far more than one hundred works by thirteen artists have been created in twenty countries.

Beteiligte Fotografen / Contributing photographersHubert Blanz (D), Charles Fréger (F), Miklos Gaál (Fin), Martin Kollar (Svk), Mar-kus Krottendorfer (A), Gábor Arion Kudász (Hu), Claudia Larcher (A), Janne Lehtinen (Fin), Ana Opalic (Hr), Andrew Phelps (US), Peter Puklus (Hu), Friederike von Rauch (D), Gregor Sailer (A)

Erstmalige Veröffentlichung einer Sammlung international renommierter Fotografen

First publication of a collection of internationally well-known photographers

Wienerberger Contemporary

Photography Collection

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Herausgegeben von / Edited by Katarina Skjønsberg,Stephanie von Spreter

Text von / byKatarina Skjønsberg

Gestaltet von / Designed byKehrer Design, Katarina Skjønsberg


ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-775-2ca. Euro 39,90

Juni / June 2017 9783868287752

Katarina SkjønsbergBe Good To YourselfBe Good To Yourself ist das Ergebnis von Katarina Skjønsbergs Aufenthalt im Westjor-danland. Während sie aktiv am Leben der Einheimischen teilnahm, fing Skjønsberg an, menschliche Begegnungen und ihre Umgebung zu fotografieren. Ziel dieses Buches ist es, unser angeborenes Bedürfnis nach Normalität, nach physischen Kontakten, nach Tanzen und Leben zu zeigen – selbst in extremen und komplexen Situationen. Be Good To Yourself reflektiert ständig darüber, wie man auf einen solchen Ort reagiert, wie man Zugang zu den Menschen findet, die man kennenlernt. Es hinterfragt Skjønsbergs Rolle als westliche junge Frau, Vermittlerin, Fotografin und Mitmensch, versetzt in Situatio-nen und an Orte, die von ihrer heimischen Realität weit entfernt sind. Die Fotografien sind persönlich, intim und beziehungsorientiert, sie zeigen universelle Bedürfnisse und Träume, die menschliche Neigung zu Eskapismus und das Alltagsleben.Be Good To Yourself hat den Nordic Dummy Award 2016 gewonnen. Dieser Preis wird jährlich von Fotogalleriet, Oslo, vergeben; 2016 wurde er zusätzlich vom Norwegian Photographic Fund, The Freedom of Expression Foundation Oslo und dem Norwegian Arts Council unterstützt.

Be Good To Yourself is the result of Katarina Skjønsberg’s residence in the West Bank. While actively participating in the local residents’ life, Skjønsberg started photograph-ing human encounters and surroundings. The book aims to present our innate need for normality, physical contact, dancing and living – despite extreme and complex sit-uations. Be Good To Yourself continuously reflects on how to respond to such a place, how to relate to the people met. It questions Skjønsberg’s role as a young Western woman, mediator, photographer, and fellow human placed in situations and places distant from her reality back home. The photographs are personal, intimate and rela-tional presenting universal needs, dreams, human escapist nature, and everyday lives.Be Good To Yourself is the winning book of the Nordic Dummy Award 2016. The prize is awarded annually by Fotogalleriet, Oslo. The 2016 edition receives additional sup-port by the Norwegian Photographic Fund, The Freedom of Expression Foundation Oslo, and the Norwegian Arts Council.

Die Gewinnerin des Nordic Dummy Awardporträtiert die alltägliche Sehnsucht nach Normalität und Zwischenmenschlichkeit in einem Krisengebiet

The winner of the Nordic Dummy Awardpresents the everyday need for normality and relationships in a conflict area


C/O Berlin Talents 38 Sasha Kurmaz / Svea BräunertMethodRegeln aushebeln, Irritation erzeugen. Sichtbar machen, was im Alltag permanent unter-geht. Völlig unerwartet. Right in the face! Die nonkonformistischen Aktionen von Sasha Kurmaz finden immer im öffentlichen Raum statt und unterbrechen fast beiläufig die Monotonie vertrauter Wahrnehmungsweisen. Die fotografischen Situationen und illega-len Interventionen des ukrainischen Künstlers sind der Sand im Getriebe. Sie hinterfra-gen Gewohnheiten und eröffnen neue kulturelle und soziale Freiräume. Seine Haltung ist Guerilla oder Punk – autonom, spielerisch, grenzverletzend, radikal. Fotografie ist für ihn nicht nur ein Instrument, um das Leben wiederzugeben und zu erklären, son-dern um das transgressive Potenzial von Kunst auszuschöpfen und so das Verständnis von Gesellschaft zu verändern. Welche künstlerische Methoden wendet Sasha Kurmaz hierfür an? Welche Konstellationen erzeugt er? Und was lösen seine Strategien aus?

Doing away with rules, causing irritations. Making everyday occurrences visible. Com-pletely unexpected. Right in the face! The nonconformist actions of Sasha Kurmaz always take place in public spaces and almost casually break up the monotony of famil-iar modes of perception. The photographic situations and illegal interventions of the Ukrainian artist throw a spanner into the works. They question habits and open new cul-tural and social spaces. His attitude is guerrilla or punk – autonomous, playful, disrup-tive, radical. For him, photography is not just an instrument for echoing and explaining life, but rather for exhausting art’s potential and by doing so changing our understand-ing of society. Which artistic methods does Sasha Kurmaz apply to accomplish this? What kinds of constellations does he create? And what initiates his strategies?

