27./29.11.2009

ROLAND GREUTTERALAN GILBERTSAISON 2009/2010 ABONNEMENTKONZERTE D2 / HB1

ROLAND GREUTTER VIOLINE

03

Dirigent:

Solist:

JEAN SIBELIUS (1865 – 1957)

PĒTERIS VASKS (*1946)

PETER I. TSCHAIKOWSKY (1840 – 1893)

Freitag, 27. November 2009, 20 UhrHamburg, Laeiszhalle, Großer SaalSonntag, 29. November 2009, 19 UhrBremen, Glocke

ALAN GILBERTROLAND GREUTTER VIOLINE

„En Saga“ op. 9 (1892, rev. 1901)

Moderato assai. Allegro. Lento assai. Moderato. Allegro molto. Moderato e tranquillo

Konzert für Violine und Streichorchester „Tālā gaisma“ („Fernes Licht“) (1996/1997)

Andante. Adagio. Cadenza I. Cantabile. Cadenza II. Cantabile. Agitato. Cadenza III. Tempo di valse

Pause

Sinfonie Nr. 4 f-moll op. 36 (1877)

I. Andante sostenuto. Moderato con anima. Moderato assai, quasi Andante. Allegro vivoII. Andantino in modo di canzoneIII. Scherzo. Pizzicato ostinato. AllegroIV. Finale. Allegro con fuoco

27.11.2009: 19 Uhr Einführungsveranstaltung mit Habakuk Traber im E-Saal der Laeiszhalle und 20 Uhr „Konzertanfänger“-Einführung zu Tschaikowskys Vierter Sinfonie im E-Saal der Laeiszhalle.

Das Konzert vom 27. November 2009 wird am 14. Dezember 2009 um 20 Uhr auf NDR Kultur gesendet.

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SOLISTDIRIGENT

ROLAND GREUTTERVIOLINE

Roland Greutter, Erster Konzertmeister des NDR

Sinfonieorchesters, wurde 1957 im österreichi-

schen Linz geboren und studierte bereits während

seiner Schulzeit bei Sándor Végh am Salzburger

Mozarteum. Danach setzte er sein Studium an der

New Yorker Juilliard School bei Ivan Galamian so -

wie an der Indiana University in Bloomington bei

Joseph Gingold fort. Er wurde mit dem Preis der

Salzburger Mozarteum Stiftung ausgezeichnet und

gewann Wettbewerbe wie die Artist International

Competion New York sowie den Wieniawski-Wett-

bewerb der Juilliard-School. Roland Greutter ist

ein gefragter Solist in Europa, Amerika und Asien.

Wichtige Erfolge feierte er bei Soloabenden und als

Solist mit führenden Orchestern unter Dirigen ten

wie Christoph von Dohnányi, Christoph Eschenbach,

Herbert Blomstedt, Myung-Whun Chung, Krzysztof

Penderecki, Sándor Végh und Günter Wand. Diese

Konzerte führten ihn u.a. in die New Yorker Carne-

gie Hall, zum ita lie ni schen Festival delle Nazioni

in Città di Castello, die Bunka Kaikan Tokio, das

Teatro Colon Buenos Aires, das große Festspielhaus

Salzburg, in die Berliner Philharmonie sowie in die

Hamburger Musikhalle.

Roland Greutter ist regelmäßiger Gast bei den re -

nommiertesten Festivals wie dem Marlboro Music

Festival, dem China Shanghai International Arts

Festival und dem Schleswig-Holstein Musik Festi-

val. Seine Kammermusik-Partner sind u. a. Me Jin

Moon und Christoph Eschenbach. Sein ungewöhn-

lich breites Repertoire spannt sich vom Barock bis

zur zeitgenössischen Musik. So spielte er u. a. die

Uraufführung des ihm gewidmeten Violinkonzer tes

von Ulrich Leyendecker (das er auch auf CD auf-

nahm) sowie die Violinkonzerte von Helmut Eder

und Peter Ruzicka. In jüngster Zeit übernimmt

Greutter, wie zuletzt bei der Sinfonietta Cracovia

und dem Schleswig-Holstein Festival Orchester,

mit großem Erfolg die Doppelfunktion von Solist

und Dirigent. Neben seiner intensiven Konzerttä-

tigkeit kümmert sich Roland Greutter auch um die

Ausbildung des musikalischen Nachwuchses. Welt-

weit hält er Meisterklassen, u. a. in den USA, in Tokio

und beim Mozarteum Brasileiro in São Paulo. Dar-

über hinaus wirkte er als Dozent an der Orchester-

akademie des Schleswig-Holstein Musik Festivals.

DIRIGENT UND VIOLINE

Alan Gilbert, Erster Gastdirigent des NDR Sinfonie-

orchesters, hat in dieser Spielzeit sein Amt als

Mu sic Director des New York Philharmonic Orches-

tra angetreten. Er ist der erste gebürtige New

Yorker, der diese Position inne hat. In seiner ersten

Saison hat er eine Reihe von neuen Initiativen

vorgestellt: als Composer in Residence Magnus

Lindberg, als Artist in Residence Thomas Hampson,

dazu ein jährliches dreiwöchiges Festival sowie

die Konzertreihe „Contact“, bei der sich das New

York Philharmonic der zeitgenössischen Musik

widmet. Im Oktober 2009 war Gilbert mit dem Or -

chester auf Asien-Gastspiel und debütierte in Hanoi

und Abu Dhabi. Im Januar 2010 steht eine Europa-

tournee an. Weiterhin ist Gilbert dem Ruf auf den

neugeschaffenen William-Schuman-Lehrstuhl an

der Juilliard School of Music gefolgt.

