Revista Xal n° 11

XENON ARCHITECTURAL LIGHTING Magazine 11

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XAL

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EDITORIALXAL

NEW YORK CITY, MAY 8-10, 2007VISIT US AT BOOTH #2275

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ANDREAS HIERZER, CEO

Ein Motto, unter dem wir in den kommenden Wochen und Monaten gleich eine ganze Reihe vonNeuigkeiten und Events ankündigen dürfen.

Die wichtigste Neuheit ist der neue XAL-Katalog Volume 07, vollgepackt mit außergewöhnlichen Inno-vationen in Design und Technologie aus der Welt von XAL: unser schönstes und im wörtlichen Sinnschwerwiegendstes Argument für innovatives Lichtdesign auf über 700 Seiten. Erwartungen übertreffen,Begeisterung hervorrufen, so die Aufgabe des neuen XAL-KatalogsVolume 07, Ziele, die er zweifelsohne mit Leichtigkeit erreichen wird.

Zugleich freuen wir uns, den jungen österreichischen Künstler Max Freypräsentieren zu dürfen, dessen Lichtkunst nicht nur das Erscheinungs-bild des neuen XAL-Katalogs, sondern auch das Cover dieser Aufgabevon LIGHT prägt.

Einen weiteren Startschuss geben wir demnächst für die feierliche Eröff-nung unseres um ein ansehnliches Stück gewachsenen Grazer Stan-dorts: Drei Tage lang, von 30. 5. bis 1. 6., zelebrieren wir ein Event, dasganz im Zeichen von Design und Architektur stehen wird, von Kultur undBegegnung - und natürlich voll und ganz im Zeichen des Lichts. Einer derProgrammpunkte, auf den wir uns ganz besonders freuen: die Eröffnungder Ausstellung „Made Of Light“ - eine außergewöhnliche Reise durchdie Welt des Lichts und seiner Wahrnehmung, konzipiert von den briti-schen Star-Lichtdesignern Speirs & Major Associates.

Light X7 wird es auch kurz zuvor auf der New Yorker Light Fair heißen,wenn wir von 8. bis 10. 5. auf der größten und bedeutendsten jährlichenLichtdesign-Messe wieder zum XAL-Messestand bitten - und natürlicham 9. 5. zur Party im XAL-Showroom am 394 Broadway, NYC.

Und last but not least: den neuen XAL-Katalog Volume 07 können Sie absofort bei uns bestellen – per Email an [email protected].

A motto under which we will be announcing a whole string of newsand events in the coming weeks and months.

The most important news is the arrival of the new XAL Catalogue Volume07, packed full with extraordinary innovations in design and technologyfrom the world of XAL: our most attractive, and literally heaviest, argument for innovative lighting design onmore than 700 pages. Exceeding expectations, generating amazement – these are the tasks of the new XALCatalogue Volume 07 – objectives that it will doubtless achieve with ease.

At the same time we are delighted to be able to present the young Austrian artist Max Frey, whose art in lightmarks not only the appearance of the new XAL Catalogue, but also the cover of this issue of LIGHT.

We will be giving another starting shot for the festive opening of our location in Graz, which has gro-wn considerably: For three days, from 30 May to 1 June, we will be celebrating an event that will be

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D entirely dedicated to design and architecture, to culture and encounters – and, of course, fully andwholly dedicated to light. One item on the programme which we are particularly looking forward tois the opening of the “Made Of Light” exhibition – an extraordinary journey through the world of lightand its perception, designed by star British lighting designers Speirs & Major Associates.

Shortly before this, Light X7 will also be the name of the day at the New York Light Fair from 8 – 10May, where we will again be inviting you to the XAL trade fair stand atthe largest and most important annual lighting design fair – and, ofcourse, to the party in the XAL showroom at 394 Broadway, New YorkCity, on 9 May.

And last but not least: you can order the new XAL Catalogue Volume 07from us right away by sending an email to [email protected].

Uno slogan con il quale possiamo annunciare già ora tutta una serie dinovità ed eventi che ci attendono le prossime settimane e i prossimi mesi.

La novità principale è il nuovo catalogo XAL volume 07, pieno delle stra-ordinarie innovazioni di design e tecnologia scaturite dall’universo di XAL:più di 700 pagine che racchiudono il nostro apporto più interessante e dimaggior peso, nel vero senso della parola, a favore del design illumino-tecnico innovativo. Superare le aspettative, suscitare entusiasmo, questoè il compito del nuovo catalogo XAL volume 07, obiettivo che riuscirà sen-z’altro a raggiungere con facilità.

Allo stesso tempo siamo lieti di poter presentare il giovane artista austriacoMax Frey, le cui opere d’arte luminose arricchiscono non solo l’immaginedel nuovo catalogo XAL, ma anche la copertina di questo numero di LIGHT.

Prossimamente daremo il via anche ai preparativi per la solenne inau-gurazione della nostra sede di Graz, cresciuta di un altro bel pezzo: pertre giorni, dal 30 maggio all’1 giugno, celebreremo un evento che sisvolgerà tutto all’insegna del design e dell’architettura, della cultura edell’incontro – e naturalmente all’insegna della luce. Uno dei punti delprogramma, di cui andiamo particolarmente fieri, è il vernissage dellamostra “Made Of Light” – un viaggio straordinario nel mondo della lucee della sua percezione, concepito dagli acclamati designer illuminotec-

nici britannici Speirs & Major Associates.

Ancora prima, lanceremo il nostro slogan Light X7 alla Light Fair di New York, allorché inviteremo a visi-tare il nostro stand XAL, dall’8 al 10 maggio, alla fiera annuale più grande e più importante del designilluminotecnico - e naturalmente il 9 maggio al party offerto nello showroom XAL, all’indirizzo 394 Bro-adway, NYC.

E infine, non scordate che potete ordinare fin da ora il nuovo catalogo XAL Volume 07 – per e-mail all’in-dirizzo [email protected].

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LIGHT X7

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„Das neue Opernhaus ist ein architektoni-sches Symbol für die Revitalisierung der Wasser-front von Oslo“, sagt Craig Dykers, einer der Mit-begründer des norwegischen ArchitekturbürosSnøhetta, das nach seinem Sieg bei einer inter-nationalen Ausschreibung im Jahr 2000 für dasDesign der neuen Oper verantwortlich zeichnet.„Die Stadtverwaltung wollte ein klares Signaldafür setzen, dass dieses Gebiet ein Ort fürsichere Investments in die Zukunft ist. Also wähl-ten wir einen architektonischen Zugang, der dasGebäude direkt mit dem Wasser verbindet und esso gewissermaßen zu einer Klammer zwischendem Hafen und dem übrigen Stadtgebiet macht.Diese Klammerfunktion erfüllt das Gebäude auchauf gewisse Weise in gesellschaftlicher Hinsicht.Schließlich geht nur eine Minderheit tatsächlich indie Oper. Also ist es uns umso wichtiger, ihrensymbolischen Charakter als öffentliches und füralle offenes Gebäude zu betonen: die Lobby istzum Beispiel dafür konzipiert, nicht nur abends,sondern den ganzen Tag über geöffnet zu sein.“Das architektonische Konzept von Snøhetta defi-niert die neue Oper von Oslo, die künftig auchdas norwegische Staatsballet beherbergen wird,nicht nur als öffentliches Gebäude, sondern auchals Teil des landschaftlichen Gesamtgefüges: einwesentlicher Teil eines neuen Identitätsfindungs-und Erneuerungsprozesses von Oslo, der mitumfangreichen architektonischen Strukturverän-derungen verbunden ist. Tatsächlich zeigen diebereits sichtbaren Konturen des soeben in Baubefindlichen Gebäudes im Osloer Stadtteil Bjørvi-ka, dass z.B. die sanft abfallende Dachform direktvon der Form eines benachbarten Hügels abge-leitet ist und diesen zum Wasser hin fortsetzt. DasDach selbst ist, ganz im Sinne des öffentlichenGedankens, komplett begehbar: Besucher kön-nen über die gigantische Dachrampe die gesamteGebäudehöhe von acht Stockwerken ersteigen,die Aussicht genießen, das Operndach als Son-nendeck nutzen oder auch als Skateboard-Bahnverwenden. Unterhalb des Daches präsentiertsich die neue Oper als transparenter, auf drei Sei-ten von lichtdurchfluteten Glasfassaden einge-rahmter Pavillon, dessen minimalistisches Inte-rieur vor allem auf den Gesetzen der Akustikbasiert: sogar der eindrucksvolle Kronleuchter imGroßen Saal, der aus17.000 Kristall-Elementenbesteht, dient als akustischer Reflektor zur Opti-mierung des Klang-Genusses auf jedem der1.380 Plätze des hufeisenförmigen Zuschauer-raums.