Nonkomformistische Aktionen im öffentli-chen Raum, die fast beiläufig die Monotonie vertrauter Wahrnehmungsweisen stören

Noncomformist actions in public spaces, which almost casually disturb the monot-ony of familiar modes of perception

Herausgegeben von / Edited by C/O Berlin

Texte von / Texts byAnn-Christin Bertrand, Svea Bräunert

Gestaltet von / Designed byNaroska Design

Festeinband mit Schweizer Bindung / Hardcover with Swiss binding17 x 23 cm92 Seiten / pages 65 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-708-0Euro 24,90



C/O Berlin, 16.07. – 25.09.2016


Collagen, Skulpturen und Schatten sind Teil dieser Erkundungsreise zwischen Architektur und Fotografie

Collages, sculptures and shadows are part of this course between architecture and photography

Herausgegeben von / Edited by C/O Berlin

Text von / byAnn-Christin Bertrand, Jule Schaffer

Gestaltet von / Designed byNaroska Design

Festeinband mit Schweizer Bindung / Hardcover with Swiss binding17 x 23 cm96 Seiten / pages 17 Farb- und 13 S / W-Abb. / 17 color and 13 b/w ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-709-7Euro 24,90


C/O Berlin Talents 39Maja Wirkus / Jule SchafferPraesens II PräsensKomplexe Schatten zeichnen Muster auf den Boden. Gebogenes Messing verstrahlt goldenen Glanz. Zartweiße Betonblöcke ruhen auf dunklen Holzsockeln. An der Wand dazwischen: fotografische Collagen. Die Formen und Materialien der Arbeiten von Maja Wirkus gehen weit über das hinaus, was gemeinhin unter Fotografie verstanden wird. Was zunächst rein skulptural anmutet, ist jedoch das Ergebnis einer vielschichtigen fotografischen Erkundungsreise, in deren Verlauf Maja Wirkus Architektur mittels Foto-grafie und Fotografie mittels Architektur erforscht. Wie nähert man sich einem Raum? Welche Eindrücke hinterlässt er? Wie kann die Vielfalt der Wahrnehmung abstrahiert, verdichtet, weitergegeben werden? Wie ein weiterer Erfahrungsraum produziert werden?

Complex shadows create patterns on the floor. A sheet of curved brass casts a golden sheen. Delicate white concrete blocks rest on dark wooden pedestals. On the wall in between: photographic collages. The shapes and materials used in Maja Wirkus’s work extend far beyond what is conventionally understood as photography. What at first appears to be purely sculptural is in fact the result of a complex photographic investi-gation, in the course of which Wirkus explores architecture through photography, and photography through architecture. How does one approach a space? What impressions does a space make? How can individual perceptions be abstracted, compressed, and disseminated? How can one recreate the experience of a space?


C/O Berlin, 30.09. – 04.12.2016


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Kunstmuseum Liechtenstein 23.09.2016 – 22.01.2017

9783868287646

Kunstmuseum LiechtensteinBertrand LavierBertrand Lavier (* 1949) gehört seit den späten 1970er-Jahren zu den prägenden Figuren der französischen Kunstentwicklung. Im Spannungsfeld zwischen Hoch- und Populärkultur findet er den Gegenstand seiner Arbeit. Intelligent und originell, visu-ell attraktiv und zugleich mit sensiblem Witz präsentiert sich sein Werk. International bekannt wurde Lavier durch seine Bemalungen von Bildern und Objekten sowie durch die »Superpositions«, die durch das Aufeinanderstellen von Gegenständen aus der Warenwelt entstehen. Im Laufe der Jahre hat Lavier weitere Werkgruppen begonnen, die er kontinuierlich nebeneinander weiterentwickelt. Ein breites Spektrum verwendeter Materialien und Techniken steht dabei im Dienste einer fein austarierten Verschränkung der künstlerischen Gattungen: Malerei mit Fotografie, Malerei mit Objekt, Bildhauerei mit Objekt, Objekt mit Fotografie, Objekt mit Skulptur, Design mit Skulptur. Auch wenn häufig Bezüge zu wichtigen Werken der Kunstgeschichte existieren, so arbeitet Lavier im breiteren Feld einer visuellen und gedanklichen Kulturanthropologie. Sein Werk ist damit für die Kunstentwicklung der vergangenen 40 Jahre von besonderer Bedeutung und von hoher Aktualität. Die Publikation stellt Detailaufnahmen mit den die Ausstel-lung im Kunstmuseum Liechtenstein dokumentierenden Raumaufnahmen gegenüber und bereichert diese durch einen neuen Blickwinkel.

Bertrand Lavier (b. 1949) counts among the most formative figures in the development of French art since the late 1970s. He finds the subject of his work in the dynamic con-text between high culture and pop culture. His oeuvre is intelligent and original, visu-ally attractive and possessed of subtle wit. Lavier gained international fame with his paintings on pictures and objects and with his »Superpositions,« works created by set-ting objects from the world of commodities on top of each other. Over the years Lavier has begun a number of other groups of works, that he develops in parallel on an ongo-ing basis. He refers to these projects as »construction sites«, thus emphasizing their nature as works in progress. By deploying a wide range of materials and techniques, the aim is to achieve a finely balanced combination of various genres of art: painting with photography, painting with object, sculpture with object, object with photogra-phy, object with sculpture, design with sculpture. Despite frequent references to key works from the history of art, Lavier works in a broader field of visual and intellectual cultural anthropology. His work is hence of particular significance for the development of art over the past forty years and highly relevant.