Zu den Höhepunkten der vergangenen Spielzeit

zähl ten u. a. Gilberts Auftritte mit dem Boston

Sym pho ny Orchestra und mit den Berliner Philhar-

mo ni kern, ein Bernstein-Gedenkkonzert mit dem

New York Philharmonic in der Carnegie Hall sowie

Gilberts erfolgreiches Metropolitan-Opera-Debüt,

bei dem er John Adams „Doctor Atomic“ dirigierte.

Die letzte CD-Einspielung, die mit ihm als Chief

Conductor und Artistic Advisor des Royal Stock-

holm Philharmonic Orchestra entstand, war eine

Aufnah me von Mahlers Neunter Sinfonie – kurz

bevor Gilbert zum Ehrendirigenten des Orchesters

ernannt wurde. Gilbert ist regelmäßiger Gast von

Spitzenorchestern wie dem Baltimore, Boston,

Chicago und San Francisco Symphony Orchestra,

vom Cleveland Orchestra, vom Sinfonie orchester

des Bayeri schen Rundfunks sowie von Amsterdams

Koninklijk Concertgebouworkest.

Geboren und aufgewachsen in New York, studierte

Gilbert an der Harvard University, am Curtis Insti-

tute und an der Juilliard School. Für zwei Spielzei-

ten war er als Violinist Substitut beim Philadelphia

Orchestra sowie in der Zeit von 1995 bis 1997

Assistant Conductor des Cleveland Orchestra. Seine

Einspielung von Prokofjews „Skythischer Suite“

mit dem Chicago Symphony Orchestra wurde 2008

für den Grammy Award nominiert.

ALAN GILBERT

0706

PROGRAMM

Die Sechste Sinfonie bezeichnete Alma Mahler-

Werfel in ihren „Erinnerungen“ als das „allerpersön-

lichste Werk“ ihres Mannes: Keine andere Kompo-

sition sei Mahler „so unmittelbar aus dem Herzen

geflossen“ wie diese, und keine Sinfonie, so Alma

weiter, sei ihm „beim ersten Hören so nahe gegan-

gen.“ Ähnlich äußerte sich Jean Sibelius in einem

Interview aus dem Jahr 1940 über seine ers te

bekannte Tondichtung „En Saga“ („Eine Sage“):

„Als ich ‚En Saga‘ schrieb, hatte ich viele aufwüh -

lende Erlebnisse. In keinem anderen Werk habe ich

mich so gänzlich bloßgelegt. Aus diesem Grunde

ist mir jede literarische Interpretation die ser Mu-

sik völlig fremd.“ Einem gleichsam persönli chen

Tonfall ist auch das Violinkonzert „Tālā gaisma“ des

lettischen Komponisten Pēteris Vasks verschrie-

ben, der zu dem einsätzigen Werk durch die 1993

erschienene Autobiographie „Kindheitssplitter“

seines einstigen Schulfreundes Gidon Kremer in-

spiriert wurde: „Die Symbiose aus Schmerz und

Freude in diesen Kindheitserinnerungen kam all-

mählich auch in dem werdenden Konzert zum

Klingen.“ Peter Tschaikowsky wiederum schrieb

seine Vierte Sinfonie nach der großen Krise seines

gescheiterten Eheversuches für seine Mäzenin

und Brieffreundin Nadeshda von Meck: „Keines

meiner früheren Orchesterwerke“, so der Kompo-

nist über die „a mon meilleur ami“ gewidmete

Sinfonie, „hat mich so viel Mühe gekostet, ich habe

mich aber auch noch nie einer Sache mit solcher

Liebe hingegeben.“

„AUSDRUCK VON SEELENZUSTÄNDEN“:„EN SAGA“ VON SIBELIUSDie Tondichtung „En Saga“ hat eine lange und ver-

wickelte Entstehungsgeschichte. Die Anfänge des

Werkes reichen in die Jahre 1890/1891 zurück, in

denen Sibelius bei Karl Goldmark und Robert Fuchs

am Wiener Konservatorium studierte. Denn wäh-

rend dieser Zeit entstand ein Oktett für Streicher,

Flöte und Klarinette, das nach Aussage des Kom-

ponisten „den Keim für ‚En Saga‘ enthielt“. Im Sep-

tember 1892 war aus dem Oktett dann ein Sep-

tett geworden, mit dem sich der Komponist weiter

„auseinandersetzen wollte“, bevor er das Stück

gut einen Monat später zugunsten der „Scène de

ballet“ Nr. 2 für Orchester aufgab. Letztere Kom-

position bezeichnete Sibelius in einem Brief an

seinen Freund, den Schriftsteller Adolf Paul, als

„Märchen in romantischem Stil“ – eine Beschrei-

bung, die auch „En Saga“ gut charakterisieren

würde –, bevor er am 10. Dezember desselben

Jahres schrieb: „Ich habe das Orchesterstück ‚En

Saga‘ vollendet.“ Ob es sich bei den Werken je-

weils um ein und dasselbe Stück handelte, das

bis zu seiner endgültigen Form unterschiedliche

Stadien durchlief, oder ob Oktett, Septett, Ballett-

szene und Tondichtung durchweg eigenständige

Kompositionen waren, denen nur teilweise gleiches

oder ähnliches musikalisches Material zugrunde

lag, ist heute nicht mehr zu klären.

