LUNDI 17 MAI – 20H

Johannes BrahmsConcerto pour violon

entracte

Dmitri ChostakovichSymphonie n° 5

Pittsburgh Symphony OrchestraManfred Honeck, directionAnne-Sophie Mutter, violon

Fin du concert vers 21h55.

Pit

tsbu

rgh S

ym

phon

y O

rches

tra

| Man

fred

Hon

eck

| Anne-

Sop

hie

Mutt

er |

Lu

nd

i 17

mai

2

Johannes Brahms (1833-1897)Concerto pour violon et orchestre en ré majeur op. 77

Allegro non troppo

Adagio

Allegro giocoso, ma non troppo vivace

Composition : 1878-1879.

Dédicace : à Joseph Joachim.

Création : le 1er janvier 1879 à Leipzig par Joseph Joachim au violon, sous la direction du compositeur.

Édition : octobre 1879, Simrock, Vienne.

Effectif : violon solo – 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons – 4 cors, 2 trompettes – timbales – cordes.

Durée : environ 38 minutes.

« Max Bruch a composé un concerto pour le violon ; Brahms, lui, en a composé un contre le violon » : celui qui s’exprime ainsi n’est pas un détracteur de Brahms ; au contraire, il s’agit d’un de ses farouches défenseurs, le chef d’orchestre, pianiste et compositeur Hans von Bülow. En effet, l’extrême virtuosité de la partie soliste en rebuta plus d’un, et nombreux furent à l’époque les violonistes à le déclarer injouable – ce fut aussi le cas, dans les années 1810, du Concerto pour violon de Beethoven. Le grand violoniste espagnol Pablo de Sarasate refusa d’interpréter l’œuvre en public, disant qu’il était pour lui hors de question de se « tenir sur l’estrade en auditeur, le violon à la main, pendant que le hautbois joue la seule véritable mélodie de toute l’œuvre ». Vingt ans plus tard, les critiques furent plus vives encore à l’ouest du Rhin, où Brahms fut longtemps décrié : pour Fauré, l’œuvre est monotone, tandis que pour Debussy, elle peut prétendre au « monopole de l’ennui ». Cependant, le dévouement de certains interprètes – notamment Eugène Ysaÿe ou Fritz Kreisler au début du XXe siècle – finit par porter ses fruits, et la partition figure aujourd’hui au panthéon des grands concertos de violon du XIXe siècle, aux côtés de ceux de Beethoven, de Mendelssohn et de Tchaïkovski (qui, lui non plus, ne l’aimait pas…).

Il est vrai que l’œuvre a de quoi impressionner : vastes dimensions (surtout pour le premier mouvement), écriture très symphonique, assez proche de celle de la Symphonie n° 2, qui date de l’année précédente, au point que certains musicologues parlent de « symphonie concertante », innombrables chausse-trappes de la partie de violon (accords et octaves, bariolages, intervalles extrêmement larges). Pour celle-ci, Brahms, qui n’était pas violoniste, fit appel aux lumières de l’ami de longue date, Joseph Joachim, qui l’avait introduit auprès des Schumann quelque vingt ans auparavant : l’influence de celui-ci, directe (par les aménagements violonistiques proposés) comme indirecte (Joachim fut un des premiers défenseurs du Concerto pour violon de Beethoven, auquel Brahms se mesure ici par bien des façons), n’est pas négligeable.

2

3

LunDI 17 MAI

Forme sonate d’amples proportions, l’Allegro non troppo initial en ré majeur (tonalité du concerto de Beethoven, tonalité également de la Symphonie n° 2 de Brahms) s’ouvre sur une pré-exposition orchestrale qui présente deux thèmes principaux, le premier fait d’arpèges aux couleurs pastorales (bassons, altos et violoncelles), le second empli de rythmes pointés d’allure tzigane. Le violon, immédiatement virtuose, intercale entre ces deux motifs qu’il varie plus ou moins un troisième thème cantabile dont les douces inflexions mélodiques sont un cinglant démenti à l’opinion de Sarasate. Le développement joue de la dialectique soliste/orchestre chère au concerto et mène à une réexposition symétrique. La cadence de violon est laissée à la discrétion de l’exécutant, comme en un hommage au concerto classique (Beethoven écrivait déjà ses cadences). nombre de violonistes en proposèrent une ; celle de Joachim, qui eut vraisemblablement l’aval de Brahms, est la plus fréquemment jouée.