Die Publikation präsentiert erstmals die gesamte Bandbreite des künstlerischen Schaffens und deckt Strukturen des stetig komplexer werdenden Œuvres auf

This publication presents the whole spectrum of works for the first time and reveals structures of the ever more complex oeuvre

Herausgegeben von / Edited by Friedemann Malsch

Texte von / Texts by Bice Curiger, Fabian Flückiger, Lóránd Hegyi, Friedemann Malsch, Thorsten Schneider

Gestaltet von / Designed bySylvia Fröhlich

Festeinband / Hardcover 21,5 x 27,5 cm180 Seiten / pages 103 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH

ISBN 978-3-86828-764-6Euro 39,90

Januar / January 2017

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Herausgegeben von / Edited by Kunstmuseum Basel, Museum Folkwang

Texte von / Texts byTobias Burg, Anita Haldemann, Olivier Sécardin

Gestaltet von / Designed byIstvan Dohar / Nanopublications

Klappenbroschur / Softcover21,6 x 27,9 cm224 Seiten / pages 144 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-758-5Euro 38,00


Catharina van EetveldeILKSeit 2004 entwickelt Catharina van Eetvelde (* 1967 in Gent) eine herausragende und zukunftsweisende zeichnerische Position. Zeichnen bildet für die Künstlerin seit jeher die Grundlage ihrer Tätigkeit, doch versteht sie Zeichnen nicht als eine allein dem Medium Papier verpflichtete Aktivität. Vielmehr ist Zeichnen für sie eine Grund-einstellung oder gar ein Bewusstseinszustand, der die Art und Weise definiert, mit der sie sich in Beziehung setzt zur Welt, im Speziellen zu den Naturwissenschaften. Mit einem geradezu anthropologischen Ansatz analysiert und hinterfragt van Eetvelde, wie diese unser Leben und unsere Vorstellungen prägen. Catharina van Eetvelde zeichnet im Wissen um die Fragilität ihrer Arbeiten. Sie schafft nicht Werke für die Ewigkeit, auch wenn sie äußerst sorgfältig mit dem Material umgeht. Vielmehr sind ihre Zeich-nungen und Collagen sehr empfindliche Werke. Die Künstlerin schafft Linien in allen erdenkbaren Formen: als Spuren, die sie auf Papier zieht; als Worte, die mit Faden auf Papier oder Filz gestickt sind; als lineare Aneinanderreihung von Materialien im Raum oder als geisterhafte, »digitale« Linien, die kurz als Animation auf einem Bildschirm auftreten und gleich wieder verschwinden.

Since 2004, Catharina van Eetvelde (b. 1967, Ghent) has been developing an excep-tional and pathbreaking stance on drawing. For the artist drawing has always consti-tuted the foundation of her work, but she does not understand drawing as an activity bound exclusively by the medium of paper. Rather, drawing is the way in which she relates to the world, and in particular to the natural sciences. Using an approach that is downright anthropological, the artist analyzes and investigates how the natural sci-ences shape our lives and our conceptions. Against the seemingly unimpeachable authority of science, van Eetvelde sets her art – a chaotic system that cannot be pre-dicted or steered. Catharina van Eetvelde draws in full awareness of the fragility of her works. She does not produce works for eternity, even when she handles the material with extreme care. Rather, her drawings and collages are very delicate works. The data comprising her vector-based drawings and animations are equally limited in lifespan, since their readability depends on computer software. The artist creates lines in all their imaginable forms: as traces that she leaves on the paper; as words embroidered with thread on paper or felt; as linear arrangements of material in space; or as ghostly »digital« lines that briefly appear on a screen as animation and disappear again.

Umfassende Publikation zur ersten Einzel- ausstellung der innovativen Zeichnerin im musealen Kontext

Comprehensive publication accompanying the first solo exhibition of this innovative draughtswoman


Kunstmuseum Basel 26.11.2016 – 12.03.2017

Museum Folkwang, Essen29.09.2017 – 14.01.2018

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Herausgegeben von / Edited by Andreas Greulich

Texte von / Texts byAndreas GreulichBrendan Embser Wattenberg

Gestaltet von / Designed byClaudia BehmKehrer Design (Martin Lutz)

Leineneinband mit Siebdruck / Cloth hardcover with silk-screen print22 x 32 cm96 Seiten / pages 42 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-754-7 Euro 39,90


Jan SchmelcherThe Duarte FilesIn den lakonischen, eigenwilligen Zeichnungen und den begleitenden fragmentarischen Kurztexten tut sich eine von Schattenwirtschaft, Exotismus und Geheimnis bestimmte Welt auf. In Andeutungen ist die Rede von zwielichtigen Deals, absurden Biografien, wechselnden Identitäten. Es treten auf: obskure Poeten, Alligatorfarmer, Journalisten im Exil, windsurfende Mafiosi, Geschäftsfrauen im Dienst der Vatikanbank, elegante Männer, die das Tageslicht meiden. Und das ist nur der Anfang der Geschichte. Jan Schmelcher treibt in seinen Zeichnungen ein cooles, komisches Spiel mit unserer Fas-zination am Outsider, am Skandal, am unaufgedeckten Verbrechen. Dass die einzel-nen Figuren dabei wie Prototypen einer Milieustudie der Halbwelt wirken und an Filme der 1960er- und 1970er-Jahre erinnern, macht den Charme und den nostalgischen Zauber dieses Buchs aus.Den Zeichnungen steht in diesem Buch eine Kurzgeschichte von Brendan Embser Wattenberg zur Seite. In ironischer, elliptischer Erzählweise spinnt der Autor einen Erzählstrang der Duarte Files weiter und verbindet ihn mit einer grotesken, fiktiven Künstlerbiografie.

A world defined by shadow economy, exoticism, and mystery opens up in the laconic, unconventional drawings and the accompanying fragmentary short texts. Shady deals, absurd life stories, changing identities are hinted at. The protagonists: obscure poets, alligator famers, journalists in exile, wind-surfing mafiosi, businesswomen in the ser-vice of the Vatican Bank, elegant men who avoid daylight. And that is just the start of the story. In his drawings, Jan Schmelcher plays a cool, comical game with our fasci-nation with the outsider, with scandal, with unexposed crimes. At the same time, the fact that the individual characters have the effect of prototypes of a milieu study of the demimonde and recall Sixties and Seventies movies constitutes this book’s charm and nostalgic magic. The drawings are accompanied in this book by a short story by Bren-dan Embser Wattenberg. Applying an ironic, elliptical narrative technique, the author further draws out a narrative thread from The Duarte Files and combines it with a gro-tesque, fictional artist’s biography.