“The new Opera House is an architecturalsymbol for the revitalisation of Oslo’s waterfront,”says Craig Dykers, a co-founder of Norwegianarchitect office Snøhetta, which is responsible forthe design of the new opera house, having won aninternational tender in 2000. “The city authoritieswanted to send out a clear signal that this area is aplace for secure investments in the future. We the-refore chose an architectural approach that linksthe building directly with the water and which thusin some ways makes it an element that binds theharbour to the rest of the city. To a certain extentthis building also fulfils this binding function insocial terms. Ultimately, of course, only a minorityof people actually goes to the opera. It is thereforeall the more important for us to emphasise its sym-bolic character as a public building which is open

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D to everyone: the lobby, for example, is conceivedto be open throughout the day, not just in the eve-nings.” The architectural concept of Snøhetta defi-nes the new Oslo Opera House, which will also behome to the Norwegian state ballet, not only as apublic building, but also as part of the overall land-scape: an important part of a new process of iden-tification and renovation of Oslo, which is linkedwith extensive architectural and structural chan-ges. Fully in line with public thinking, the roof itselfis completely accessible: visitors can climb thebuilding’s full height of eight storeys via the gigan-tic roof ramp, enjoy the view, and use the operaroof as a sundeck or even as a skateboardingcourse. Beneath the roof, the new opera presentsitself as a transparent pavilion framed on threesides by light-drenched glass façades, whoseminimalistic interior is above all based on the lawsof acoustics: even the impressive chandelier in theGreat Hall, which comprises 17,000 crystal ele-ments, acts as an acoustic reflector to optimise theenjoyment of sound at each of the 1,380 seats ofthe horseshoe-shaped auditorium.

“Il nuovo Teatro dell’Opera è un simboloarchitettonico della rivitalizzazione del fronte del-la città di Oslo affacciato sul mare”, affermaCraig Dykers, uno dei fondatori dello studio diarchitetti norvegesi Snøhetta, che dopo aver vin-to un concorso internazionale nel 2000 haassunto l’incarico di progettare il nuovo teatrolirico. “L’amministrazione comunale voleva dareun chiaro segnale che questo territorio è un luo-go per investimenti sicuri nel futuro. Di qui lanostra scelta di dare all’edificio un accessoarchitettonico che lo mettesse in relazione direttacon l’acqua e che lo definisse in un certo sensocome una parentesi fra il porto e il resto della cit-tà. Questa funzione di parentesi è svolta dall’edi-ficio in un certo qual modo anche sotto l’aspettosociale. In fondo il pubblico che effettivamente loattraversa per andare all'opera è solo unaminoranza. Per questo per noi è tanto più impor-tante sottolineare il suo carattere simbolico comeedificio pubblico e aperto a tutti: la loggia, peresempio, è concepita per rimanere aperta tutto ilgiorno, non solo di sera.” Il progetto architettoni-co di Snøhetta definisce il nuovo teatro dell’Ope-ra di Oslo, che in futuro ospiterà anche il BallettoNazionale norvegese, non solo come edificiopubblico, ma anche come parte integrante deltessuto paesaggistico complessivo: una parteessenziale di un nuovo processo di recupero e dirinnovamento dell’identità di Oslo che si lega aconsistenti trasformazioni strutturali architettoni-che. Perfino il tetto è interamente praticabile, deltutto in linea con il concetto di pubblico: i visita-tori possono scalare tutti gli otto piani dell’edifi-cio mediante la gigantesca scalinata che porta altetto, godersi la vista, usare la copertura del tea-tro come terrazza oppure anche come pista perskateboard. Sotto il tetto, il nuovo teatro dell’O-pera si presenta come un padiglione trasparente,circondato su tre lati da facciate di vetro inonda-te di luce, il cui interno minimalistico si basasoprattutto sulle leggi dell’acustica: persino l’im-ponente lampadario nella Sala Grande, realizzatocon 17.000 elementi di cristallo, serve come rif-lettore acustico per ottimizzare il piacere dell’as-colto in ognuno dei 1.380 posti dell’auditorium aforma di ferro di cavallo.

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Mit dem Erweiterungsbau des legendärenMariinsky-Theaters im historischen Zentrum vonSt. Petersburg konnte der französische ArchitektDominique Perrault einen internationalen Gestal-tungswettbewerb gegen 10 weitere Bewerber fürsich entscheiden, unter denen sich auch Architek-tur-Größen wie Mario Botta, Hans Hollein oderOwen Moss befanden. Perraults spektakulärerEntwurf, eine Struktur aus schwarzem Marmor, dievon einem gigantischen, kokonartigen Netz ausgoldgetöntem Glas umhüllt ist, trug ihm zum Teilauch die Kritik konservativer Kreise ein, die umeine Beeinträchtigung des historischen Stadtkernsfürchten. Was Perraults Kritiker allerdings überse-hen: die gewaltigen Dimensionen und deranspruchsvolle technische Apparat des Neubauswurden von der Stadt selbst gefordert, mit Haupt-und fünf Nebenbühnen, Orchester-, Chor- und Bal-lettprobesälen. Perrault selbst betont nicht zuletztdie weitgehende öffentliche Zugänglichkeit seinesEntwurfs als wesentlichen und belebenden Faktor:"Durch den öffentlichen Mehrwertraum, der dasGebäude wie ein luftiges Gewand umhüllt, hatpotentiell jeder etwas von der Oper: er kann zumBeispiel in einem besonderen Restaurant mit Blicküber die Stadt essen oder ein Open-Air-Konzertauf der Terrasse über den Dächern der Stadt ver-folgen." Auch das benachbarte historische Gebäu-de kommt nicht zu kurz: umfangreiche Renovie-rungs- und Modernisierungsmassnahmen sollendas ehemalige Kirov-Theater in neuem, originalge-treuem Glanz erstrahlen lassen.

With the go-ahead to build the extension ofthe legendary Mariinsky Theatre in the historiccentre of St. Petersburg, French architect Domini-que Perrault won an international design competi-tion against 10 other entrants, among them archi-tecture greats such as Mario Botta, Hans Holleinand Owen Moss. Perrault’s spectacular design, ablack marble structure wrapped in a gigantic,cocoon-like net of gold-tinted glass, also earnedhim some criticism from conservation groups thatwere worried about the impact on the historic citycentre. However, what Perrault’s critics overlook isthat the powerful dimensions and demandingtechnical apparatus of the new building were

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NEW OPERA OSLO, OSLO / NORWAY

MEDIUMMARIINSKY II, ST. PETERSBURG / RUSSIA


demanded by the city itself, including a main sta-ge, five smaller stages, orchestra, choir and balletrehearsal rooms. Perrault himself stresses theextensive public accessibility of his design as animportant and invigorating factor: “Potentially ever-yone can benefit from the opera house through theadded value of the public space that surrounds thebuilding like an airy garment: for example, he caneat in a special restaurant with a view over the cityor watch an open-air concert on the terrace abovethe roofs of the city.” Also, the existing historicbuilding will not go ignored: extensive renovationsand modernisation will ensure a harmonious dialo-gue of tradition and innovation through the impro-vement and co-existence of both buildings.

Con l’ampliamento del leggendario TeatroMariinsky nel centro storico di S. Pietroburgo l’ar-chitetto francese Dominique Perrault è riuscito adaggiudicarsi un concorso internazionale. Il proget-to spettacolare, una struttura in marmo nero avvol-ta come un bozzolo in una rete gigantesca di vetrocolorato d’oro, ha anche attirato le critiche degliambienti conservatori che temevano uno stravolgi-mento del centro storico. Tuttavia, quello che i criti-ci di Perrault non considerano è che le proporzionicolossali e l’apparato tecnico molto complesso del-la nuova struttura sono state volute dalla città stes-sa, con palcoscenico principale e cinque seconda-ri, sale per le prove di orchestra, coro e balletto.Perrault stesso sottolinea in particolare anche l’am-pia accessibilità pubblica del suo progetto comefattore fondamentale e rivitalizzante: "Grazie allospazio pubblico aggiunto, che avvolge l’edificio conl’ariosità di un vestito, ognuno può essere fruitorepotenziale del Teatro dell’Opera: può per esempiomangiare in un ristorante particolare con vista sullacittà o seguire un concerto open air dalla terrazzache si affaccia sui tetti della città." Nel quadro delnuovo intervento, la cui ultimazione è prevista per il2008, non è stato trascurato nemmeno l’edificiostorico esistente: numerosi e complessi interventi diristrutturazione e ammodernamento riporteranno anuovo splendore, nel rispetto dell’impianto origina-le, l’ex Teatro Kirov e assicureranno un dialogoarmonioso fra tradizione e innovazione ottimizzan-do la coesistenza dei due edifici.