Die Uraufführung von „En Saga“, die am 16. Feb-

ruar 1893 unter der Leitung des Komponisten in

Helsinki stattfand, war ein mäßiger Erfolg. Viele

ZU DEN WERKEN VON SIBELIUS, VASKS UND TSCHAIKOWSKYKUNST UND LEBEN

PROGRAMM

Rezensenten hielten die Tondichtung für formal

unausgewogen und brüchig, bezeichneten die Mu-

sik als „sonderbar“ und rätselten, welche konkrete

Sage dem Werk zugrundeliegen könnte. Sibelius

lehnte hingegen literarische Bezüge strikt ab und

verwies auf die düsteren, von naturmystischen

Elementen durchsetzten Waldszenen des Malers

Arnold Böcklin, die in der Musik ihren Wider hall

gefunden hätten: „‚En Saga‘“, so der Komponist,

„ist nur der Ausdruck von Seelenzuständen.“ Inso-

fern schrieb Nils-Erik Ringbom in seinem Sibelius-

Buch von 1950 auch von einer „Sage ohne jedwede

literarische oder programmatische Besetzung“;

der Komponist und Musikschriftsteller Walter

Niemann bemerkte treffend: „Die Sage selbst wird

hier Musik“.

Neun Jahre später entschloss sich Sibelius, „En

Saga“ einer gründlichen Revision zu unterziehen.

Hierbei nahm er nicht nur Korrekturen in Orches-

trierung und klanglicher Gestaltung vor, sondern

fand auch zu einem stringenteren Formaufbau,

der stärker als zuvor die Orientierung an der tradi-

tionellen Form des Sonatensatzes sichtbar werden

ließ: Aus den folkloristisch anmutenden Arpeggien

der Streicher kristallisiert sich allmählich in den

Fagotten und Violoncelli ein langsames Haupt-

thema heraus, aus dem wiederum zwei weitere,

deutlich voneinander unterschiedene musikali sche

Gedanken erwachsen. Alle drei Themen werden in

der allgemein einer dramatischen, dunklen und

archaischen Musiksprache verpflichteten Durch-

führung einem groß angelegten Steigerungspro-

zess unterworfen, bevor der musikalische Verlauf

zum Ende der verkürzten Reprise abrupt zum Still-

stand kommt. Anschließend verklingt die Musik

wie in weitester Ferne.

Die Premiere der überarbeiteten Version von „En

Saga“ fand am 2. November 1902 unter Leitung

von Robert Kajanus in Helsinki statt. Endlich hatte

das Werk jenen Erfolg, den sich Sibelius bereits

zu Beginn seiner kompositorischen Laufbahn ge-

wünscht hatte: Noch im selben Jahr dirigierte er

die Tondichtung in einem Konzert der Berliner

Philharmoniker, später nahmen Dirigenten wie

Henry Wood und Arturo Toscanini das Stück in ihr

Repertoire auf. Heute zählt „En Saga“ zu Sibelius’

meistgespielten Werken.

Jean Sibelius

08 09

PROGRAMM PROGRAMM

und Streichorchester, für das Vasks mit dem

„Großen Musikpreis Lettlands“ ausgezeichnet wur-

de. Auch in dieser verhalten beginnenden Kompo-

sition mit dem eschatologisch anmutenden Titel

„Tālā gaisma“ („Fernes Licht“) bildet ein katas tro-

phi sches Auflösungsfeld den Höhepunkt des musi-

kalischen Verlaufs, während am Ende – nach einem

Valse macabre – der Tonfall des Anfangs wieder

aufgenommen wird, bevor die Musik mit leisen und

hohen Flageolett-Klängen endet. „‚Tālā gaisma‘“,

schrieb Vasks in einem kurzen Werkkommentar,

„ist ein Konzert in einteiliger Form, mit kontrastie-

renden Episoden und drei Kadenzen für den Solis-

ten. Ein Gesang, aus der Stille kommend und in die

Stille dahinschwindend, voll von Idealismus und

Liebe, zuweilen wehmütig und dramatisch. Die

ersten Töne entstehen langsam, ohne Eile, dann

ertönt endlich die helle und zugleich traurige Kan-

tilene. Nach der Cadenza I beginnt mit Akkorden

in den tiefen Bässen ein ausladender Gesang, der

allmählich an Stärke und Intensität gewinnt. Mit

einer plötzlichen Änderung von Tempo und Charak-

ter beginnt die nachfolgende Episode; dabei habe

ich eine musikalische Sprache benutzt, die der

lettischen Volksmusik nahesteht. Die Cadenza II

bringt in die vitale Musik einen etwas anderen

Charakter, der jedoch im energischen Tutti von

Solist und Orchester untergeht. Nach dem hefti gen

Ausbruch kommen die Stimmen der Stille zurück.

Die Violine singt weiter; in steter Steigerung geht

es zur zweiten, dramatischen Episode über. Die

Cadenza III und der darauf folgende aleatorische

Teil bilden den Höhepunkt des ganzen Konzerts.

Das aleatorische Chaos wird vom Walzerrhythmus

unterbrochen – robust, sogar aggressiv. In der

Reprise kehren musikalische Gestalten des An-

fangs zurück. Obwohl es einen Augenblick lang

voll von Schmerz tönt, klingt das Konzert in einer

Stimmung heller Traurigkeit aus. Noch einmal

erklingt der Walzer, diesmal jedoch als Abglanz

ferner Erinnerung.“

PĒTERIS VASKSKONZERT FÜR VIOLINE UND STREICHORCHESTER „TĀLĀ GAISMA“Besetzung: Streichorchester, Solo-Violine[ca. 30 Min.]