9783868287547

Eine Galerie prägnanter, kurioser Charaktere, ein nostalgischer Bildroman in skurillen Kugelschreiberzeichnungen

A gallery of striking, curious characters, a fragmentary Graphic Novel in nostalgic and quirky ballpoint-pen drawings


Herausgegeben von / Edited by Kulturamt der Stadt Pforzheim

Kein / no Text

Gestaltet von / Designed byKehrer Design (Katharina Stumpf)

Festeinband / Hardcover 21 x 26,5 cm168 Seiten / pages 81 Duplexabb. / duotone ills.

ISBN 978-3-86828-755-4Euro 39,90


Abraham David ChristianSilva NigraDer schwarze WaldDer international bedeutende Zeichner und Bildhauer Abraham David Christian (* 1952) hat 2013 die 81-teilige Zeichnungsgruppe Silva Nigra. Der schwarze Wald geschaffen. Nach einer erfolgreichen Ausstellung in Japan werden die Zeichnungen nun erstmals in Deutschland präsentiert.Abraham David Christian fuhr auf gut Glück im Schwarzwald umher, erwanderte die-ses große Gebiet intuitiv und ließ dabei bekannte und große Orte aus. An den für ihn bedeutenden Orten hielt er die Zeit im Zeichnen an. Seine Zeichnungen haben die emi-nente Aufgabe das Wahrgenommene sichtbar zu machen, den Lauf der Zeit zu unter-brechen, die Realität ohne Worte zu reflektieren. Abraham David Christian nahm 1972 und 1982 an der Documenta teil. Seine Zeich-nungen und Skulpturen sind in zahlreichen wichtigen Privatsammlungen und Museen im In- und Ausland vertreten. Skulpturen von ihm befinden sich im öffentlichen Raum zum Beispiel in Den Haag, im Nationalmuseum für moderne Kunst in Tokio, im Museum Ludwig in Köln und in der Nationalgalerie Berlin.

In 2013, the internationally renowned draughtsman and sculptor Abraham David Chris-tian (b. 1952) created the 81-part series of drawings Silva Nigra. Der schwarze Wald Following a well-received exhibition in Japan, the drawings are now being presented for the first time in Germany. Christian travelled around randomly in the Black Forest, hiking through this large ter-ritory intuitively, neglecting well-known and larger towns. At sites intuitively significant for him, he stopped time by drawing. His drawings have the eminent task of making what he perceived visible, interrupting the flow of time, and reflecting upon reality without words.Abraham David Christian participated in the documenta in 1972 and 1982. His draw-ings and sculptures are represented in numerous private collections and museums in Germany and abroad. Sculptures by him can also be found in public spaces in, among others, The Hague, The National Museum of Modern Art in Tokyo, the Museum Lud-wig in Cologne, and the Nationalgalerie in Berlin.

Neueste Serie von Zeichnungen des international bedeutenden Künstlers

Recent series of drawings of the international renown artist


Kunstmuseum Pforzheim, 23.10.2016 – 19.03.2017


Texts von / by Jim Rakete, Wim Wenders et al.

Gestaltet von / Designed by Hannah Feldmeier


ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-785-1ca. Euro 40,00

Februar/ February 2017

Joe RamirezGold ProjectionsJoe Ramirez ist ein visueller Poet, der Malerei und Film in einer neuen Sprache vereint: den Gold Projections. Über zwölf Jahre Entwicklungsarbeit an Prozess und Prototyp gipfelten in einer Technik, die inzwischen durch ein internationales Patent anerkannt ist: der Projektion von Bildern auf eine mit Gold präparierte Fläche. In diesem Künst-lerbuch-Debüt wird eine ganze Lebensspanne an Träumen aus Licht kondensiert, um den einzigartigen Prozess des in Kalifornien geborenen Künstlers zu präsentieren, den Wim Wenders als »Renaissance-Künstler des 21. Jahrhunderts« bezeichnete. Vom Möbeldesigner über den klösterlichen Freskenmaler zum Erfinder und Filmema-cher – Ramirez vereint Welten, die nur scheinbar zusammenhanglos sind. Indem er die exquisiten wasservergoldeten Oberflächen selbst baut, die goyaeske Bewegtbilder aus hochmodernen Projektoren empfangen, erschafft Ramirez auf meisterliche Weise eine Aufhebung der Zeit, die an Andrej Tarkowski erinnert. Das Buch zeigt Fotos von Gemälden, runde Silberstiftzeichnungen, wasservergoldete Platten und Standbilder aus Gold Projections, aus denen die zeitlose Sprache von Träu-men und Erinnerungen spricht.

Joe Ramirez is a visual poet, synthetizing painting and film in a new language: the Gold Projections. Over twelve years of process and prototype development finally culminated in what is now a technique recognized by international patent, the projection of images on a surface prepared with gold. In this debut artist book, an entire lifetime of dreaming in light is condensed to dis-play a process unique to the California-born artist, who Wim Wenders considers »a XXI century Renaissance artist«. From furniture designer to monastic fresco painter, and inventor-filmmaker, Ramirez unites worlds that are only apparently disjointed. Personally building exquisite, water- guilded surfaces receiving Goyaesque moving images from state-of-the-art projectors, Ramirez is a master in creating a suspension of time evocative of Andrei Tarkovsky. The book includes pictures of paintings, round silverpoints, water-guilded panels and stills from the Gold Projections, which speak the timeless language of dreams and memories.