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NEW OPERA OSLO, OSLO / NORWAYby Snøhetta (NOR)

MARIINSKY II, ST. PETERSBURG / RUSSIAby Dominique Perrault (FR)

ELBPHILHARMONIE, HAMBURG / GERMANYby Herzog & de Meuron (CH)

S,M,LSOUND & ARCHITECTURE

SOUND ARCHITECTURE

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LARGEELBPHILHARMONIE, HAMBURG / GERMANY


Wie eine gläserne Welle soll einer der mar-kantesten Kulturbauten Europas über dem Ham-burger Hafen schweben: die Elbphilharmonie,geplant von den Schweizer Stararchitekten Her-zog & de Meuron, wird ab 2010 einen einzigarti-gen Aufführungsort für klassische Musik, Musikdes 21. Jahrhunderts und anspruchsvolle Unter-haltungsmusik in Hamburg bieten. Aufsehenerregt der Entwurf vor allem durch seine unge-wöhnliche Kombination von Alt und Neu: dereigentliche Neubau soll auf einem ehemaligenSpeichergebäude im Hafengebiet entstehen -eine luftig geschwungene, gläserne Struktur, diewie eine schimmernde, nachts weithin leuchten-de Schaumkrone auf dem wuchtigen Backstein-Block aus den sechziger Jahren trohnt. Die spek-takuläre Kombination gehorcht dabei durchauspragmatischen Überlegungen: zu zwei Drittelnsoll der Kaispeicher A - ehemals ein gigantischesLager für Kakao-Bohnen - als Parkhaus unterhalbder Oper genutzt werden, daneben finden hierauch die Backstage-Bereiche ihren Platz. DieForm des Daches, das u.a. zwei Konzertsäle für2.150 und 550 Besucher beherbergen soll,gestalteten Herzog & deMeuron bewusst nachdem Bild einer Wellenlandschaft: als Symbol derVerbindung alter Hafentradition und neuer Iden-tität der Hamburger Hafen-City und als neueskulturelles Wahrzeichen der Stadt. Das ehrgeizigeBauprojekt mit einem Budget von rund 250 Millio-nen Euro soll nicht weniger als ein modernesKonzerthaus von Weltformat werden - vergleich-bar z.B. der Disney Hall in Los Angeles, der Car-negie Hall in New York oder der Oper in Sidney -und die Hansestadt pünktlich mit Anbruch eines

D neggia come una corona di schiuma luccicante,risplendente di notte in lontananza, sul corpomassiccio di mattoni degli anni Sessanta.Peraltro questa fantasmagorica combinazioneubbidisce a riflessioni dettate da puro pragmati-smo: per due terzi il Kaiserspeicher A – colossaleex magazzino per fave di cacao – sarà sfruttatocome parcheggio coperto sotto il Teatro dell’O-pera, accanto a questo troveranno posto anchele aree del backstage. La forma del tetto, che fral’altro ospiterà due sale da concerto per 2.150 e550 visitatori, è stata disegnata da Herzog & deMeuron ispirandosi volutamente all’immagine diun paesaggio di onde marine: come simbolodell’unione fra la vecchia tradizione del porto e lanuova identità della city portuale di Amburgo ecome nuovo emblema culturale della città. L’am-bizioso progetto, che si avvale di un budget dicirca 250 milioni di Euro, aspira niente meno chea diventare un auditorium moderno di caraturamondiale – paragonabile per esempio alla DisneyHall di Los Angeles, alla Carnegie Hall di NewYork o al Teatro dell’Opera di Sidney – per faredella città anseatica, alle soglie del nuovo decen-nio, una delle grandi metropoli musicali. Al finan-ziamento della nuova flagship culturale affacciatasul porto dovrà contribuire in particolare anche ilconcetto di fruizione mista del progetto generale:oltre alla Filarmonica, il blocco magazzini soprae-levato ospiterà 31 appartamenti di lusso con vistapanoramica sul porto, sul fiume Elbe e sulla città.Un ulteriore potenziale di finanziamento saràgarantito dall’hotel progettato con 200 camere esale per conferenze e dalla gestione del parcheg-gio coperto con circa 600 posti auto.

neuen Jahrzehnts zu einer der musikalischenWeltstädte machen. Zur Finanzierung des neuenKultur-Flaggschiffs am Hafen soll nicht zuletztdas gemischte Nutzungskonzept des Gesamt-projekts beitragen: neben der Philharmonie sollder aufgestockte Speicherblock 31 Luxus-Apart-ments mit Weitblick über den Hafen, die Elbe unddie Stadt beherbergen, weiteres Finanzierungs-potenzial ermöglichen das geplante Hotel mit 200Zimmern und Konferenzräumen sowie die Bewirt-schaftung des Parkhauses mit rund 600 Plätzen.

Like a glass wave, one of Europe’s mostimpressive cultural buildings is to float aboveHamburg harbour: the Elbphilharmonie, plannedby Swiss star-architects Herzog & de Meuron, willoffer a unique performance venue for classicalmusic, music of the 21st century and attractiveentertainment music in Hamburg from 2010. Thedesign is causing a sensation, particularlythrough its unusual combination of old and new:the new building is to be erected on top a formerwarehouse in the harbour area – an airy, vibrant,glass structure that will crown the powerful 1960sbrick block like a glittering foamy crown visiblefrom afar at night. The spectacular combinationalso obeys entirely pragmatic considerations: twothirds of Quay Store A – once a gigantic warehou-se for cocoa beans – will be used as a car parkunderneath the opera, with the backstage areasalso being found here alongside. The shape ofthe roof, which amongst other things will housetwo concert halls for 2,150 and 550 visitors, wasconsciously designed by Herzog & de Meuronafter the image of a wavy seascape: as a symbol

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of the link between old harbour tradition and thenew identity of Hamburg’s Harbour City, and anew cultural symbol of the city in general. With itsbudget of around EUR 250 million, the ambitiousconstruction project is to be no less than amodern concert house on a world scale – com-parable, for example, to the Disney Hall in LosAngeles, Carnegie Hall in New York or the SidneyOpera House – and turn the Hanseatic city intoone of the world’s musical cities right in time forthe start of a new decade. The mixed usage con-cept of the overall project should also contributeto the financing of the new cultural flagship onthe harbour: apart from the Philharmonia, the ver-tically extended storage block will accommodate31 luxury apartments with sweeping views overthe harbour, Elbe river and the city, while additio-nal financing potential will facilitate the plannedhotel with 200 rooms and conference rooms aswell as the management of the car park with its600 spaces.

Uno dei più imponenti edifici culturali euro-pei si librerà come un’onda di vetro sul porto diAmburgo: la Filarmonica sul fiume Elbe, progetta-ta dagli architetti svizzeri Herzog & de Meuron,star dell’architettura mondiale, offrirà ad Amburgoa partire dal 2010 una sede straordinariamenteprestigiosa per l’esecuzione di musica classica,musica del XXI secolo e musica d’intrattenimentodi alto livello. Il progetto suscita scalpore soprat-tutto per l’insolita commistione di vecchio e nuo-vo che lo caratterizza: il nuovo edificio sorgerànella zona del porto sopra un ex magazzino – unastruttura di vetro, ariosamente ondulata, che tro-

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IN THE SPOTLIGHTby Nikolaus Prokop

DAVID BOWIEPhoto: Corbis

ESSAYIN THE SPOTLIGHT


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IN THE SPOTLIGHT

„Keep your 'lectric eye on me, babe“, sang anno 1972 David Bowie, soeben jugendliche 60gewordener Fachmann in Sachen Rampenlicht, und meinte damit dasselbe wie ein der Selbstinsze-nierung ebenfalls nicht ganz Unkundiger ein halbes Jahrhundert vor ihm: „Gib uns doch Licht auf dieBühne, Beleuchter!“, forderte Bert Brecht in einer glühenden Liebeserklärung an die technischen Mög-lichkeiten des elektrischen Theaterlichts bereits in den zwanziger Jahren, als sich das Staunen überdie Technologie der Elektrizität längst in einen kreativen Umgang mit dem Medium gewandelt hatte.„Das Lichtbild ist das willkommenste Illusionsmittel unserer Zeit“, schrieb auch Brechts Zeitgenosse,der legendäre Bühnenbildner Ludwig Sievert, und unterstrich damit, dass die Kulturgeschichte desLichts nicht zuletzt auch eine Geschichte des Theaterlichts ist.