L’Adagio (qui, dans les esquisses, devait être accompagné d’un scherzo, comme ce sera le cas pour le Concerto pour piano n° 2 quelques années plus tard) est un Lied ohne Worte, un pur chant instrumental porté d’abord par le hautbois – la fameuse mélodie que jalousait Sarasate – et bientôt repris par le violon, où l’émotion le dispute à la beauté. Il cède ensuite la place à un finale brillant de forme rondo, fondé sur une mélodie tzigane (comme le dernier mouvement du Quatuor avec piano n° 1 en 1861), où orchestre et violon s’entraînent l’un l’autre jusqu’à l’exultation.

Angèle Leroy

4

La Cinquième Symphonie de Chostakovitch

Outre la Symphonie no 5 de Chostakovitch, la deuxième œuvre majeure interprétée par l’Orchestre Symphonique de Pittsburgh lors de sa grande tournée à travers l’Europe sera la Symphonie no 1 de Mahler. nous savons que Chostakovitch s’est immergé dans la musique de Mahler, le maître des nuances, et dans son univers sonore, et c’est à partir de cet univers-même que je comprends et que j’interprète sa musique. En comparant directement les deux œuvres, qui ne percevrait pas leurs similarités comme le début massif et puissant du deuxième mouvement (de danse) avec les violoncelles et les contrebasses, ou l’utilisation du solo de violon dans le trio, lequel doit être joué comme un ländler dans un style quasi austro-mahlérien avec toutes les traditions associées, de l’aveu général encore plus ironique et bizarre? Ou qui ne se souviendrait pas de la conclusion de la Troisième de Mahler en entendant les coups de timbales créant un effet similaire à la fin de la Cinquième de Chostakovitch? Comme beaucoup de chefs russes et comme Kurt Sanderling qui était un ami proche du compositeur, je suis de l’avis que ces coups règlent l’allure de la conclusion du final et de ce fait donnent la clé pour résoudre la question controversée du tempo.

Cependant, l’on peut difficilement comprendre cette symphonie sans prendre en considération les évènements consécutifs aux représentations de Lady Macbeth de Mtsensk. Là, nous voyons un compositeur qui met à nouveau son pouvoir créatif au service de la musique soviétique en se « repentant », mais apparemment indompté. Indompté ? À part quelques moments sereins et contemplatifs, je perçois cette œuvre comme plutôt triste et mélancolique. Ce n’est pas seulement le début exprimant la plus grande misère, le plus profond désespoir, et puis menant à la sarcastique marche militaire – comme un rappel de Mahler – ou les épisodes vaguement colorés décrivant le pouvoir du « parti ». non, de même ces moments éthérés (avec harpe et célesta) qui ne représentent rien d’autre que l’aspiration à la transcendance et au spirituel créent plus une atmosphère d’adieu que de libération. Je pense que le noyau de cette œuvre est certainement le troisième Mouvement, un requiem à proprement parler, et tout spécialement le moment où la musique tourne court, lorsque le hautbois, la clarinette et la flûte se rajoutent l’un après l’autre dans une lamentation. Là, Chostakovitch laisse la parole à ceux de ses amis qui, comme lui, osent faire usage de leur liberté artistique, mais par la suite se retrouvent déportés en Sibérie, et que l’on ne reverra plus. Cet isolement, composé comme un silence oppressif et sous-tendu par les trémolos des violons, que je traduis en fait par un ponticello froid et blanc (symbolisant les frissons du grand froid sibérien) peut difficilement être surpassé. Pour moi, l’apogée!

Manfred Honeck

5

LunDI 17 MAI

Dmitri Chostakovitch (1906-1975)Symphonie n° 5 en ré mineur op. 47

Moderato

Allegretto

Largo

Allegro non troppo

Composition : avril-juillet 1937.

Création : le 21 novembre 1937 à Saint-Pétersbourg (Leningrad), Grande salle de la Philharmonie, par l’Orchestre

Philharmonique de l’Académie de Leningrad sous la direction d’Evgueni Mravinski.

Effectif : 3 flûtes, 2 hautbois, 3 clarinettes, 2 bassons, contrebasson ; 3 trompettes, 3 trombones, 1 tuba ; timbales,

caisse claire, triangle, cymbales, grosse caisse, tam-tam, xylophone, piano, célesta, 2 harpes ; cordes.

Éditeur : Mouzgiz, 1939.

Durée : environ 45 minutes.

À la suite de l’affaire Lady Macbeth, opéra retiré de l’affiche en janvier 1936 après l’article dévastateur de la Pravda, « Du galimatias musical », Chostakovitch préfère ne pas faire créer sa Quatrième Symphonie, de peur qu’elle ne lui attire à nouveau les foudres du régime et ne lui assure un exil sibérien, voire une mort immédiate. Il commence dès lors à composer « pour le tiroir », ne faisant exécuter que les œuvres dont il considère l’impact immédiat comme non équivoque, ou qu’il peut accompagner d’un discours « explicatif » et circonstancié satisfaisant.