„DASEINS-SPIEGEL UND GEGENWELT ZUGLEICH“:„TĀLĀ GAISMA“ VON PĒTERIS VASKSPēteris Vasks wurde 1946 in der lettischen Klein-

stadt Aizpute geboren – zu einer Zeit, als das Land

im Zuge des Zweiten Weltkriegs als Lettische SSR

der Sowjetunion angegliedert worden war. Als Kind

wurde er Zeuge des staatlichen Terrors der sow-

jetischen Zentralregierung, die mit Massendepor-

tationen und Zwangsumsiedlungen auf der einen

sowie dem gelenkten Zuzug von Bürgern aus an-

deren Regionen der UdSSR auf der anderen Seite

eine massive Politik der „Russifizierung“ des Bal-

tikums verfolgte. Vasks erlebte, wie Unschuldige

aus ihren Häusern vertrieben und in sibirische

Straflager verschleppt wurden und sah, wie die

wenigen Überlebenden nach Stalins Tod im Jahr

1956 ohne Wiedergutmachung und unter striktem

Verbot, über das geschehene Unrecht zu reden,

wieder in ihre Heimat zurückkehrten (zu dieser

Zeit vertonte er ein Freiheitslied des lettischen

Nationaldichters Jānis Rainis). Nach frühem Violin-

und Kontrabassunterricht verweigerte man dem

quasi von Geburt an als „Staatsfeind“ gebrand-

markten Sohn eines baptistischen Priesters die

Immatrikulation an der Staatlichen Musikakademie

in Riga – trotz glänzend bestandener Aufnahme-

prüfung. So kam es, dass Vasks sein Kontrabass-

studium in der Hauptstadt der katholisch gepräg-

ten Nachbarrepublik Litauen absolvierte, wo er

ohne Einwände an der Akademie aufgenommen

wurde. Anschließend spielte er in mehreren Sin-

fonie- und Kammerorchestern, bis er 1973 dann

doch noch an der Rigaer Musikakademie für ein

Kompositionsstudium zugelassen wurde, das er

fünf Jahre später erfolgreich beendete.

In einem Vortrag, den Vasks im Oktober 1992 beim

Symposion „Musik und Kirche“ in Brixen/Südtirol

hielt – knapp zwei Jahre, nachdem die „singende

Revolution“ zur Unabhängigkeit Lettlands geführt

hatte –, verweist der Komponist auf die histori schen

und biographischen Voraussetzungen seiner Mu-

sik und bekennt sich zu einem humanen und reli-

giösen Ethos seiner Werke: „Das Mitleiden mit den

Schmerzen der Welt empfinde ich als den Ausgangs-

punkt meines Schaffens.“ An anderer Stelle heißt

es: „Ich habe immer davon geträumt, dass meine

Musik – tröstend und fragend – dort zu hören wäre,

wo sich unglückliche Menschen aufhalten […].“

Vasks Schaffen, in dem trotz der humanen Bot-

schaften auch die zerstörerischen Kräfte und das

Chaos immer wieder thematisiert werden, und das

sich vorrangig mit dem Verhältnis zwischen den

Menschen aber auch mit dem Verhältnis zwischen

Mensch und (gefährdeter) Natur befasst, ist „Da-

seins-Spiegel und Gegenwelt zugleich“ (Lutz Lesle).

In vielen seiner Stücke findet sich ein dramatur-

gisches Grundkonzept, bei dem die Musik im Pia-

nissimo beginnt und, nachdem sie zu ihrem Klang

gefunden hat, diatonische oder pentatonische

„Inseln der Seligen“ (Vasks) imaginiert. Nachdem

es innerhalb des musikalischen Diskurses zu chro-

matischen oder aleatorischen „Ausbrüchen des

Chaos“ gekommen ist, nimmt der musikalische

Verlauf – nach der Überwindung des Chaos’ – wie-

der den Charakter des Anfangs an, bevor er wie

in weiter Ferne verklingt.

Diesem Formkonzept folgt auch das 1996/1997

im Auftrag der Salzburger Festspiele komponierte

und Gidon Kremer gewidmete Konzert für Violine

Pēteris Vasks

10 11

PROGRAMM

rung für Tschaikowskys Musik und ihr einfühlsa mes

Verständnis für seine Person stützten und bestätig-

ten den Komponisten zu einer Zeit, als seine künst-

lerische Reife und damit verbunden sein Selbstbe-

wusstsein (allen immer noch vorhandenen Skrupeln

zum Trotz) deutlich zunahm. Dieser emotionale

Hintergrund klingt in den Briefen auch noch etliche

Jahre später an, etwa, wenn Tschaikowsky nach

der St. Petersburger und der Prager Aufführung

seiner Fünften Sinfonie im Dezember 1888 Frau

von Meck schreibt, das neue Werk sei misslungen

und dann fortfährt: „Gestern Abend sah ich die

vierte Sinfonie durch, unsere Sinfonie! Welch ein

Unterschied; wie viel höher steht sie und wie viel

besser ist sie.“ Die Tatsache, dass dieses Urteil

offensichtlich nicht musikalisch motiviert (und

auch nicht stichhaltig) ist, und Tschaikowsky seine

Fünfte sehr zwiespältig – mal positiv, mal negativ –

beurteilte, verdeutlicht den hohen Stellenwert, den

die Vierte für ihn als das exponierte Werk einer

neuen und reifen Schaffensperiode einnahm.

Das eigentlich Neue an der Vierten Sinfonie ist ihre

ästhetische Konzeption. Denn die Vierte leitet die

Reihe von Tschaikowskys eigentlichen Programm-

sinfonien Nr. 4 bis 6 ein, die im Gegensatz zu sei-

nen ersten drei sinfonischen Werken ein persön-

liches „inneres Programm“ aufweisen. (Die Titel

der frühen Sinfonien, nur der der Ersten: „Winter-

träume“ stammt vom Komponisten selbst, sind

streng genommen nicht programmatisch, sondern

bezeichnen rein Äußerliches bzw. resultieren aus

vagen poetischen Assoziationen). In diesen „inne-

ren Programmen“, die sich nicht exakt verbalisieren

lassen, liegt die ausgeprägte und ergreifende

Emotionalität von Tschaikowskys Tonsprache be-

gründet – eine Emotionalität, welche seine späten

Kompositionen generell auszeichnet.