Eine Geschichte, die dort beginnt, wo Licht nicht mehr nur als dienendes Element eingesetzt wird,indem es Personen, Gegenstände, gemalte oder gebaute Bühnenwelten aus dem Dunkel hebt. Dort,wo Licht zum selbständigen Medium wird. Diese tragende Rolle, die mit der Entwicklung der elektri-schen Beleuchtungskörper im 19. Jahrhundert erst geschaffen wurde, führte z.B. nicht nur zum Ver-schwinden der über Jahrhunderte akzeptierten illusionistischen Bühnenmalerei als Hauptmittel dervisuellen Inszenierung. Sie änderte auch den Begriff des Theaters an sich, das durch die neuen Denk-, Spiel- und Erfahrungsräume des elektrischen Lichts vom musealen Musentempel plötzlich zu einemForum der Zukunft wurde. Das zeigte sich auch durch eine radikale Umkehr der Verhältnisse von Lichtund Dunkel. So war etwa noch bis in die Anfänge des 19. Jahrhunderts das Bühnenlicht schwach, derZuschauerraum als repräsentativer gesellschaftlicher Treff- und Mittelpunkt allerdings hell erleuchtet.Die Illusion der Bühne erzeugte man, indem man ihre Unvollkommenheit so gut wie möglich durchDüsternis kaschierte.

Mit der Erzeugung eines Lichtbogens als, wie die seinerzeitige Patentschrift besagt "andauernde Ent-ladung zwischen zwei durch eine Gasstrecke getrennte Elektroden", die im Jahre 1810 Sir HumphreyDavy von der Royal Academy in London gelang, wurde allerdings eine Lichtquelle geschaffen, dieerstmals die großflächige Ausleuchtung des Theaterraumes bis in die letzten Winkel ermöglichte. Ihreheimliche Premiere erlebte die Lichtbogenlampe am 27. Dezember 1848 auf der Bühne des LondonerPrincess's Theatre, ein Ereignis das mit "New Electric Light for the first Time at any Theatre in London"angekündigt wurde, das allerdings ein halbes Jahr später von einem ungleich spektakuläreren Ereignisüberschattet wurde: dem Auftritt der Lichtbogenlampe als Sonne in der Oper "Der Prophet" von Jac-ques Meyerbeer 1849 in der Pariser Oper.

Damit wurde die Bühne erstmals nicht nur zum Aufführungsort, sondern zur unergründlichen, mysti-schen Illusionsmaschine im Scheinwerferlicht. Niemand geringerer als Richard Wagner schuf am Bay-reuther Festspielhaus einen Aufführungsstil, wie er uns heute völlig selbstverständlich scheint, derdamals allerdings höchst radikal wirkte: statt das Publikum im festlichen, hell erleuchteten Zuschauer-raum Hof halten zu lassen, setzte er es in völliges, stilles Dunkel, um seine erste "Rheingold"-Auf-führung 1876 im vollen Glanz der Magie eines im künstlichen Licht erstrahlenden Bühnenraums wirkenzu lassen. Von Wagners früher Opernbühnen-Lichtmystik führte der Weg über die dramatischen, nichtselten von der Lichtästhetik des neuen Mediums Film inspirierten Lichttheater-Experimente desExpressionismus der zwanziger Jahre schließlich zur wohl dunkelsten Ära des Scheinwerferlichts:nicht von ungefähr ließ sich der eingangs erwähnte Jubilar einst in einem Interview des „Rolling Stone“zur zwar zynischen, aber in vieler Hinsicht gespenstisch zutreffenden Äußerung hinreißen, die giganti-schen Licht- und Medieninszenierungen des Dritten Reichs hätten in ihrer Massen-Suggestionskraftvieles mit den Lichtshows heutiger Rockkonzerte gemeinsam. Was Bowie, trotz beachtlicher vier Jahr-zehnte Erfahrung im Scheinwerferlicht allerdings vergaß, herauszustreichen: nicht das Licht verant-wortet, was sich in seinem Schein abspielt. Sondern der Mensch.

Dass Licht auch stets seine Zeit widerspiegelt, zeigen übrigens neue Tendenzen des Umgangs mitBühnenlicht: Performance-Künstler wie James Turrell entwickeln Theaterräume, die den Gegensatzvon hell erleuchtetem Illusions-Guckkasten und anonym im Dunklen sitzendem Publikum wieder auf-lösen und Bühnenkünstler und Zuschauer in einem Licht-Raumkontinuum verbinden wollen: „Wirmachen den Wahrnehmenden zum Performer, indem wir das Licht von der Bühne auf das Publikumrichten“, sagt Turrell. „Im Gegensatz zur Dunkelheit, in der sich das Publikum normalerweise versteckt,erscheint das Scheinwerferlicht, das ich auf es richte, stark, obwohl es nicht sonderlich intensiv ist. Ichlöse nur grundsätzlich das Verstecken auf.“ Womit sich nun auch im Theater bewahrheitet, was AndyWarhol bereits vor Jahrzehnten prophezeite: 15 Minuten im Rampenlicht stehen heutzutage jedem zu.

“Keep your ‘lectric eye on me, babe” - David Bowie, who has just turned a youthful 60 and isan expert when it comes to footlighting, sang these words back in 1972, and in doing so was sayingexactly what another specialist in self-staging had said half a century before him: “Give us some lighton the stage, electrician!” demanded Bert Brecht in a glowing declaration of love for the technicalpossibilities of electric stage lighting back in the 1920s, when amazement about the technology ofelectricity had long since turned into creative use of the medium. “Lighting is the most welcomemeans of illusion of our time,” wrote Brecht’s contemporary, the legendary stage designer LudwigSievert, thereby underscoring the fact that the cultural history of light is also a history of theatre light.

A history that begins where light is no longer only used as a functional element that lifts people,objects, painted or constructed sets out of the dark. Where light becomes an independent medium.This supporting role, which was first achieved with the development of the electrical lighting body inthe nineteenth century, led not only to the disappearance of illusionistic stage painting, which hadbeen accepted for centuries as the main means of visual staging. It also changed the intrinsic notionof the theatre, which suddenly transformed from a museum-like temple of muses into a forum of thefuture through the new dimensions of thought, scope and experience. This was also evident in aradical reversal of the relationship between light and dark. For example, until the early years of thenineteenth century, stage lighting was still weak, while the auditorium was brightly lit as a prestigioussocial meeting and focal point. The illusion of the stage was created by enveloping its imperfectnessas well as possible through dimness.

With the creation of a light arc, which the patent of the time described as the “permanent discharge bet-ween two electrodes separated by a path of gas” and which Sir Humphrey Davy from the RoyalAcademy in London succeeded in doing in 1810, a light source was created which facilitated the large-scale illumination of the theatre into every corner for the first time. The light arc lamp had its secret pre-miere on 27 December 1848 on the stage of London’s Princess’s Theatre, an experience that was anno-unced with “New electric light for the first time at any theatre in London”, but which was overshadowedsix months later by an incomparably spectacular event: the appearance of the light arc lamp as the sunin the opera “The Prophet” by Jacques Meyerbeer at the Paris Opera in 1849.

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D For the first time the stage therefore became not only a venue for performances, but also anunfathomable, mystical machine of illusion in the spotlight. None other than Richard Wagnercreated a style of presentation at the Bayreuth Festival Theatre which appears quite normal to ustoday, but which had a highly radical impact at the time: instead of allowing the audience to holdcourt in the festive, brightly lit auditorium, he placed it in complete, silent darkness in order to lethis first performance of “Rheingold” in 1876 work in the full brilliance of the magic created by astage bathed in artificial light. From Wagner’s early light mysticism on opera stages, the way leadvia the dramatic, light theatre experiments of expressionism in the 1920s, which were often inspi-red by the light aesthetics of the new medium of film, and finally to what is probably the darkestera of the spotlight: it was no accident that the man mentioned at the beginning this article, whowas celebrating his birthday, once let himself get carried away in an interview with “RollingStone” with what was a cynical, but in many regards eerily appropriate statement that the powerof mass suggestion possessed by the gigantic light and media stagings of the Third Reich hadmuch in common with the lightshows of today’s rock concerts. However, what Bowie forget toomit, despite decades of experience in the spotlight, was that light is not responsible for whatbathes in its glow. People are.