C’est le cas de la Symphonie n° 5, composée, la peur au ventre, en quelques semaines au cœur des purges staliniennes, et qui est sans doute aujourd’hui son œuvre la plus connue et la plus jouée. Présentée comme « la réponse créative d’un artiste soviétique à des critiques légitimes » et donnée pour la première fois à l’occasion du « vingtième anniversaire de la Révolution russe », elle « rachète » son auteur des tendances formalistes et bourgeoises relevées dans Lady Macbeth (accusation qui menacera régulièrement Chostakovitch et ses pairs compositeurs pendant de nombreuses années) en proposant un parcours narratif dont l’architecture inscrit l’œuvre dans la grande tradition russe – « Toute la musique symphonique russe est de la musique à programme », disait Tchaïkovski.

Le découpage formel est d’une rare transparence, même si le compositeur s’autorise certaines entorses – le maniement des différents timbres des familles de l’orchestre est là pour souligner les transitions et permettre la compréhension de la structure d’ensemble dès la première écoute, comme en témoigne son succès immédiat et durable. Les quatre mouvements suivent l’ordre habituel, seuls le mouvement lent et le scherzo sont intervertis.

Le superbe Moderato initial présente les deux thèmes contrastants de la forme sonate traditionnelle ; cependant, le premier est double car il est doté, outre les souples éléments de gamme de la mélodie principale, d’un rythme pointé en canon qui joue le rôle d’un motif

6

conducteur et dont le caractère dramatique frappe aussitôt. Le second thème, mystérieux, bâti sur de larges intervalles en notes longues, se distingue par un accompagnement rythmique obstiné de dactyle (une longue suivie de deux brèves) qui prend dans le développement une importance considérable ; c’est notamment grâce à lui, et aux puissants unissons d’orchestre, que naît la terrible impression d’angoisse qui domine toutle mouvement.

En rupture complète avec celui-ci, le scherzo qui suit n’est pas dénué d’humour. Le sarcasme perce à travers la lourdeur du thème principal, et les autres éléments thématiques (un pas de valse à la limite du vulgaire, une marche pesante aux cuivres) contiennent des accentuations et des ornements dont le caractère ironique est délibérément exagéré. Au centre, une douce mélodie d’essence populaire vient apaiser l’atmosphère à l’aide d’une orchestration plus légère (solos de flûte et de violon, pizzicati aux cordes).

Magnifique mouvement lent dont les cuivres sont absents, le Largo emprunte une veine postromantique qui rapproche le jeune compositeur russe de Sibelius et Mahler. Le pathos y est omniprésent, que l’on peut attribuer à une lamentation reliant les deux mouvements rapides ou à une évocation plus ambiguë que Chostakovitch aurait soi-disant voulu adresser aux victimes du totalitarisme. Comme souvent chez son aîné Tchaïkovski, un choral (ici présenté d’emblée aux cordes) contraste avec de déchirantes mélodies des bois en solo.

Certains commentateurs voient dans le finale un happy end artificiel qui n’achèverait qu’imparfaitement la trajectoire tragique des trois premiers mouvements. Mais cette longue et grandiloquente conclusion, qui s’apparente à une véritable démonstration de force, ne serait-elle pas une étonnante antiphrase, procédé caractéristique de la musique de Chostakovitch, où se mêlent le rire sardonique, le grotesque et la langue de bois ? Le compositeur répondrait sans doute à l’aide de sa maxime décisive : « Celui qui a des oreilles entendra. »

Grégoire Tosser

8

Anne-Sophie Mutter

Depuis trente ans Anne-Sophie Mutter

s’est imposée comme l’une des plus

grandes virtuoses du violon. née à

Rheinfelden dans l’état du Baden, la

violoniste a vu sa carrière lancée au

plan international au cours du Festival

de Lucerne en 1976. L’année suivante

elle s’est produite en tant que soliste

aux Concerts Whitsun de Salzbourg

sous la direction d’Herbert von Karajan.

Depuis lors elle s’est produite dans les

principaux lieux dédiés à la musique.