In einem Brief vom 17.02.1878 an Nadeshda von

Meck versuchte Tschaikowsky, das „innere Pro-

gramm“ seiner vierten Sinfonie näher zu erläutern.

Trotz der zahlreichen weitschweifenden hermeneu-

tischen Details, die den Zugang zum Werk wohl

eher behindert als gefördert haben (Tschaikowsky

selbst war über „die Verschwommenheit und

Unge nauigkeit“ seiner Ausführungen „entsetzt“),

wird der innere Kern der Musik deutlich: der Ge-

danke des Schicksals, jene „Macht des Unglücks“,

der niemand entrinnen kann, und das Gefühl der

Hilflosigkeit, ihr schutzlos ausgeliefert zu sein.

Dass Tschaikowsky beim Schreiben dieses Briefes

das eigene Leben vor Augen hatte, ist stark an-

zunehmen.

NACH DER PERSÖNLICHEN KRISE:TSCHAIKOWSKYS VIERTE SINFONIEFür die äußeren Lebensumstände Peter Tschai-

kows kys bedeuteten die Jahre 1877/1878 einen

entschei denden Einschnitt, der ihn buchstäblich

an den Rand des Wahnsinns brachte (in vielen

Tschaikows ky-Biographien ist vom „Schicksalsjahr

1877“ die Rede): Um der gesellschaftlichen Konven-

tion zu genügen, hatte der Komponist übereilt am

6. Juli 1877 die junge Studentin Antonia Iwanowna

Miljukowa geheiratet, woraufhin er sich jedoch

um gehend die heftigsten Vorwürfe machte. Nach

einem missglückten Selbstmordversuch Anfang

September sowie einem physischen und psychi-

schen Zusammenbruch, bei dem er fast 48 Stunden

ohne Bewusstsein war, beauftragte er schließ lich

seinen Bruder Modest mit der Scheidung.

Nach der „peinlichen Katastrophe der kurzen Ehe“,

so der Komponist, fand Tschaikowsky in einer

Brief freundschaft seelischen Halt, die sich seit

1866 zwischen ihm und der vermögenden Witwe

Nadeshda von Meck entwickelt hatte. Diese Frau,

reiche Witwe eines Eisenbahnunternehmers und

passionierte Musikliebhaberin, war für einen

Zeitraum von rund vierzehn Jahren nicht nur

Tschaikowskys größte Mäzenin, sondern auch in-

timste Korrespondentin (von dem Briefwechsel

sind insgesamt 1204 Briefe erhalten) – und das,

obwohl sich beide in gegenseitigem Einverständ-

nis niemals persönlich trafen.

In jener Zeit entstanden zwei Werke, die mit den

äußeren Ereignissen von Tschaikowskys Leben in

Beziehung stehen und zugleich innerhalb seiner

kompositorischen Entwicklung einen Wendepunkt

markieren: die Oper „Eugen Onegin“ nach Alexander

Puschkins gleichnamigem Versdrama und die Vierte

Sinfonie. Über die Parallelen der Liebesbriefe –

Antonia Miljukowa an Tschaikowsky und Puschkins

Tatjana an Eugen Onegin – ist viel spekuliert wor-

den, ohne dass konkrete Bezüge nachzuweisen

wären. Bei der Sinfonie ist der biographi sche Zu-

sammenhang greifbarer, denn Tschaikowsky wid-

mete das Werk Nadeshda von Meck und sprach

fortan in den Briefen an seine Mäzenin von „unse-

rer Sinfonie“ – eine Bezeichnung, die zweifellos als

Reverenz gemeint war. Hinter dieser Dankbarkeit

steckte jedoch mehr. Denn Nadeshda von Mecks

aus heutiger Sicht etwas exzentrische Begeiste-

Peter Tschaikowsky und Antonina Iwanowna

Miljukowa (1877)

Peter Tschaikowsky

PROGRAMM

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PROGRAMM

Diesen Schicksals-Gedanken – musikalisch expli-

ziert in der das Werk einleitenden, tragisch anmu-

tenden Bläserfanfare – bezeichnete Tschaikowsky

als „Samenkorn“ der gesamten Sinfonie: „Der

Hauptgedanke, der zuerst in den Trompeten und

anschließend in den Hörnern auftritt, soll das

Fatum ausdrücken, jene verhängnisvolle Macht,

welche den Drang nach Glück hindert, ein Ziel zu

erreichen, eine Macht, welche wie ein Damokles-

schwert beständig über dem Haupte schwebt.

Es bleibt nichts übrig, als sich dem Fatum zu unter-

werfen. Das Hauptthema des Allegros drückt das

Gefühl der Niedergeschlagenheit und Hoffnungs-

losigkeit aus. Ist es nicht besser, sich von der

Wirklichkeit abzuwenden und sich in Träume ein-

zuwiegen? Die zweite Themengruppe, die durch

leicht dahingleitende Läufe der Holzbläser ein-

geleitet und durch eine zarte Streichermelodie

aufgegriffen wird, drückt diesen Gegensatz aus.“

Vor dem brillant instrumentierten Scherzo – laut

dem Komponisten Ausdruck eines elegischen Er-

innerns an Vergangenes – nimmt im langsamen

Satz die Musik den Charakter einer wehmütig ge-

färbten Kontemplation an. („Das ist jenes melan-

cholische Gefühl, das sich des Abends einstellt,

wenn man allein sitzt, von der Arbeit ermüdet.“)