The fact that light continues to reflect its time is also shown by new trends in the use of stagelighting: Performing artists such as James Turrell develop theatre spaces that again dispense withthe contrast of brightly illuminated peep-shows of illusion and the audience sitting in the dark, andwant to link stage artists and audiences in a light-space continuum. “We turn the viewer into the per-former by directing the light from the stage onto the crowd,” says Turrell. “Contrary to the darknessin which the audience is normally hidden, the spotlight that I direct at it seems strong, although it isnot especially intense. I am only getting rid of the hide-and-seek element.” This now proves in thetheatre what Andy Warhol prophesied decades earlier: nowadays, everyone is entitled to 15 minutesin the limelight.

“Keep your 'lectric eye on me, babe”, cantava nell’ormai lontano 1972 David Bowie, 60 anniappena compiuti e magnificamente portati, vero esperto in fatto di luci della ribalta, intendendo conciò la stessa cosa a cui si riferiva mezzo secolo prima di lui un tale non proprio profano in fatto dimessa in scena di se stesso: “Dacci luce sulla scena, tecnico delle luci!”, chiedeva Bert Brecht inun’ardente dichiarazione d’amore nei confronti delle possibilità tecniche dell’illuminazione elettrica inteatro già negli anni Venti, quando lo stupore di fronte alla tecnologia dell’elettricità aveva da tempoceduto il posto ad un uso creativo di questo mezzo. “La diapositiva è il mezzo illusionistico più felicedel nostro tempo“, scrisse anche lo scenografo leggendario Ludwig Sievert, contemporaneo diBrecht, sottolineando come la storia culturale dell’illuminazione fosse anche in particolare una storiadell’illuminazione teatrale.

Una storia che comincia là dove la luce non viene più utilizzata soltanto come puro e semplice ele-mento di servizio per far risaltare sul buio persone, oggetti, scenografie costruite o solo dipinte. Làdove la luce si trasforma in un mezzo indipendente. Questo ruolo principale, creato solamente nelXIX secolo con l’avvento della lampadina elettrica, non portò, per esempio, solo alla scomparsa dellapittura scenografica di carattere illusionistico, accettata per secoli come strumento principale dellamessa in scena teatrale. La luce cambiò il concetto stesso di teatro, che grazie ai nuovi spazi menta-li, ludici e sperimentali creati dalla luce elettrica si trasformò di colpo da tempio delle muse di stampomuseale a forum del futuro. Ne è una dimostrazione anche il ribaltamento radicale del rapporto fraluce e oscurità. Fin verso gli inizi del XIX sec. l’illuminazione del palcoscenico era ancora debole, percontro lo spazio riservato al pubblico, come punto d’incontro mondano, centrale nella sua funzionedi rappresentanza, era illuminato a giorno. L’iIlusione della scena si produceva nascondendo nell’os-curità la sua incompletezza.

Con l’arco voltaico che nel 1810 Sir Humphrey Davy della Royal Academy di Londra riuscì a genera-re come "scarica persistente fra due elettrodi separati da un gas", secondo la definizione del brevet-to depositato all’epoca, fu creata una sorgente luminosa che consentiva per la prima volta di illumi-nare l'intero spazio scenico in ogni suo angolo. La lampada ad arco debuttò celatamente il 27dicembre 1848 sul palcoscenico del Londoner Princess's Theatre, un evento propagandato con l’an-nuncio "New Electric Light for the first Time at any Theatre in London", che sei mesi dopo venneoffuscato, tuttavia, da un evento ben più spettacolare: l’apparizione della lampada ad arco come solenell’opera "Il profeta" di Jacques Meyerbeer nel 1849 all’Opera di Parigi.

Così, per la prima volta, il palcoscenico smise di essere semplicemente il luogo della rappresen-tazione, per trasformarsi, sotto la luce dei riflettori, in macchina illusionistica, allo stesso tempoinsondabile e mistica. A creare un nuovo stile di rappresentazione teatrale, quale oggi ci appareassolutamente naturale, ma che all’epoca sembrò addirittura rivoluzionario, fu niente di meno cheRichard Wagner al Festspielhaus di Bayreuth: invece di lasciare che il pubblico s’intrattenessenell’auditorium illuminato a festa, lo immerse nel buio e nel silenzio totale, in modo che la sua pri-ma esecuzione dell'"Oro del Reno" nel 1876 sortisse il massimo effetto nello splendore magicodel palcoscenico scintillante nella luce artificiale. Dalla precoce mistica della luce di wagnerianamemoria passando per gli esperimenti drammaturgici del teatro illuminotecnico dell’espressioni-smo negli anni Venti, non di rado ispirati dall’estetica della luce espressa dal nuovo medium cine-matografico, si arrivò infine all’era certamente più cupa della luce dei riflettori: non a caso proprioBowie, che abbiamo citato all’inizio, in un’intervista apparsa sulla rivista “Rolling Stone” si lasciòandare una volta ad una dichiarazione piuttosto cinica, ma per molti versi paurosamente appro-priata, sostenendo che le gigantesche scenografie luminose e mediatiche del Terzo Reich con ilpotere suggestivo che esercitavano sulle masse avevano molto in comune con gli effetti luminosidei concerti rock di oggi. Quello che però Bowie ha dimenticato di sottolineare, nonostante i suoiquarant’anni di esperienza con le luci della ribalta, è che responsabile di ciò che accade sotto iriflettori non è la luce, bensì l’uomo.

Che la luce rifletta ogni volta anche il suo tempo, lo dimostrano per altro le nuove tendenze nell’usodell'illuminotecnica teatrale: artisti performer del calibro di James Turrell sviluppano spazi teatrali chesciolgono nuovamente il contrasto fra la scatola illusionistica illuminata e il pubblico anonimamenteseduto al buio e tendono ad unire gli attori e gli spettatori in un continuum spaziale creato dalla luce:“Noi trasformiamo lo spettatore in attore, indirizzando la luce dal palcoscenico sul pubblico”, affermaTurrell. “In confronto con l’oscurità in cui normalmente si nasconde il pubblico, la luce dei riflettoriche io rivolgo su di esso sembra forte, anche se non è particolarmente intensa. Io mi limito in linea dimassima a rompere il gioco a nascondino.” E così anche a teatro si avvera ciò che Andy Warhol pro-fetizzò già qualche decennio fa: oggigiorno 15 minuti di celebrità non si negano a nessuno.

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PORTRAITSPEIRS AND MAJOR ASSOCIATES, LONDON/EDINBURGH

Made Of LightArchitects: Speirs and Major Associates, London / EdinburghAuthor: Nikolaus ProkopPhoto: James Newton