À côté du répertoire traditionnel, elle

découvre sans cesse de nouveaux

horizons avec un juste équilibre entre

musique de chambre et œuvres avec

orchestre. Elle met également à profit sa

popularité pour des concerts caritatifs

et soutient le développement de jeunes

talents. En 2010 Anne-Sophie Mutter

donnera des concerts en Asie, en

Europe et en Amérique du nord avec

plusieurs œuvres de prédilection comme

In Tempus praesens de Gubaidulina,

qu’elle jouera pour la première fois

au Japon, au Canada et en Russie. Au

cours de sa tournée aux États-unis et

en Europe, la violoniste interprétera le

Concerto pour violon de Brahms avec

l’Orchestre Symphonique de Pittsburgh

sous la direction de Manfred Honeck

et avec l’Orchestre Philharmonique

de Londres dirigé par Ludovic Merlot.

Elle apparaîtra sur scène avec Lambert

Orkis au Japon et à Taiwan pour des

concerts des sonates pour violon de

Brahms. Les deux artistes joueront

également des œuvres de Brahms,

Debussy, Mendelssohn et Sarasate lors

de leur tournée à travers l’Europe. Au

cours d’une autre tournée aux États-

unis Anne-Sophie Mutter interprétera

les trios à cordes de Beethoven dans

une formation de chambre exclusive

avec Yury Bashmet et Lynn Harrell.

Anne-Sophie Mutter sera Artiste en

Résidence au Festival de Musique de

Rheingau 2010 où elle interprétera deux

concertos avec le Hessischer Rundfunk-

Sinfonieorchester sous la direction de

Paavo Järvi. Au programme figurent

également les concertos pour violon de

Beethoven et de Mendelssohn. En plus

des axes principaux de son programme

pour 2010, ses prestation en concert

inclueront les concertos pour violon

de Beethoven, Dvorak et Mendelssohn,

Sur le même accord d’Henri Dutilleux

et Gesungene Zeit de Wolfgang Rihm.

Elle sera accompagnée par l’Orchestre

Symphonique de Chicago, l’Orchestre

du Kirov, l’Orchestre Symphonique

de Montréal, l’Orchestre du Théâtre

Mariinsky de Saint-Pétersbourg,

l’Orchestre de Chambre Andrés

Segovia, les orchestres symphoniques

de Shanghai, Taiwan et Tokyo ainsi

que le Philharmonique de Vienne et

travaillera en partenariat avec les

chefs Pablo Gonzáles, Valéry Gergiev,

Riccardo Chailly, Riccardo Muti et Kent

nagano. Les récompenses reçues par

Anne-Sophie Mutter pour ses nombreux

enregistrements incluent le German

Record Prize, le Record Academy Prize,

le Grand Prix du Disque, l’International

Record Prize et plusieurs Grammies. À

l’occasion du 250e anniversaire de la

naissance de Mozart elle a enregistré

toutes ses compositions majeures

pour violon pour le label Deutsche

Grammophon, aussi bien en CD qu’en

DVD. Son enregistrement du concerto

pour violon In tempus praesens

de Gubaidulina avec l’Orchestre

Symphonique de Londres sous la

direction de Valéry Gergiev comme

celui du Concerto en la mineur et du

Concerto en mi majeur de Bach avec

les Trondheim Soloists sous la direction

de la violoniste elle-même sortiront en

septembre. Pour célébrer le bicentenaire

de la naissance de Mendelssohn, Anne-

Sophie Mutter souhaite honorer le

compositeur avec une contribution

très personnelle combinant à la fois

musique symphonique et compositions

de chambre, en CD et en DVD: la

Sonate pour violon en fa majeur de

1838, le Trio avec piano en ré mineur

op. 49 composé en 1839 et le Concerto

pour violon en mi mineur de 1845.

Son enregistrement des sonates pour

violon de Brahms avec Lambert Orkis

est sorti en mars 2010 pour le label

Deutsche Grammophon. L’artiste met

son point d’honneur à interpréter des

compositions contemporaines pour

violon. Sebastian Currier, Henri Dutilleux,

Sofia Gubaidulina, Witold Lutoslawski,

norbert Moret, Krzysztof Penderecki,

Sir André Previn et Wolfgang Rihm lui

ont tous dédié des œuvres. Des créations

de pièces pour orchestre de chambre de

Penderecki et Rihm sont actuellement

en cours de programmation. En 2008

Anne-Sophie Mutter a créé la fondation

qui porte son nom. L’objectif de celle-ci

est de développer au niveau mondial

une aide pour les jeunes artistes

prometteurs, tâche qu’elle avait

entreprise en fondant The Anne-Sophie

Mutter Circle of Friends Foundation en

1997. Par ailleurs, la violoniste s’intéresse

tout particulièrement aux problèmes

médicaux et sociaux de notre temps.