Dieses Buch stellt erstmals Ramirez’ einzigartige Technik der Projektion von bewegten Bildern auf eine mit Gold präparierte Oberfläche vor

This book presents for the first time Ramirez’ unique technique of projecting moving images on a surface prepared with gold


Ausstellungshallen am Kulturforum, Berlin, Februar / February 2017

9783868287851


Mischa Kuball betreibt mit den Mitteln des Films und der Fotografie eine Schattenmalerei mit den Werken von Ernst Ludwig Kirchner

With the means of film and photography Mischa Kuball engages in a form of shadow painting with the works of Ernst Ludwig Kirchner

Herausgegeben von / Edited by Thorsten Sadowsky

Texte von / Texts byThorsten Sadowsky, Reinhard Spieler, Silke Walther

Gestaltet von / Designed bySusanne Bax

Festeinband / Hardcover ca. 21,5 x 27,5 cmca. 120 Seiten / pages ca. 45 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH / ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-761-5ca. Euro 39,90

Februar / February 2017

Kirchner Museum DavosMischa Kuball. Licht auf KirchnerDer Konzeptkünstler Mischa Kuball (*1959) arbeitet seit 1984 im öffentlichen und institutionellen Raum. 2016 wurde er mit dem Deutschen Lichtkunstpreis ausgezeich-net. Künstliches Licht ist eines der wandlungsfähigsten Medien, überall einsatzfähig, beliebig form- und schaltbar und zugleich voller Symbolkraft, Suggestion und Emotion. Mischa Kuball setzt Monitore, Videoprojektionen, Scheinwerfer und Diaapparate ein, um festgefugte Raumstrukturen und Wahrnehmungstopoi medial aufzubrechen, zu hin-terfragen oder neu zu besetzen. In der Ausstellung Licht auf Kirchner wird von Mischa Kuball die Idee des Ablichtens und Projizierens von Werken Ernst Ludwig Kirchners in einer komplexen Installation umgesetzt. Mischa Kuball verknüpft die zentralen Aspekte der Malerei Kirchners, Bewegung und Farbe, in seiner Installation und ergänzt diese mit eigenen Schattenbildern und Schattenprojektionen. Mischa Kuball antwortet auf die bunte Kirchner-Welt mit Schwarz-Weiß-Kontrasten und unterstreicht damit, dass der Schatten neben dem Spiegel der Prototyp der Bilderproduktion ist.

The conceptual artist Mischa Kuball (b. 1959) has been making installations involv-ing light in public and institutional spaces since 1984. In 2016 he received the Ger-man Light Art Award. Artificial light is one of the most adaptable media that can be used anywhere and moulded and controlled any way you want, and at the same time it is powerfully symbolic, suggestive, and emotive. Mischa Kuball uses monitors, video projections, spot lights, and slide projectors to medially break up, question or re-inter-pret fixed spatial structures and perceptual topoi. In his exhibition Light on Kirchner Mischa Kuball translates the idea of photographing and projecting works Ernst Ludwig Kirchner into a complex installation. Mischa Kuball combines the central aspects of Kirchner’s painting, movement, and color, in his installation and adds his own shadow images and projections to them. Mischa Kuball responds to the colorful world of Kirch-ner with black-and-white contrasts, thereby underscoring that the shadow, along with the mirror, is the prototype of image production.

9783868287615


Mischa Kuball. Licht auf KirchnerKirchner Museum, Davos20.11.2016 – 30.04.2017


Herausgegeben von / Edited by Peter Vermeersch

Texte von / Texts byIvan Grubanov,Peter Vermeersch

Gestaltet von / Designed byZeljko Rajacic / Studio Arhe

Festeinband / Hardcover 24,2 x30,4 cm128 Seiten / pages 56 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w. ills.

ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-756-1Euro 39,90


Ivan GrubanovUnnation. A Conversation»Unnation«, ein englischer Begriff aus dem 17. Jahrhundert, wird seit über 100 Jahren nicht mehr verwendet. Dennoch ist er entscheidend, um zu verstehen, wie tiefgreifend die gegenwärtigen sozialen und politischen Umwälzungen sind, vor allem die europäi-schen »Migrantenkrisen« der letzten Zeit. Ivan Grubanov, Maler und Philosoph, macht sich mithilfe des Politikwissenschaftlers Peter Vermeersch auf die Suche nach neuen Bezügen für einen uralten Begriff, der zwei seiner erschütternden persönlichen Erfah-rungen umfasst: den Bürgerkrieg in seinem Heimatland, dem ehemaligen Jugoslawien, und in jüngerer Zeit ein paar dort verbrachte Jahre, in denen er Kontakte zu illega-len Migranten auf dem Weg nach Europa unterhielt. Grubanov definiert diese Migran-ten als »unnationed« und etabliert diese Definition durch ein Geflecht von lebendigen Beschreibungen seiner Begegnungen mit ihnen, aber auch durch philosophische Spe-kulation und seine eigenen Gemälde. Grubanov will mehr als nur einen alten Begriff wiederbeleben – er sucht nach Wegen malerischer Praxis als Methode zur Definition sozialer Phänomene. Ivan Grubanovs (* 1976 in Belgrad) Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppen- ausstellungen gezeigt, unter anderem im serbischen Pavillon bei der 56. Biennale von Venedig. Peter Vermeersch (* 1972) ist Professor für Sozialwissenschaften und Politik sowie Autor literarischer Sachbücher.