www.samassociates.comwww.madeoflight.com

MADE OF LIGHT08 XENON ARCHITECTURAL LIGHTING

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Hinter außergewöhnlichen Unternehmenserfolgen steckt oft ein außergewöhnlich klarer Grundge-danke. Im Fall von Speirs and Major Associates lässt sich dieser auf drei Worte reduzieren: Made Of Light- aus Licht gemacht. Ein Grundgedanke, der nicht nur den Zustand unserer sichtbaren Umgebung - eineraus Licht bestehenden und vom Licht geprägten Welt - umfasst, sondern auch eine Geschichte: dieGeschichte unserer visuellen Wahrnehmung. Eine Geschichte, die Speirs and Major Associates vor kurz-em zwischen zwei Buchdeckel fassten und 2005 als eines der derzeit kompetentesten und schönstenWerke zum Thema Licht herausbrachten. Der Titel: Made Of Light, ein Kompendium von Skizzen, Texten,Ideen, Eindrücken, Überlegungen und Interviews zum Thema Licht - einerseits ein inspirierender undästhetisch aufwendiger Praxisbericht aus der Arbeit des Lichtdesigners, andererseits aber auch eine sehrpersönliche und von der Liebe zum Licht geprägte kulturgeschichtliche und wahrnehmungspsychologi-sche Untersuchung zum Thema, die nicht nur als Buch, sondern auch als Wanderausstellung, Vorlesungs-reihe und Website zu Diskussion und Auseinandersetzung anregen will.Was zwei der renommiertesten Lichtarchitekten und Lichtdesigner Großbritanniens und ihr Team dazubewegt, ein Buch zu publizieren, erklärt zum einen bereits der Titel: die Welt, wie wir sie wahrnehmen, istnun einmal aus Licht gemacht. Licht dient uns dazu, zu sehen und zu kommunizieren. Unsere visuelleErfahrung von Gebäuden und unsere emotionale Reaktion auf Architektur, so legen Speirs und Major auffesselnde Weise in Made Of Light dar, ist entscheidend von der Kontrolle von Licht und Schatten geprägt.Eine in der jüngeren Architekturgeschichte stark voranschreitende und sich gemeinsam mit den techni-schen Möglichkeiten weiterentwickelnde Tendenz, die Licht immer mehr in das Gefüge und Gewebemoderner Architektur integriert, es zum eigenständigen, emotionalen Baustoff und zum maßgeblichenInstrument der Architektur macht.Zum anderen steht hinter Made Of Light eine Unternehmensphilosophie, die nicht nur das Schaffenanspruchsvoller Lichtarchitektur zum Ziel hat, sondern zugleich auch die Kommunikation und den Diskursdarüber. Sowohl Jonathan Speirs als auch Mark Major sind neben ihrer Architekten- und Designertätigkeitals renommierte Vortragende und Unterrichtende zum Thema Licht langjährig tätig und weltweit gefragtund sehen ihre Forschungs- und Lehrtätigkeit als integratives Element ihrer umfassenden Arbeit als Licht-schaffende. Eine Arbeit, die neben ständiger Forschung und Innovation vor allem von der Entwicklung kla-rer konzeptioneller Ideen und Inhalte geprägt ist, mit dem Anspruch höchster technologischer und kreati-ver Kompetenz, einer homogenen Verbindung künstlerischer und wissenschaftlicher Aspekte des Lichtsmit pragmatischen funktionellen, architektonischen und kommerziellen Erfordernissen. Als JonathanSpeirs etwa 1996 den Auftrag für das Lichtdesign des technischen Turms von Bridgewater Hall in Man-chester erhielt, verwandelte seine Konzeptidee den Turm in einen Turm der Zeit: die Innenbeleuchtungwechselt im monatlichen Rhythmus des Tierkreises, während die Außenbeleuchtung die Jahreszeit reflek-tiert: Grün für den Frühling, Gelb, Rot und Blau für die folgenden Jahreszeiten. Lichtröhren grenzen dieacht Stockwerke des Turms voneinander ab und bezeichnen, je nach Beleuchtung, den jeweiligenWochentag. Diese komplexe, abstrakte Uhren-Installation spiegelt nicht von ungefähr die Mechanismenfrühkultureller Licht-Observatorien wie zum Beispiel Stonehenge oder auch die exakte Sonnen- und Pla-netenausrichtung der Pyramiden wider und nimmt auf eine der grundlegendsten Bedeutungen des Lichtsfür unsere Existenz Bezug: der zyklische Wechsel von Hell und Dunkel, von Tages- Monats- und Jahres-abläufen als steuerndes Uhrwerk unseres Lebens.„Wir bestehen aus Licht“, postulieren Speirs and Major Associates daher ebenso einfach wie klar, „Archi-tektur besteht aus Licht, unsere Arbeit besteht aus Licht“. Ein tiefes und umfassendes Verständnis desThemas als allgegenwärtiges und prägendes Element des Lebens, das in der seit 1993 bestehendenZusammenarbeit von Jonathan Speirs und Mark Major - seit 2003 als Speirs and Major Associates mitOffices in London und Edinburgh - die britische, europäische und internationale Lichtarchitektur-Land-

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schaft entscheidend geprägt hat. Architektur-Monumente wie das Burj Al Arab Hotel in Dubai, der Milleni-um Dome in London oder die Oper in Kopenhagen tragen ebenso das unverkennbare Lichtdesign vonSpeirs and Major Associates wie unzählige weitere Bauten im privaten und öffentlichen Bereich, Spitäler,Hotels, Theater, Museen, Bahnhöfe, Flughäfen, Brücken, Bürogebäude und Einkaufszentren, die mit ihrenüber ganz Großbritannien und rund um den Globus verteilten Leuchtpunkten Nacht für Nacht die komple-xen Auswirkungen eines einfachen Grundgedankens eindrucksvoll unterstreichen: unser Leben bestehtaus Licht.

Behind extraordinary corporate success there often hides an extraordinarily clear basic idea. In thecase of Speirs and Major Associates, this can be reduced to three words: Made Of Light. A basic idea thatnot only covers the state of our visible surroundings – a world comprised of and marked by light –, butalso a story: the story of our visual perception. A story that Speirs and Major Associates recently capturedbetween two book covers and published in 2005 as one of today’s most competent and attractive workson the topic of light. The title is Made Of Light, a compendium of sketches, texts, ideas, impressions, con-siderations and interviews on the topic of light – on the one hand an inspiring and aesthetically lavish prac-tical report from the work of the light designer; on the other, a very personal investigation into the topicwhich looks at its cultural history and the psychology of perception out of a love for light. The intention isto stimulate discussion and debate, not only in book form, but also as a travelling exhibition, a series oflectures and a website.What moved two of the best-known lighting architects and lighting designers of the United Kingdomand their team to publish a book is partly explained by its title: the world as we perceive it is made oflight. Light allows us to see and to communicate. As Speirs and Major captivatingly present in Made OfLight, our visual experience of buildings and our emotional reaction to architecture is decisively markedby the control of light and shade. The more recent history of architecture shows a development of pos-sibilities in line with a strongly advancing trend, whereby light is increasingly integrated into the structu-re and fabric of modern architecture, making it an independent, emotional building material and anessential tool of architecture.In other ways, Made Of Light is based on a corporate philosophy that aims not only at creating attractivelighting architecture, but also at communicating and discussing it at the same time. In addition to theirwork as architects and designers, both Jonathan Speirs and Mark Major have been renowned lecturersand teachers on the topic of light for many years and are much sought after around the world. They seetheir research and teaching work as an integral element of their all-embracing work as lighting designers.Work, which apart from constant research and innovations, is primarily engaged with the development ofclear conceptual ideas and content, with the claim of the highest technological and creative competence,a homogenous combination of artistic and scientific aspects of light with pragmatic, functional, architectu-ral and commercial requirements. When Jonathan Speirs won the order to design the lighting for the servi-ce tower of the Bridgewater Hall in Manchester, his conceptual idea transformed the tower into a tower oftime: the interior lighting changes in the monthly rhythm of the zodiac, while the exterior lighting reflectsthe season: green for spring, yellow, red and blue for the following seasons. Tubes of light demarcate theeight storeys of the tower and indicate, depending on the illumination, the respective day of the week. Thiscomplex, abstract clock installation in some ways reflects the mechanism of early historical light observa-tories such as Stonehenge or the precise sun and planet alignment of the Pyramids, and refers to one ofthe most fundamental significances of light for our existence: the cyclical change of light and dark, ofdays, months and years as the controlling clock of our life.“We are made of light,” Speirs and Major Associates therefore postulate just as clearly and simply as“Architecture is made of light, our work is made of light”. A deep and comprehensive understanding of thetopic as a contemporary and marking element of life, which has decisively marked the British, Europeanand international landscape of lighting architecture since Jonathan Speirs and Mark Major entered intocollaboration in 1993 (since 2003 as Speirs and Major Associates with offices in London and Edinburgh).Architectural monuments such as the Burj Al Arab hotel in Dubai, the Millennium Dome in London and theOpera House in Copenhagen also bear the unmistakable lighting design of Speirs and Major Associates,as do countless other buildings in the private and public arena, hospitals, hotels, theatres, museums, rail-way stations, airports, bridges, office buildings and shopping centres, which with their points of lightspread across the whole of the United Kingdom and around the globe impressively underscore the com-plex effects of a simple and basic idea, night after night: our life is made of light.