Elle prête régulièrement son secours

à ces causes par le biais de concerts

caritatifs. Pour exemple, en 2010 elle

se produira pour les associations La

9

LunDI 17 MAI

Maison de Solenn, Save the Children, la

Fondation Dr Henri Dubois-Ferrière Dinu

Lipatti et la Staatsakademie für Musik

de Karlsruhe. Anne-Sophie Mutter a

reçu en 2008 le Prix International Ernst

von Siemens ainsi que le Prix Leipzig

Mendelssohn. En 2009 elle s’est vue

remettre le Prix Européen St. ulrich et

le Cristobal Gabaroon Award. Elle est

porteuse du Grand Ordre du Mérite

de la République Fédérale Allemande,

de l’Ordre de la Légion d’Honneur, de

l’Ordre du Mérite de Bavière, du Grand

Ordre du Mérite d’Autriche et de biens

d’autres médailles.

Manfred Honeck

Manfred Honeck a été engagé

comme neuvième Directeur Musical

de l’Orchestre Symphonique de

Pittsburgh en janvier 2007, et a pris ses

fonctions au début de la saison 2008-

2009. Toujours en septembre 2008,

il est devenu Chef Invité Principal de

l’Orchestre Philharmonique Tchèque à

Prague, et en 2007 a également endossé

la responsabilité du poste de Directeur

Musical de la Staatsoper de Stuttgart.

Sa seconde saison en tant que directeur

musical a débuté avec des concerts

dans le cadre d’une tournée très

applaudie par la critique à Essen et

Bonn en Allemagne, ainsi qu’en clôture

du prestigieux Festival de Lucerne en

Suisse. Manfred Honeck a également

fait ses débuts au Carnegie Hall de new

York avec l’Orchestre Symphonique

de Pittsburgh en février 2010. Autre

moment fort, la tournée européenne

2010 de la Bank of new York Mellon au

mois de mai le mènera lui et l’orchestre

dans plusieurs capitales musicales dont

Paris et Vienne. Par ailleurs, il a dirigé

l’orchestre dans deux enregistrements,

Ein Heldenleben de Strauss et la

Première Symphonie de Mahler, sortis

chez le label japonais Octavia/Exton et

tous deux salués par la critique.

né en Autriche, Manfred Honeck a étudié

à l’Académie de Musique de Vienne.

Violoniste et altiste accompli, il a été

membre pendant plus de 10 ans du

Philharmonique de Vienne ainsi que de

l’Orchestre de la Staatsoper de Vienne.

Son expérience de musicien d’orchestre

a fortement influencé sa façon de

diriger et a contribué à lui donner son

style distinctif. Il a débuté sa carrière

de chef en tant qu’assistant de Claudio

Abbado à l’Orchestre des Jeunes Gustav

Mahler à Vienne. Par la suite, il a été

engagé à l’Opéra de Zurich de 1991 à

1996, où il a reçu le prestigieux European

Conductor’s Award en 1993. En 1996,

il a débuté un contrat de trois ans en

tant que l’un des trois principaux chefs

de l’Orchestre Symphonique MDR de

Leipzig, et en 1997, il a exercé durant un

an la fonction de Directeur Artistique

à l’Opéra national de norvège d’Oslo.

une tournée européenne à grand

succès avec le Philharmonique d’Oslo

a marqué le début d’une collaboration

étroite avec cet orchestre, ce qui lui a

valu d’être engagé comme Chef Invité

Principal, poste qu’il a occupé de 1998

à 2004. De 2000 à 2006, Manfred

Honeck a également été Directeur

Musical de l’Orchestre Symphonique

de la Radio Suédoise. En tant que chef

invité, il a travaillé avec les principaux

orchestres européens tels que le

Deutsches Symphonie-Orchester de

Berlin, l’Orchestre du Gewandhaus de

Leipzig, l’Orchestre Symphonique de

la Radio Bavaroise, la Staatskapelle de

Dresde, l’Orchestre du Concertgebouw,

l’Orchestre Philharmonique de Londres,

l’Orchestre Philharmonique de Radio

France, le Philharmonique Tchèque ainsi

que le Philharmonique de Vienne, et aux

États-unis avec l’Orchestre Symphonique

de Chicago, le Philharmonique de Los

Angeles, l’Orchestre Symphonique

national et l’Orchestre Symphonique de

Boston. En plus de son poste à l’Opéra de

Stuttgart, il a été invité pour diriger dans

divers opéras comme le Semperoper

de Dresde, le Komische Oper de Berlin,

le Théâtre de la Monnaie à Bruxelles

et l’Opéra Royal de Copenhage, ainsi

que dans le cadre du Festival des nuits

Blanches de Saint-Pétersbourg et du

Festival de Salzbourg. Par ailleurs, il se

produit régulièrement au Verbier Festival

en Suisse et a été Directeur Musical de la

série des Concerts Internationaux d’été

au château de Wolfegg en Allemagne

durant plus de quinze ans.