»Unnation« is a 17th century term that hasn’t been in use for over a hundred years. However, its meaning is crucial for understanding the depth of contemporary social and political turmoil, especially the recent »migrant crises« in Europe. Ivan Grubanov, a painter and philosopher, with the aid of a political scientist, Peter Vermeersch, embarks on seeking new references for an ancient term that incorporates two of his own trou-bling experiences: the civil war in his native former Yugoslavia and more recently a few years spent there with illegal migrants on their passage to Europe. Grubanov defines the migrants as being unnationed and establishes his definition through a network of vivid descriptions of encounters with them, but also through philosophical speculation and his own paintings. Grubanov seeks for more than to re-establish an ancient term, he seeks for the ways of painterly practice to be the method of defining social phenomena. Ivan Grubanov’s (b. 1976 in Belgrade) work has been shown in numerous solo and group exhibtions, e. g. the Serbian Pavilion at the 56th Venice Biennial. Peter Vermeersch (b. 1972) is a professor of social science and politics and a writer of literary non-fiction.

Skizziert die Möglichkeiten von Malerei, die wahren Wünsche und Konflikte der gesellschaftlichen Wirklichkeit widerzuspiegeln

Sketches the possibilities for painting to reflect the true desires and conflicts of social realities


Erste umfassende Publikation über Gutmanns bildhauerisches Schaffen

The first comprehensive publication of Gutmann’s sculptural work

Herausgegeben von / Edited by Axel Wendelberger

Texte von / Texts by Pit Gutmann, Haig Khachatoorian, Axel Wendelberger

Gestaltet von / Designed byAxel Wendelberger

Festeinband mit Schutzumschlag / Hardcover with dust jacket 24 x 30 cm176 Seiten / pages 200 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w ills.

DEUTSCH

ISBN 978-3-86828-760-8Euro 39,90


Willi GutmannForm – Bewegung – Skulptur Der Schweizer Künstler Willi Gutmann hat zeitlose Werke von bestechender Schön-heit geschaffen. Sein größtes Werk, eine 24,50 Meter hohe Skulpturengruppe, steht in San Francisco. Das kleinste Werk ist ein zerlegbarer Würfel mit einer Kantenlänge von einem Zentimeter. Solche Gegensätze – Monumental / Miniatur, Zerteilen / Zusam-menfügen, Positiv / Negativ, Konstruktiv / Organisch – kennzeichnen Willi Gutmanns Kunst. Das Einbeziehen des Betrachters in das Endresultat eines Kunstwerkes war ihm ein zentrales Anliegen. Willi Gutmanns variable Skulpturen stellen einen einzig-artigen Beitrag zur kinetischen Kunst dar, dessen angemessene Würdigung bis heute aussteht. Dieses Buch ist die erste umfassende Publikation über das bildhauerische Schaffen des Ausnahmekünstlers.Willi Gutmann (*1927 in Dielsdorf / Schweiz – 2013 in Oberhasli / Schweiz) eröff-nete nach abgeschlossenem Studium an der Kunstgewerbeschule Zürich ein Büro für Innenarchitektur, war jedoch immer auch künstlerisch tätig. Seit 1965 arbeitete er aus-schließlich als freischaffender Bildhauer. Bereits drei Jahre später wurden Monumen-talskulpturen von ihm in den USA und in Mexiko aufgestellt.

The Swiss artist Willi Gutmann created timeless works of outstanding beauty. His larg-est work, a 24.5-meter-tall sculptural group, stands in in San Francisco. The smallest work is a dismountable cube, the sides of which measure only one centimeter. Such contrasts – monumental / miniature, taking apart / putting together, positive / negative, constructivist / organic – are characteristic of Willi Gutmann’s artistic work. The inclu-sion of the viewer in the final result of a work of art was one of his primary concerns. Although Willi Gutmann’s variable sculptures represent a unique contribution to kinetic art, they have yet to be appropriately appreciated. This book is the first comprehensive publication of the sculptural work of this extraordinary artist.After completing his studies at the School of Arts and Crafts in Zurich, Willi Gutmann (1927 in Dielsdorf – 2013 in Oberhasli) set up an office for interior design, whereby he was also always active as an artist. In 1965, he began working exclusively as an independent sculptor. As early as three years later, he installed monumental sculptures in both the USA and Mexico.

9783868287608

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86 87 www.kehrerverlag.com Klangkunst / Sound Art

Beiträge zur künstlerischen Abstraktion in Kontext akustischer Formen

Contributions to artistic abstraction in the context of acoustic forms

Herausgegeben von / Edited by Wolfgang Ellenrieder, Ulrich Eller, Christoph Metzger


Broschur / Softcoverca. 17 x 24 cmca. 256 Seiten / pages ca. 60 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w ills.

DEUTSCH

ISBN 978-3-86828-774-5Euro 29,90

Juni / June 2017

Ulrich Eller / Christoph MetzgerVOL. 03 Abstract Music. sound, art, media & architectureIntermediale Formen mit Klang, technischen Medien und raumbildenden Maßnahmen verbinden heute viele Verfahren einzelner Künste. Was um 1900 entwickelt wurde und seit Jahrzehnten zusammenwirkt, fordert eine Beschreibung vergleichbarer Ver-fahren heraus. Während sich eine gängige künstlerische Praxis mit Teilbereichen eta-bliert hat, entzieht sich diese bislang erfolgreich ihrer systematischen Beschreibung. Erkenntnisse aktueller Forschung fließen aus den Bereichen der Neurowissenschaften, der Philosophie sowie Gestalttheorie in die klassischen Disziplinen wie Kunst-, Medien- und Musikwissenschaft ein, um den Anteil kognitiver Leistungen innerhalb der Rezep-tion, der Ästhetik und Kritik zu bewerten. Die Beiträge in der Publikation entstanden im Rahmen der Tagung der Hochschule der Bildenden Künste in Braunschweig, die im Dezember 2016 durchgeführt wurde. Ziel der Tagung war eine künstlerische und theoretische Bestandsaufnahme eines aktuellen Begriffs der Abstraktion und wie dieser in unterschiedlichen Disziplinen der Künste ver-wendet wird, um musikterminologische Anteile, die als eine Konstante in der Beschrei-bung dynamischer Prozesse angenommen wird, herauszustellen.