Im virtuosen Finale überwiegt demgegenüber laut

Tschaikowsky zunächst ein vermeintlich heiterer

Charakter: „Wenn du in dir selbst keine Gründe

zur Freude findest, dann schau auf die anderen

Menschen. Geh unter das Volk, sieh, wie es sich

zu vergnügen versteht, wie es sich schrankenlos

den Gefühlen der Freude hingibt.“ Doch zu Beginn

der Coda bricht erneut das fanfarenartige Schick-

salsmotiv wie ein Zitat in den Schlusssatz ein –

jenes Motto, das den Kopfsatz eröffnet und wie

ein Leitmotiv durchzogen hatte. So wird letzten

Endes deutlich, dass die Musik trotz der abschlie-

ßenden Steigerung mit ihren vielen applaustrei-

bend wirkenden die zuvor exponierten Konflikte

nicht gänzlich zu lösen vermag.

Harald Hodeige

Auf seiner neuesten CD widmet sich Daniel

Müller-Schott der romantischen und spätromanti-

schen Violoncello-Konzertliteratur: ein Erkundungs-

gang, der neben Bekanntem auch (Wieder-)Entde-

ckenswertes zutage fördert. Begleitet vom NDR

Sinfonie orchester unter der Leitung von Christoph

Eschen bach spielt Müller-Schott das berühmte

a-moll-Konzert op. 129 von Robert Schumann, ein

selten aufgeführtes Konzert in gleicher Tonart

des Schumann-Zeitgenossen Robert Volkmann

sowie zwei kürzere Stücke von Richard Strauss

und Max Bruch.

Zur Programmauswahl der CD sagte Müller-Schott:

„Zunächst einmal gibt es eine besondere Verbin-

dung zu dem Schumann-Konzert, es war nämlich

für mich das erste Cellokonzert, das ich in meinem

Leben überhaupt gehört habe und das für mich

der Anlass war, Cello zu lernen. Im Alter von fünf

Jahren war ich im Münchner Herkulessaal und

habe eine Probe gehört mit dem Schumann-Cello-

konzert. Das hat mich so nachhaltig beeindruckt,

dass ich auch Cello lernen wollte. Später habe ich

dann, so im Alter von 17 Jahren, angefangen mit

der Partitur, habe das studiert und mit kleineren

Orchestern aufgeführt und über die Jahre eine

Liebe zu dem Schumann-Konzert entwickelt. Ich

halte das für eines der persönlichsten Werke für

Cello und Orchester und führe das immer wieder

sehr gerne auf.“

In Volkmanns a-moll-Konzert, das von seinen kan-

tablen Themen und ihrer ausgereif ten Verarbei-

tung lebt, begeisterte Daniel Müller-Schott nicht

nur der musikalische Humor sondern auch die

vielen Opernanklänge. Der Cellist hat sich für die

Einspielung der Urfassung entschieden, die im

Vergleich zu den bearbeiteten Versionen etwas

umfangreicher ausfällt.

DANIEL MÜLLER-SCHOTT

R. SCHUMANNKonzert für Violoncello und Orchester a-moll op. 129 R. STRAUSSRomanze für Violoncello und Orchester F-DurR. VOLKMANNKonzert für Violoncello und Orchester a-moll op. 33 M. BRUCHKol nidrei d-moll op. 47

AZ_DMS_Schumann_SW.indd 1 12.10.2009 13:01:18 Uhr

CD-TIPP

DANIEL MÜLLER-SCHOTTNDR Sinfonieorchester | Christoph Eschenbach

SPIELT WERKE DER ROMANTIK

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KONZERTVORSCHAU

ABONNEMENTKONZERTE

A4 Sonntag, 6. Dezember 2009, 11 Uhr

B4 Montag, 7. Dezember 2009, 20 Uhr

Hamburg, Laeiszhalle, Großer Saal

Dirigent:

Andrey Boreyko

Solist:

Jean-Yves Thibaudet Klavier

JOSEPH HAYDN

Sinfonie C-Dur Hob I: 60

MAURICE RAVEL

Klavierkonzert G-Dur

ANTAL DORATI

Sinfonie Nr. 2

BÉLA BARTÓK

Suite aus dem Tanzspiel

„Der holzgeschnitzte Prinz“

07.12.2009: 19 Uhr Einführungsveranstaltung

C2 Donnerstag, 17. Dezember 2009, 20 Uhr

D3 Freitag, 18. Dezember 2009, 20 Uhr

Hamburg, Laeiszhalle, Großer Saal

L3 Samstag, 19. Dezember 2009, 19.30 Uhr

Lübeck, Musik- und Kongresshalle

Dirigent:

Herbert Blomstedt

WOLFGANG AMADEUS MOZART

Sinfonie Nr. 40 g-moll KV 550

ANTON BRUCKNER

Sinfonie Nr. 2 c-moll

17.12.2009: 19 Uhr18.12.2009: 19 Uhr Einführungsveranstaltungen

A5 Sonntag, 10. Januar 2010, 11 Uhr

B5 Montag, 11. Januar 2010, 20 Uhr

Hamburg, Laeiszhalle, Großer Saal

Dirigent: Lothar Zagrosek

Solistin: Simona Šaturová Sopran

JEAN-PHILIPPE RAMEAU

Une Symphonie imaginaire

WOLFGANG AMADEUS MOZART

„Fra cento affanni“ KV 88

„Misera! dove son?“ KV 369

CÉSAR FRANCK

Sinfonie d-moll

11.01.2010: 19 Uhr Einführungsveranstaltung

D4 Freitag, 15. Januar 2010, 20 Uhr

Hamburg, Laeiszhalle, Großer Saal

L4 Samstag, 16. Januar 2010, 19.30 Uhr

Lübeck, Musik- und Kongresshalle

HB2 Sonntag, 17. Januar 2010, 19 Uhr

Bremen, Glocke

Dirigent: Zdeněk Mácal

Solistin: Dagmar Pecková Alt

OTMAR MÁCHA

Variationen für Orchester

ANTONÍN DVOŘÁK

Biblische Lieder op. 99

BEDŘICH SMETANA

„Vyšehrad“, „Vltava“ („Die Moldau“),

„Sárka“ – 3 Sinfonische Dichtungen aus

„Má Vlast“ („Mein Vaterland“)