Pittsburgh Symphony Orchestra

Depuis plus d’un siècle, le Pittsburgh

Symphony Orchestra est au cœur de

la vie culturelle de Pittsburgh. Il peut

s’enorgueillir d’un niveau d’excellence

artistique auquel peu d’ensembles sont

parvenus, d’une histoire bâtie par les

plus grands chefs et les plus grands

musiciens au monde, mais aussi d’un

véritable dévouement à la région et

à la communauté de Pittsburgh, avec

lesquelles il entretient des liens étroits.

Cette tradition s’est poursuivie avec la

nomination, à l’automne 2008, du chef

autrichien Manfred Honeck au poste

de directeur musical. Premier dans une

longue série de chefs prestigieux, Victor

Herbert, directeur musical de 1898 à

1904, a façonné les débuts du Pittsburgh

Symphony Orchestra. Avant lui, Fréderic

Archer a été le tout premier directeur

musical de l’orchestre de 1896 à 1899.

10

Succédant à Emil Paur (1904-1910),

Elias Breeskin (1926-1930) et Antonio

Modarelli (1930-1937), Otto Klemperer

a quant à lui joué un rôle déterminant

dans l’accession de l’orchestre au

statut d’institution américaine à la fin

des années 1930. De 1938 à 1948, le

Pittsburgh Symphony Orchestra est par

ailleurs entré dans une nouvelle phase

de son histoire, donnant sa première

tournée à l’étranger et réalisant son

premier enregistrement commercial

sous la direction dynamique de Fritz

Reiner. Le Pittsburgh Symphony

Orchestra a maintenu son niveau

d’excellence sous la direction inspirée de

William Steinberg (directeur musical de

1952 à 1976). André Previn (1976-1984)

l’a ensuite entraîné vers de nouveaux

sommets en le dirigeant dans le cadre

de tournées, d’enregistrements ou de

projets télévisés comme la série « Previn

and the Pittsburgh » (PBS). Lorin

Maazel, qui a commencé à collaborer

avec l’orchestre en 1984 en tant que

consultant musical avant d’assurer la

fonction de directeur musical de 1988

à 1996, a contribué à faire de lui l’un

des meilleurs orchestres au monde.

De 1997 à 2004, Mariss Jansons a lui

aussi contribué à son développement

artistique tandis que l’orchestre mettait

en place un modèle original de direction

avec le conseiller artistique Sir Andrew

Davis, le chef principal invité Yan Pascal

Tortelier et le titulaire de la chaire de

chef invité Marek Janowski. Ces trois

chefs ont été les principaux responsables

de la direction artistique du Pittsburgh

Symphony Orchestra jusqu’en janvier

2007, quand ce dernier a décidé de

confier les rênes à Manfred Honeck à

partir de la saison 2008-2009. Depuis

les premières tournées qu’il a données

au début des années 1900, le Pittsburgh

Symphony Orchestra a été acclamé, à

de nombreuses reprises, tant aux États-

unis qu’à l’étranger, ce qui l’a aidé à

consolider sa réputation d’ensemble

d’envergure internationale. Suite à sa

première apparition au Mexique, en

1947, il a donné 32 tournées (dont 17

tournées internationales) et effectué

huit voyages en Extrême-Orient et deux

autres en Amérique du Sud. Sa tournée

de 2002 en Extrême-Orient lui a permis

de faire ses débuts à Kuala Lumpur et

en Australie. Ensemble de renommée

internationale, il a aussi été le premier

orchestre américain à se produire au

Vatican, en janvier 2004, à l’occasion

du Jubilée d’argent du Pape Jean-Paul

II. Plus récemment, il a inauguré l’année

de célébrations organisées à l’occasion

du deux cent cinquantième anniversaire

de la ville de Pittsburgh – la tournée

« Pittsburgh 250 Ambassador Tour »

qu’il a donnée à cette occasion lui a

permis d’être applaudi, en l’espace de

trois semaines, dans 13 villes dans six

pays européens en marge de l’Allegheny

Conference on Community Development,

laquelle a pour vocation de promouvoir

la région de Pittsburgh auprès de

multinationales. Les nombreuses

tournées qu’il a données aux États-unis

ont par ailleurs permis à le Pittsburgh

Symphony Orchestra d’être applaudi

dans les plus grandes villes et dans les

plus grands centres musicaux du pays

comme le Carnegie Hall de new York ou

le Kennedy Center de Washington, D.C.