Today, many processes of the individual artistic genres merge intermedial forms with sound, technical media, and space-defining measures. What was developed around 1900 and has been developing for many decades challenges a description of compa-rable processes. Whereas conventional artistic practice with subdomains has become established, this successfully evades any systematic description. Findings from recent research flow from the fields of the neurosciences, philosophy, and gestalt theory into the classical disciplines of art history, media studies, and musicology to determine the role of cognitive faculties within reception, aesthetics, and criticism.The contributions in this publication are derived from a symposium held at the Braun-schweig University of Art in December 2016. The goal of the symposium was an artistic and theoretical stocktaking of a contemporary concept of abstraction, as this is used in various disciplines of the arts, in order to assess the role of musical terminology, which we accept as a constant when describing dynamic processes.

9783868287745

VOL. 03

ABSTRACT MUSICsound, art, media & architecture

Mit Beiträgen von / Contributions byPeter Ablinger, Eckart Altenmüller, Sam Auinger, Thomas Becker, Laura Breede,

Ulrich Eller, Michael Glasmeier, Gerhard Glatzel, Hauke Harder, Katharina Henkel, Ann Kristin Krahn, Heike Klippel, Ulrike

Kregel, Burkhard Krüger, Karlheinz Lüdeking, Christoph Metzger, Jutta

Moster-Hoos, Helga de la Motte-Haber, Claudia Ohmert, Sabine Sanio, Matthias

Schulz, Annette Tietenberg

88 89Fotografie / Photography

Andrea HoyerReCollectionsDie Fotografien von Andrea Hoyer sind die Quintessenz einer sechs Jahre langen Reise quer durch die frühere Sowjetunion. An die Filmeinstellungen des Regisseurs Andrei Tarkowski und die literarische Fantasie W. G. Sebalds erinnernd, porträtieren sie zwei ineinandergreifende Traumwelten: Moskau und die Provinz.

Distilling six years of travel across the former Soviet Union, these images, reminiscent of Tarkovsky and the vision of W. G.Sebald, portray two intertwining dreamtimes: Moscow and the provinces.

Leineneinband / Cloth hardcover21 x 21 cm144 Seiten / pages29 Farb- und 29 Duplexabb. / 29 color and 29 duotone ills.

ENGLISCH

ISBN 978-3-86828-237-5 Euro 14,00 (bisher / previously Euro 36,00)

Special Prices

Special Prices

Glanz der Kaiser von ChinaKunst und Leben in der Verbotenen StadtInsgesamt 90 Objektgruppen aus der Verbo-tenen Stadt in Peking geben Einblick in den universellen Herrschaftsanspruch der Kaiser von China und beleuchten das traditionelle Ideal des harmonisch geordneten Staates aus der Sicht des Kaiserhofs.

A total of 90 groups of objects from the Forbidden City in Beijing provide insights into the claim to universal power made by the em-perors of China and illuminate the traditional ideal of the harmoniously ordered state from the point of view of the imperial court.

Broschur / Softcover24 x 30 cm208 Seiten / pages192 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH

ISBN 978-3-86828-368-6 Euro 9,90 (bisher / previously Euro 34,90)

Julio BittencourtIn a Window of Prestes Maia 911 BuildingZwei leerstehende Hochhäuser an der Aven-ida Prestes Maia, einer der größten Straßen São Paulos, wurden 2002 von 460 obdachlo-sen Familien besetzt. In streng formalem Auf-bau porträtiert Julio Bittencourt die Bewohner an jeweils einem Fenster und erzählt so eine Geschichte über die Sehnsucht des Menschen nach einem Ort, der sich Zuhause nennt und sei er auch noch so ärmlich.

The vacant high-rises on the Avenida Prestes Maia, one of São Paulo’s main thoroughfares were occupied in 2002 by 460 homeless families. In a strict formal composition Julio Bittencourt portrays the inhabitants looking out of windows of the building. In this way he tells a story about the unconquerable longing people feel for a place they can call home, no matter how squalid and precarious.

Festeinband / Hardcover27,5 x 27,5 cm80 Seiten / pages50 Farbabb. / color ills.

DEUTSCH

ISBN 978-3-86828-011-1 Euro 9,90 (bisher / previously Euro 28,00)9783868280111 9783868282375 9783868283686

www.kehrerverlag.comNew Website with Shop Es ist geschafft – unsere neue Webseite ist online! Alle Informationen zu unseren Büchern, Künstlern und Autoren sind ab sofort schnell auffindbar, übersichtlicher und vielfältiger als bisher. Sie können sich eine Merkliste Ihrer Lieblingstitel anle-gen und sie auch direkt in unserem Shop bestellen. Im neuen Pressebereich stehen Presseinformationen und -bilder zu unseren Neuerscheinungen zur Verfügung. Ein Newsblog hält Sie über Veranstaltungen und andere Neuigkei-ten rund um unsere Bücher auf dem Laufenden. Wir wünschen Ihnen viel Spaß beim Stöbern.

We did it – our new website is now online! Complete information on our books, as well as relevant artists and authors, can now be swiftly accessed, more well organized and on a broader scale than ever before. You can create a watch list of your favorite titles and order them directly from our shop.On the press page, you will find press releases and images relating to our recent publications.A news blog keeps you informed of events and other news relating to our books.We wish you loads of fun while browsing.