15.01.2010: 19 Uhr Einführungsveranstaltungund 20 Uhr Einführungsveranstaltung für „Konzertanfänger“ (Smetana)

KONZERT-TIPP

Das NDR Sinfonieorchester erobert sich einen

neuen Konzertsaal: die Kulturfabrik Kampnagel im

Norden Hamburgs. Das drei Konzerte umfassende

Projekt überschreitet nicht nur die Barrieren zwi-

schen Klassik, Jazz und Neuer Musik, sondern will

auch ein neues Publikum dazu einladen, ungewohn-

te sinfonische Klangwelten zu erkunden.

Im ersten Konzert der neuen Reihe, „A Highway to

Rhythm“, begibt sich das NDR Sinfonieorchester

auf eine Reise nach Amerika. Auf dem Programm

stehen die Suite aus der „Dreigroschenoper“ von

Kurt Weill, dessen „Mackie Messer“ als „Mack the

Knife“ in der Version von Louis Armstrong unsterb-

lich wurde, George Gershwins von Jazz- und Blues-

elementen durchsetzte „Rhapsody in Blue“, Leonard

Bernsteins „Preludes, Fugues and Riffs“ und „Dead

Elvis“ – eine mehrdeutige Hommage des amerika-

nischen Komponisten Michael Daugherty, der in

seinem vergnügten Postmodernismus vor wirklich

gar nichts Respekt hat und zu den Klängen der

gregorianischen „Dies-Irae“-Sequenz sogar den

„King of Rock ’n’ Roll“ wiederauferstehen lässt.

Mit dem Texaner John Axelrod wurde für den Abend

am 12. Dezember 2009 (20 Uhr, Kampnagel, Jarre-

straße 20) ein junger Dirigent verpflichtet, der sich

bereits als erfahrener Grenzgänger des sinfoni-

schen Repertoires profiliert hat. Am Klavier wird der

japanische Jazzpianist Makoto Ozone zu erleben

sein, der – nachdem ihm im Alter von 12 Jahren

eine Platte von der Jazz-Legende Oscar Peterson

in die Hände gefallen war – dem Orgelspiel „Adieu“

sagte.

Im Anschluss an das reguläre Konzertprogramm

wird sich Makoto Ozone dann ganz dem Jazz

widmen. Begleitet wird er von der NDR Bigband,

musikalischer Leiter ist Jörg Achim Keller.

DAS NDR SINFONIEORCHESTER AUF KAMPNAGEL

Ehemals eine berühmte Fabrik im Hamburger Stadt-

teil Barmbek – heute Deutschlands größte freie Spiel-

und Produktionsstätte: die Kulturfabrik Kampnagel

1. VIOLINENRoland Greutter**, Stefan Wagner**,

Florin Paul**, Gabriella Györbiro*, Ruxandra Klein*,

Marietta Kratz-Peschke*, Brigitte Lang*,

Lawrence Braunstein, Dagmar Ferle, Malte Heutling,

Sophie Arbenz-Braunstein, Radboud Oomens,

Katrin Scheitzbach, Alexandra Psareva,

Bettina Lenz, Razvan Aliman, Barbara Gruszczynska,

Motomi Ishikawa, Sono Tokuda, N.N., N.N

2. VIOLINENRodrigo Reichel**, Christine-Maria Miesen**,

N.N.*, N.N.*, Rainer Christiansen, Horea Crisan,

Regine Borchert, Felicitas Mathé-Mix,

Hans-Christoph Sauer, Stefan Pintev,

Theresa Micke, Boris Bachmann, Juliane Laakmann,

Frauke Kuhlmann, Raluca Stancel, Yihua Jin

VIOLAMarius Nichiteanu**, Jan Larsen**, Jacob Zeijl**,

Gerhard Sibbing*, N.N.*, Klaus-Dieter Dassow,

Rainer Castillon, Roswitha Lechtenbrink,

Rainer Lechtenbrink, Thomas Oepen,

Ion-Petre Teodorescu, Aline Saniter, Torsten Frank,

Anne Thormann, N.N.

VIOLONCELLOChristopher Franzius**, N.N.**, Yuri-Charlotte

Christiansen**, Dieter Göltl*, Vytautas Sondeckis*,

Thomas Koch, Michael Katzenmaier, Christof Groth,

Sven Forsberg, Bettina Barbara Bertsch,

Christoph Rocholl, Fabian Diederichs

KONTRABASSEkkehard Beringer**, Michael Rieber**,

Katharina C. Bunners-Goll*, Jens Bomhardt*,

Karl-Helmut von Ahn, Eckardt Hemkemeier,

Peter Schmidt, Volker Donandt, Tino Steffen

FLÖTEWolfgang Ritter**, Matthias Perl**,

Hans-Udo Heinzmann, N.N., Jürgen Franz (Piccolo)

OBOEPaulus van der Merwe**, Kalev Kuljus**,

Malte Lammers, Beate Aanderud, Björn Vestre

(Englisch Horn)