Ces dernières saisons, il a enfin tourné

en Floride, au Moyen-Orient et sur la

côte Ouest des États-unis. Le Pittsburgh

Symphony Orchestra a acquis une solide

réputation pour ses enregistrements

et ses concerts en radio. Retransmis

d’une côte à l’autre des États-unis

depuis 1936, il a bénéficié d’une

attention accrue à l’occasion d’une série

d’émissions produites par WQED-FM 89.3

(Pittsburgh) et retransmises par Public

Radio International en 1982. Depuis la

parution de son premier enregistrement

commercial, en 1941, le Pittsburgh

Symphony Orchestra a enregistré

des centaines de disques qui sont

disponibles sur les labels PentaTone,

EMI, Angel, CBS, Philips, MCA, new

World, nonesuch, Sony Classical ou

Telarc et qui ont été, pour la plupart,

encensés par la critique. En 1992, il a

remporté un Grammy Award avec le chef

Lorin Maazel et le violoncelliste Yo-Yo

Ma pour un enregistrement d’œuvres de

Prokofiev et de Tchaïkovski paru chez

Sony Classical. Cinema Serenade, le CD

de musiques de films qu’il a enregistré

avec John Williams et Itzhak Perlman, a

quant à lui atteint la première place des

classements dans Billboard. Son dernier

disque, dans lequel Manfred Honeck

dirige l’orchestre pour la Symphonie

n° 1 de Mahler, a été enregistré à Heinz

Hall, durant les concerts inaugurant la

nomination du nouveau directeur.

Violons I

Andrés Cárdenes (soliste)

Rachel Mellon Walton chair

Mark Huggins Associate (2e soliste)

Beverlynn & Steven Elliott chair

Huei-Sheng Kao (co-soliste)

Hong-Guang Jia (co-soliste)

Holly D. Katz

William & Sarah Galbraith chair

Jeremy Black

Ellen Chen-Livingston

Irene Cheng

Sarah Clendenning

11

LunDI 17 MAI

Alison Peters Fujito

David Gillis

Selma Wiener Berkman memorial chair

Sylvia Kim

Jennifer Orchard

Susanne Park

Christopher Wu

Nancy & Jeffery Leininger chair

Shanshan Yao

Kristina Yoder

Violons II

Jennifer Ross*

G. Christian Lantzsch & Duquesne Light

Company chair

Louis Lev

The Morrison family chair

Dennis O’ Boyle

Sarah Brough Blomquist

Carolyn Edwards

Linda Fischer

Lorien Benet Hart

Claudia Mahave

Laura Motchalov

Peter Snitkovsky

Albert Tan

Yuko uchiyama

Rui-Tong Wang

Altos

Randolph Kelly*

Cynthia S. Calhoun chair

Tatjana Mead Chamis

Joen Vasquez

Marylène Gingras-Roy

Penny Anderson Brill

Cynthia Busch

Erina Laraby-Goldwasser

Paul Silver

Stephanie Tretick

Meng Wang

Andrew Wickesberg

Isaias Zelkowicz

Violoncelles

Anne Martindale Williams*

Pittsburgh Symphony Association chair

David Premo

Donald I. & Janet Moritz and Equitable

Resources, inc. chair

Adam Liu

George & Eileen Dorman chair

Mikhail Istomin

Irvin Kauffman

Gail Czajkowski

Michael Lipman

Jane & Rae Burton chair

Louis Lowenstein

Hampton Mallory

Caryl & Irving Halpern chair

Lauren Scott Mallory

Mr & Mrs Martin G. McGuinn chair

Charlotta Klein Ross

Contrebasses

Jeffrey Turner*

Tom & Dona Hotopp chair

Donald H. Evans, Jr.

Betsy Heston

Ronald Cantelm

Jeffrey Grubbs

Peter Guild

Micah Howard

Stephen & Kimberly Keen chair

John Moore

Aaron White

Harpes

Gretchen Van Hoesen*

Virginia Campbell chair

Flûtes

Damian Bursill-Hall

Jennifer Conner

Piccolo

Rhian Kenny*

Hautbois

Cynthia Koledo DeAlmeida*

Dr. William Larimer Mellon, Jr. chair

James Gorton

Mildred S. Myers & William C. Frederick chair

Scott Bell

Mr. & Mrs. William E. Rinehart chair

Cors anglais

Harold Smoliar*

Johannes & Mona Coetzee memorial chair

Clarinettes

Michael Rusinek*

Mr. & Mrs. Aaron Silberman chair

Thomas Thompson

Ron Samuels

Clarinette en mi-bémol

Thomas Thompson

Clarinette basse

Richard Page*

Bassons

nancy Goeres*

Mr. & Mrs. William Genge et Mr.& Mrs. James E.