NEUEWebseite

Mitte Januar


Potsdamer Straße 10010785 Berlin, Germany+ 49. 30. 688 16 949

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ÖffnungszeitenMittwoch bis Samstag | 12 – 19 Uhr

und nach Vereinbarung

Opening hoursWednesday to Saturday | 12 am – 7 pm

and by appointment

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Berlin

BOOK TALKS

JAN 27, 2017MAR 3, 2017APR 28, 2017

Künftig stellt Klaus Kehrer regelmäßig und gemeinsam mit den Autoren eine Auswahl an Neuerscheinungen vor. Foto-grafie- und Kunstbuchfreunde sind zu unseren nächsten Ter-

minen herzlich willkommen.On a regular basis Klaus Kehrer will introduce a selection of new publications together with the authors. Photography and art book lovers are very welcome. The next book talks

are scheduled for:

art KARLSRUHE 16. – 19. Februar / February 16 – 19, 2017

The Photography Show (AIPAD), New York City30. März – 2. April / March 30 – April 2, 2017

Photo London 18. – 21. Mai / May 18 – 21, 2017

ViennaPhotobookFestival10. – 11. Juni / June 10 – 11, 2017

Rencontres d’ArlesEröffnungswoche 3. – 9. Juli / Opening week July 3 – 9, 2017

Unseen Amsterdam22. – 24. September / September 22 – 24, 2017

Buchmesse Frankfurt / Frankfurt Book Fair11. – 15. Oktober / October 11 – 15, 2017

Paris Photo9.– 12. November / November 9 – 12, 2017

Come and join us!FAIRS AND FESTIVALS 2017

93Fotografie / Photography

Kontakt und Vertrieb / Contact and Distribution

Kehrer Verlag Heidelberg Berlin

Hauptsitz / Head Office HeidelbergHeinsteinwerkWieblinger Weg 2169123 HeidelbergDeutschland / Germanycontact@kehrerverlag.comwww.kehrerverlag.comwww.artbooksheidelberg.com

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Vertriebskooperation mit / Sales Cooperation withavedition und / andArnoldsche Verlagsanstalt (D, A, CH)

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Auslieferung Deutschland und Österreich / Distributor Germany and AustriaStuttgarter Verlagskontor SVK GmbH Rotebühlstraße 7770178 StuttgartDeutschland / GermanyFon: + 49 (0) 711 66721216Fax: + 49 (0) 711 [email protected]

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Deutschland Süd, Luxemburg und Österreich / Southern Germany, Luxembourg and Austria(Baden-Württemberg, Bayern, Hessen, Nordrhein-Westfalen, Rheinland-Pfalz, Saarland) Michael Kleinc/o Vertreterbüro WürzburgHuebergasse 197070 WürzburgDeutschland / GermanyFon: + 49 (0) 931 17405Fax: + 49 (0) 931 [email protected]

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Niederlande / The NetherlandsJan Smit BoekenEikbosserweg 2581213 SE HilversumNiederlande / The NetherlandsFon + 31 (0) 35 [email protected]

Belgien / BelgiumExhibitions InternationalArt & Illustrated BooksKol. Begaultlaan 17 3012 LeuvenBelgien / BelgiumFon: + 32 (0) 16 296900 Fax: + 32 (0) 16 296129 orders@exhibitionsinternational.bewww.exhibitionsinternational.org

Frankreich, Italien, Spanien, Portugal, Griechenland, Malta / France, Italy, Spain, Portugal, Greece, MaltaFlavio MarcelloPublishers’ RepresentativeVia Belzoni, 1235121 PaduaItalien / ItalyFon: + 39 (0) 49 8360671Fax: + 39 (0) 49 [email protected]

Schweiz / Switzerland Sebastian GrafUetlibergstraße 848045 ZürichSchweiz / SwitzerlandFon: + 41 (0) 44 [email protected]

Skandina vien / ScandinaviaElisabeth Harder-KreimannJoachim-Mähl-Str. 28 22459 HamburgDeutschland / GermanyFon: + 49 (0) 40 55540446Fax: + 49 (0) 40 [email protected]

Kroatien, Tschechische Republik, Ungarn, Polen, Slovakei, Slowenien / Croatia, Czech Republic, Hungary, Poland, Slovakia, SloveniaMichael GeogheganFon: + 44 (0) 20 74351662Fax: + 44 (0) 20 [email protected]

USA, Kanada / USA, CanadaConsortium Book Sales & Distribution34 13th Avenue NE, Suite 101Minneapolis, MN 55413-1007, USAFon: + 1 800 2833572Fax: + 1 800 [email protected] ordering via PUBNET (SAN 631760X)www.cbsd.com

Großbritannien, Irland / Great Britain, IrelandTurnaround Publisher Services LtdUnit 3, Olympia Trading EstateCoburg RoadLondon N22 6TZGroßbritannien / Great BritainFon: + 44 (0) 20 88293000Fax: + 44 (0) 20 [email protected]

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Südamerika / South AmericaIMA / IntermediaamericanaDavid WilliamsPO Box 8734London SE21 7ZFGroßbritannien / Great BritainFon: + 44 (0) 20 72747113Fax: + 44 (0) 20 [email protected]

Südafrika, Swasiland, Lesotho, Namibia und Botswana / South Africa, Swaziland, Lesotho, Namibia and BotswanaPeter Hyde Associates5 + 7 Speke Street (Corner Nelson Street)Cape Town 8000Südafrika / South Africa Fon: +27 (0) 21 4475300Fax: +27 (0) 21 [email protected]

Cover: Cooper & GorferGirls Sewn to Trees, 2014Aus / from I Know Not These My Hands (The Seek Volumes)Seite / page 1

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Frühjahr 2017 / Spring 2017 Kunst und Fotografie / Art … · the temples of the Regla de Ocha and...

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