KLARINETTENothart Müller**, N.N.**, Walter Hermann,

N.N. (Es-Klarinette), Renate Rusche-Staudinger

(Bassklarinette)

FAGOTTThomas Starke**, N.N.**, Sonja Bieselt, N.N.,

Björn Groth (Kontrafagott)

HORNClaudia Strenkert**, Jens Plücker**, N.N.,

Volker Schmitz, Dave Claessen*, Marcel Sobol,

Jürgen Bertelmann

TROMPETEJeroen Berwaerts**, Guillaume Couloumy**,

Bernhard Läubin, Stephan Graf,

Constantin Ribbentrop

16 17

NDR SINFONIEORCHESTER

NDR DAS NEUE WERKDienstag, 8. Dezember 2009, 20 Uhr

Hamburg, Rolf-Liebermann-Studio

„BIRDS ON FIRE“ – PURCELL & NEUE MUSIKFretwork

Clare Wilkinson Mezzosopran

JOHN JOUBERT

„The Fellowship of the Stretched String“

PETER SCULTHORPE

„Djililie“

ELVIS COSTELLO

„Put away forbidden playthings“

HENRY PURCELL

Fantazia No. 8

TAN DUN

„A Sinking Love“

ORLANDO GOUGH

„Birds on Fire II“

MICHAEL NYMAN

„If“

HENRY PURCELL

Fantazy upon one note

BARRY GUY

„Buzz“

STEPHEN WILKINSON

„The Garden“

„At the Manger“

HENRY PURCELL

„In Nomine“ in 6 parts

GAVIN BRYARS

„In Nomine“ after Purcell

DUNCAN DRUCE

„Three Poems of Henry Vaughn“

In Kooperation mit NDR Das Alte Werk

AUF KAMPNAGELKA1 Samstag, 12. Dezember 2009, 20 Uhr

Hamburg, Kampnagel, Jarrestraße 20

A HIGHWAY TO RHYTHMNDR Sinfonieorchester

Dirigent: John Axelrod

Solist: Makoto Ozone Klavier

KURT WEILL

Suite aus der

„Dreigroschenoper“

LEONARD BERNSTEIN

Prelude, Fugues and Riffs

MICHAEL DAUGHERTY

Dead Elvis

GEORGE GERSHWIN

Rhapsody in Blue

anschließend Jazz mit Makoto Ozone und der NDR Bigband (Leitung: Jörg Achim Keller)

NDR DAS ALTE WERKSONDERKONZERT„BAROCK LOUNGE“Samstag, 16. Januar 2010, 21 Uhr

Hamburg, Kampnagel, [kmh], Jarrestr. 20

Elbipolis Barockorchester Hamburg

Programmänderung

Brezel Göring DJ

„ZURÜCK ZUR NATUR“

launisch, wunderbar, bizarr

Musik von

HÄNDEL, VIVALDI

Karten im NDR Ticketshop im Levantehaus, Tel. 0180 1 78 79 80 (bundesweit zum Ortstarif für Anrufe aus dem deutschen Fest-netz, Preise aus dem Mobilfunknetz können abweichen), online unter www.ndrticketshop.de

KONZERTVORSCHAU

NDR SINFONIEORCHESTER

POSAUNEStefan Geiger**, Simone Candotto**, Joachim Preu,

Peter Dreßel, Uwe Leonbacher (Bassposaune)

TUBAMarkus Hötzel**

HARFELudmila Muster**

PAUKEStephan Cürlis**, Johann Seuthe**

SCHLAGZEUGThomas Schwarz**, N.N.**

TASTENINSTRUMENTEJürgen Lamke

ORCHESTERWARTEWolfgang Preiß (Inspizient), Matthias Pachan,

Walter Finke, Stefanie Kammler

VORSTANDBoris Bachmann, Hans-Udo Heinzmann,

Thomas Starke

**Konzertmeister und Stimmführer

*Stellvertreter

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IMPRESSUM

Herausgegeben vom

NORDDEUTSCHEN RUNDFUNKPROGRAMMDIREKTION HÖRFUNKBEREICH ORCHESTER UND CHORLeitung: Rolf Beck

Redaktion Sinfonieorchester:

Achim Dobschall

Redaktion des Programmheftes:

Dr. Harald Hodeige

Der Einführungstext von Dr. Harald Hodeige

ist ein Original beitrag für den NDR.

Fotos:

Klaus Westermann | NDR (Titel)

Thomas Müller (S. 4)

Isabel Stolte (S. 5)

picture-alliance | akg-images (S. 7)

Schott Promotion | Christopher Pet (S. 9)

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picture-alliance | akg-images (S. 11)

Fredrik Röh (S. 14)

NDR | Markendesign

Gestaltung: Klasse 3b, Hamburg

Litho: Reproform

Druck: KMP Print Point

Nachdruck, auch auszugsweise,

nur mit Genehmigung des NDR gestattet.

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NDR Chor | NDR Das Alte Werk | NDR das neue werk | Kammerkonzerte

SO: at home | NDR Familienkonzerte | NDR Jazz | Podium Rolf Liebermann

NDR Kultur Start | Sonntakte auf NDR 90,3

NDR Ticketshop im Levantehaus

1. OG | Mönckebergstraße 7 | 20095 Hamburg

Montag bis Freitag 10 bis 19 Uhr | Samstag 10 bis 18 Uhr

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Telefon 0180 - 1 78 79 80* | Fax 0180 - 1 78 79 81* | ticketshop@ndr.de

www.ndrticketshop.de*bundesweit zum Ortstarif für Anrufe aus dem deutschen Festnetz, Preise aus dem Mobilfunknetz können abweichen