Lee chair

David Sogg

Philip A. Pandolfi

Contrebasson

James Rodgers*

12

Cors

William Caballero*

Anonymous donor chair

Stephen Kostyniak

Zachary Smith

Thomas H. & Frances M. Witmer chair

Robert Lauver

In memory of Irving (Buddy) Wechsler

Ronald Schneider

Michael & Carol Bleier chair

Joseph Rounds

Trompettes

George Vosburgh*

Martha Brooks Robinson chair

Charles Lirette

Edward d. Loughney chair

neal Berntsen

Chad Winkler

Trombones

Peter Sullivan*

Tom & Jamee Todd chair

Rebecca Cherian

James nova

Trombone basse

Murray Crewe*

Tuba

Craig Knox*

Timbales

Timothy K. Adams, Jr.*

Barbara Weldon chair

Christopher Allen

James W. & Erin M. Rimmel chair

Percussions

Andrew Reamer*

Albert H. Eckert chair

Jeremy Branson

Christopher Allen

James M. & Erin M. Rimmel chair

Instrument à cordes pincées

Irvin Kauffman*

Bibliothécaires

Joann Ferrell Vosburgh

Jean & Sigo Falk chair

Lisa Gedris

Open chairs

Mr. & Mrs. Benjamin F. Jones III ; keiboard

chair

Jackman Pfouts Chair

* musicien principal

Remerciements à Perry et Bee Jee

Morrison, string instrument loan fund.

Salle Pleyel | Prochains concertsDu MARDI 18 Au SAMEDI 22 MAI

Les partenaires média de la Salle Pleyel

MARDI 18 MAI – 20H

Airs de Georg Friedrich Haendel,Alessandro Stradella, Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi et Antonio Sartorio.

Venice Baroque OrchestraAndrea Marcon, directionPatricia Petibon, sopranoGianpiero Zanocco, violonMichele Favaro, flûte traversière

Coproduction Céleste Productions -

Les Grandes Voix, Salle Pleyel.

MERCREDI 19 MAI – 18H

Orchestre de Paris

Prélude au concert

Alfred Schnittke

Sonate pour violon et piano n° 1

Bohuslav Martinu

Première sonate pour violon et piano, H. 182

Saténik Khourdoian, violon

Varduhi Yeritsyan, piano

Entrée libre sur réservation.

MERCREDI 19 MAI – 20H

Bohuslav Martinu

Lidice

Alfred Schnittke

Concerto pour alto

Ludwig van Beethoven

Symphonie n° 5

Orchestre de Paris

Hartmut Haenchen, direction

Tabea Zimmermann, alto

VENDREDI 21 MAI – 20H

Alexandre Scriabine

Rêverie

Nikolaï Miaskovski

Concerto pour violoncelle

Sergueï Rachmaninov

Francesca da Rimini

Orchestre Philharmonique de Radio France

Chœur de Radio France

Alexander Vedernikov, direction

Anna Aglatova, Francesca

Mikhail Gubsky, Paolo

Panfilov Vitaly, Dante

Alexander Naumenko, l’ombre de Virgile

Sergei Leiferkus, Lanciotto Malatesta

Alexander Kniazev, violoncelle

Lionel Sow, chef de chœur

SAMEDI 22 MAI – 20H

Alexandre Borodine

Le Prince Igor-Danses polovtsiennes

Piotr Ilitch Tchaïkovski

Concerto pour violon

Modeste Moussorgski/Maurice Ravel

Tableaux d’une exposition

Orchestre National d’Île-de-France

Yoel Levi, direction

Ann-Estelle Médouze, violon

Production Orchestre national d’Île-de-France.

Imp

rim

eur

FOT

| Im

pri

meu

r B

AF

| L

icen

ces

: 10

2739

1, 10

2739

2, 1

027

393

Salle Pleyel

Président : Laurent Bayle

Notes de programme

Éditeur : Hugues de Saint Simon

Rédacteur en chef : Pascal Huynh

Rédactrice : Gaëlle Plasseraud

Correctrice : Angèle Leroy

Maquettiste : Elza Gibus

Stagiaires : Géraldine Bussy et Caroline Déodat

C

M

Y

CM

MY

CY

CMY

K