Dietro i successi straordinari di un’azienda spesso si cela un’idea fondamentale straordinariamen-te chiara. Nel caso di Speirs and Major Associates quest’idea si può condensare in tre parole: Made OfLight – fatto di luce. Un’idea fondamentale che abbraccia non soltanto lo stato del nostro orizzonte visi-bile – di un mondo fatto di luce e plasmato dalla luce -, ma anche una storia: la storia della nostra per-cezione visiva. Una storia che Speirs and Major Associates recentemente hanno racchiuso nelle paginedi un libro e pubblicato nel 2005 come una delle opere attualmente più belle e competenti sul tema del-la luce. Il titolo: Made Of Light, un compendio di disegni, testi, idee, impressioni, riflessioni e intervistesul tema luce – da un lato relazione di carattere pratico, ricca di spunti ed esteticamente raffinata, natadal lavoro del progettista illuminotecnico, dall’altro però anche una ricerca, molto personale e contrad-distinta dall’amore per la luce, che analizza gli aspetti storico-culturali e psicologici-percettivi del tema eche intende stimolare la discussione e il confronto non solo come libro, ma anche come mostra itine-rante, ciclo di conferenze e sito web.In parte il titolo spiega già il motivo che ha spinto due dei maggiori progettisti e designer illuminotecnicibritannici, insieme al loro team, a pubblicare un libro: il mondo, come noi lo percepiamo, è proprio fatto diluce. La luce ci serve per vedere e per comunicare. La nostra esperienza visiva degli edifici e la nostra rea-zione emozionale all’architettura, sostengono Speirs und Major nell’appassionante racconto di Made OfLight, è dominato dal controllo di luce e ombra. Nella storia dell’architettura più recente si va affermando esi sta ulteriormente sviluppando di pari passo con le possibilità tecnologiche, la tendenza a integrare laluce nella struttura e nel tessuto dell’architettura moderna, a farne materia emozionale a sé stante e stru-mento determinante dell’architettura.D’altro canto dietro Made Of Light c’è una filosofia aziendale che si pone come scopo non solo la creazio-ne di un’architettura illuminotecnica raffinata, ma allo stesso tempo anche la comunicazione e il dibattitosu di essa. Jonathan Speirs e Mark Major non si limitano a svolgere la loro attività di architetti e designer,ma da lunga data operano e sono richiesti in tutto il mondo anche come autorevoli conferenzieri e docentisul tema luce e vedono l’attività di ricerca e insegnamento come elemento integrativo del loro vasto lavorocome creatori di luce. Un lavoro dominato oltre che dalla ricerca e innovazione continua, soprattutto dallosviluppo di idee e contenuti concettualmente chiari, con l’esigenza di sviluppare al massimo le competen-ze tecnologiche e creative, di fondere omogeneamente gli aspetti artistici e scientifici della luce con le esi-genze pragmatiche funzionali, architettoniche e commerciali. Quando Jonathan Speirs nel 1996 ricevettel’incarico di curare il progetto illuminotecnico della torre tecnica di Bridgewater Hall a Manchester, la suaidea concettuale trasformò la torre in una torre del tempo: l’illuminazione interna cambia seguendo il ritmomensile dello zodiaco, mentre l’illuminazione esterna riflette le stagioni: verde per la primavera, giallo, ros-so e blu per le stagioni seguenti. Tubi fluorescenti delimitano tra di loro gli otto piani della torre e definisco-no con un’illuminazione diversa i diversi giorni della settimana. Questa installazione complessa, mimesiastratta di un orologio, riflette non a caso i meccanismi degli osservatori astronomici protoculturali comeper esempio Stonehenge o anche l’orientamento solare e planetario esatto delle piramidi e fa riferimento auno dei significati fondamentali della luce per la nostra esistenza: l’avvicendamento ciclico di luce e oscu-rità, di ritmi giornalieri, mensili e annuali come orologio che governa la nostra vita.“Siamo fatti di luce”, postulano Speirs and Major Associates, perciò è chiaro come il sole che “l’architettu-ra è fatta di luce, il nostro lavoro è fatto di luce”. Una comprensione profonda e ampia del tema come ele-mento onnipresente e fondamentale della vita, che nella collaborazione avviata nel 1993 fra JonathanSpeirs e Mark Major - dal 2003 come Speirs and Major Associates con studi a Londra e Edimburgo - hainfluenzato in modo determinante il panorama dell’architettura illuminotecnica britannica, europea e inter-nazionale. Monumenti dell’architettura come il Burj Al Arab Hotel di Dubai, il Millenium Dome di Londra ol’Opera di Copenhagen si fregiano dell’inconfondibile design illuminotecnico di Speirs and Major Associa-tes come anche numerose altre costruzioni in ambito pubblico e privato, ospedali, alberghi, teatri, musei,stazioni ferroviarie, aeroporti, ponti, centri direzionali e centri commerciali, che con i loro punti luce distri-buiti sul territorio di tutta la Gran Bretagna e su tutto il globo, notte dopo notte, sottolineano gli effetti com-plessi di un pensiero fondamentale molto semplice: la nostra vita è fatta di luce.

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PROJECTPRIVATE RESIDENCE, WÖRTHERSEE

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PROJECTPRIVATE RESIDENCE, WÖRTHERSEE CUBU Wand-/Deckenleuchte

MINIMAL 60 System Einbausystem EDGE 60 System Einbausystem LECU Bodeneinbauleuchte

CUBU Wall/ceiling luminaire MINIMAL 60 System Recessed light system EDGE 60 System Recessed light system LECU Recessed floor luminaire

CUBU Apparecchio da parete/da soffittoMINIMAL 60 System Sistema luminoso da incassoEDGE 60 System Sistema luminoso da incassoLECU Apparecchio da terra

LAKESIDEEin Feriendomizil, das zugleich das ganze Jahr über bewohnbar sein sollte, ein großzügig

angelegtes Wohn- und Gästehaus mit sechs individuellen Wohneinheiten, das sowohlGemeinsamkeit als auch beschauliche Intimität ermöglichen sollte - mit diesen Inspirationen undVisionen des Bauherrn sah sich Architekt Reiner Schmid bei der Konzeption eines außergewöhnli-chen Privathauses direkt am Ufer des Wörthersees konfrontiert. Eine ebenso homogene wie sinnli-che Lösung für die vielfältigen Wünsche und Anforderungen fand Schmid schließlich in den tradi-tionellen Vorbildern nordafrikanischer Altstadt-Strukturen: rings um eine weitläufige, wie einMarktplatz konzipierte zentrale Wohn- und Küchenhalle hängen die Kuben der mit individuellenFarbwelten versehenen Gästeeinheiten wie einzelne, separate Häuschen und ermöglichen so glei-chermaßen privaten Rückzug wie geselliges Beisammensein an einem Treff- und Mittelpunkt. Dassinnlich-marokkanische Stilprinzip setzt sich auch in den sechs individuell gestalteten Bad- undSanitärbereichen der Wohneinheiten fort, deren Wand- und Bodenflächen mit traditionellen, eigensin Marokko gefertigten Mosaiken ausgestaltet wurden. Einen ähnlichen Anspruch von Authentizitätund Natürlichkeit erfüllt der großflächige Einsatz von kroatischem Sandstein im Wohnbereich, derin verschiedensten Optiken und Oberflächen zum Einsatz kam, sowie die 17 Meter breite, über ihregesamte Länge aufschiebbare Glasfront, die den zentralen Wohnbereich zum See hin öffnet unddie Grenzen von natürlichem und gebautem Raum harmonisch ineinander übergehen lässt. Vonsinnlicher Harmonie ist auch das Kunstlichtkonzept, auf MINIMAL-Elementen von XAL basierend,die am Übergang von Wand zu Decke nahezu unsichtbar integriert wurden.

A holiday home that should also be usable throughout the year, and a generously laid out resi-dential and guest house with six individual apartments that should facilitate a sense of togethernessas well as tranquil intimacy – these were the client’s inspirations and visions that confronted architectReiner Schmid when designing an extraordinary private house right on the banks of the Wörthersee.Schmid ultimately found a homogenous and sensory solution for the various wishes and require-ments in the traditional models of North African old town structures: around the extensive centralliving and kitchen hall designed like a marketplace the cubes containing the guest units with theirindividual colour worlds hang like small, individual, separate houses, thus facilitating equal amountsof private retreat and cosy togetherness in a single meeting and focal point. The principle of sensory

Moroccan style also continues in the six individually designed bathroom and sanitary areas of theliving units, whose walls and floors have been finished with traditional mosaics specially manufactu-red in Morocco. A similar claim to authenticity and naturalness is fulfilled by the overall use ofCroatian sandstone in the living area, which is used in a wide range of looks and locations, as well asthe 17 metre wide glass façade that slides along its entire length, opening the central living area upto the lake and allowing the borders between natural and constructed space to blend harmoniouslyinto each other. Sensory harmony is also noted in the artificial lighting concept based on MINIMALelements by XAL, which have been integrated almost invisibly at the transition from wall to ceiling.

Una casa di vacanza, ma allo stesso tempo abitabile tutto l’anno, una casa-foresteria moltospaziosa, con sei unità abitative individuali, che consenta sia di condividere spazi comuni sia di man-tenere una privacy totale – sono queste le ispirazioni e visioni del committente con cui l’architettoReiner Schmid si è dovuto confrontare nel progettare una casa privata inconsueta sulle sponde dellago Wörthersee. Alla fine Schmid è riuscito a trovare una soluzione tanto omogenea quanto pene-trante, in grado di soddisfare e conciliare esigenze e desideri tanto diversi ed è riuscito a trovarlanegli archetipi tradizionali su cui si basano le strutture delle antiche città nordafricane: i cubi delleunità abitative della foresteria, ognuna caratterizzata da cromatismi individuali, sono organizzati comesingole casette separate intorno all’ampio spazio centrale occupato dal soggiorno-cucina, concepitocome una sorta di piazza del mercato. Una soluzione che consente di scegliere liberamente di riti-rarsi nello spazio privato o di ritrovarsi con gli altri ospiti in un punto d’incontro centrale. La cifra stili-stica d’ispirazione marocchina si ritrova anche nelle sei aree bagno delle unità abitative strutturate inmodo individuale, con pareti e pavimenti rivestiti con mosaici tradizionali realizzati proprio inMarocco. La stessa pretesa di autenticità e naturalezza è soddisfatta dall’utilizzo abbondante di pie-tra arenaria croata nella zona giorno, impiegata con gli effetti e le finiture più disparati, e anche dalfronte vetrato, largo 17 metri, scorrevole per tutta la sua lunghezza, che apre la zona giorno centraleverso il lago, lasciando che il confine dello spazio naturale si compenetri armoniosamente con quel-lo dello spazio costruito. Improntato alla stessa morbida armonia è anche l’impianto d’illuminazioneartificiale, basato su elementi a incasso MINIMAL di XAL, incorporati in modo praticamente invisibilenel punto d’intersezione fra la parete e il soffitto.

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Architect: Reiner Schmid, GrazPhotos: Gerald Liebminger, Graz


PROJECTMONTAIGNE MARKET, PARIS STRAIGHT Strahler und Stromschiene

SASSO 150 EinbauleuchteMXN 140 Einbauleuchte

STRAIGHT Track light and track SASSO 150 Recessed luminaire MXN 140 Recessed luminaire

STRAIGHT Faretto e binario elettrificatoSASSO 150 Apparecchio da incassoMXN 140 Apparecchio da incasso

VOGUEArchitect: Johannes Zingerle, GuadeloupePhotos: Yannick Coupannec, Paris

Montaigne Market, vor kurzem auf der Pariser Avenue Montaigne eröffnet, bringt ein neuesKonzept auf die traditionelle Luxus-Shoppingmeile: An einem Ort, an dem flächendeckend diegroßen Monolabel-Stores von Prada, Louis Vuitton oder Dolce&Gabbana zu Hause sind, setztMontaigne Market auf einen innovativen Marken-Mix von nicht weniger als achtzig handverleseneninternationalen Designern, mit besonderem Fokus auf neue, hippe US-Designer wie Thom Browneoder Milla Jovovich’s Fashion-Linie Jovovich-Hawk, die Montaigne Market - neben bewährtenGrößen wie Miu-Miu, Marc Jacobs oder Stella McCartney - exklusiv in Frankreich offeriert. DieseMix-and-match-Philosophie, die ausgesuchte High-Fashion auf ungezwungene Weise mitDesignerjeans und T-Shirts kombiniert, wollte Shop-Betreiber Alain Celhay auch in seinenVerkaufsräumen wiederfinden, die der österreichische Architekt Johannes Zingerle gestaltete. Zudemwünschten Celhay und Mitbesitzerin/Einkäuferin Liliane Jossua ein möglichst neutrales Ambiente, umdie Mode und ihre Farben die Hauptrolle spielen zu lassen. Zingerle, der bereits mit Shopdesign-Größen wie Peter Marino zusammenarbeitete, setzte daher ganz auf ein Konzept edler Schlichtheit,deren Modernität sich vor allem in den Details widerspiegelt: Abgehängte Decken, geradlinig-geome-trische Warenregale und Tische, Chrom-Vitrinen, weiße Lederbänke sowie in heller Eiche getäfelteWand- und Bodenflächen erzeugen gemeinsam mit dem warmen, hellen Lichtkonzept eine offene,einladende Atmosphäre, verstärkt durch ein einzelnes, großflächiges Schaufenster, das von außeneinen tiefen, korridorähnlichen Blick ins taghelle Innere eröffnet.

Montaigne Market, which was recently opened on the Avenue Montaigne in Paris, brings a newconcept to the traditional luxury shopping mall: In a place packed full of the major mono-label storessuch as Prada, Louis Vuitton and Dolce&Gabbana, Montaigne Market goes for an innovative marketmix of no fewer than eighty hand-picked international designers, with a particular focus on new, hipUS designers such as Thom Browne or Milla Jovovich’s fashion line Jovovich-Hawk, whichMontaigne Market offers exclusively in France – alongside established greats such as Miu-Miu, MarcJacobs and Stella McCartney. Shop operator Alain Celhay also wanted to apply this mix-and-matchphilosophy, which combines sought-after high fashion quite naturally with designer jeans and T-shirts, to his sales rooms, designed by Austrian architect Johannes Zingerle. In addition, Celhay and

co-owner/purchaser Liliane Jossua wanted the most neutral ambience possible, in order to let thefashion and its colours play the leading role. Zingerle, who has previously collaborated with shopdesign greats such as Peter Marino, therefore created a concept entirely based on noble simplicity,whose modernity is above all reflected in the details: Suspended ceilings, straight-line geometricalmerchandise shelving and tables, chrome-framed display cases, white leather benches and wallsand floors clad in light oak together with the warm, bright lighting concept generate an open, invitingatmosphere, reinforced by a large, single show window that affords a deep, corridor-like view into theday-bright interior from outside.

Il Montaigne Market, recentemente inaugurato in Avenue Montaigne a Parigi, porta un nuo-vo orientamento nel quartiere tradizionale dello shopping di lusso: in un’area dove sono di casa igrandi store monomarca di Prada, Louis Vuitton o Dolce&Gabbana, il Montaigne Market puntasull’idea innovativa di un mix di marche formato da non meno di ottanta stilisti internazionali scel-ti con cura, focalizzandosi principalmente su nuovi stilisti di tendenza statunitensi come ThomBrowne o la linea Jovovich-Hawk di Milla Jovovich, che il Montaigne Market offre in esclusiva inFrancia accanto a grandi del calibro di Miu-Miu, Marc Jacobs o Stella McCartney. Questa filoso-fia della mescolanza, che combina disinvoltamente l’alta moda più ricercata con jeans e t-shirtgriffati, si doveva rispecchiare, secondo le intenzioni del gestore del negozio Alain Celhay, anchenei suoi locali di vendita, progettati dall’architetto austriaco Johannes Zingerle. Inoltre Celhay eLiliane Jossua, comproprietaria e acquirente, volevano un ambiente possibilmente neutrale, perlasciare alla moda e ai colori il ruolo principale. Quindi Zingerle, che aveva già collaborato congrandi nomi nel campo della progettazione di negozi come Peter Marino, ha puntato tutto su unprogetto di raffinata sobrietà, dove la modernità si riflette soprattutto nei dettagli: controsoffitti,scaffalature e tavoli a geometrie lineari, vetrine cromate, panchine bianche di pelle e superfici deipavimenti e delle pareti rivestite in rovere chiaro generano, insieme al sistema di illuminazionechiaro e avvolgente, un’atmosfera aperta e invitante, rafforzata da un’unica vetrina di grandidimensioni, che dall’esterno permette di penetrare profondamente con lo sguardo, come in unasorta di corridoio, nell’interno illuminato a giorno.

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PROJECTCONGRESS CENTER ROMA EVENTI, ROME MINIMAL 60 Einbausystem

MITO EinbauleuchteFRAME 30 EinbauprofilVELA Pendelleuchte

MINIMAL 60 Recessed light systemMITO Recessed luminaireFRAME 30 Recessed light profileVELA Suspended luminaire

EVENTSArchitects: Sycamore (Raniero Botti / Gianfranco Mangiarotti / Letizia Licastro), RomePhotos: Sergio Patamia, Rome

Das vor kurzem eröffnete Congress Center Roma Eventi, an der Piazza di Spagna im histori-schen Zentrum von Rom gelegen, ist einer der neuesten und exklusivsten Treffpunkte der römischenWirtschafts- und Finanzwelt. Bei der Adaption des historischen Gebäudes wurde einerseits höchsterWert auf die Erhaltung der ursprünglichen Bausubstanz gelegt, andererseits wurde ein möglichst fle-xibles Raumkonzept angestrebt, das den Nutzern ein Maximum an Freiheit bei den individuellenRaum-Arrangements für den jeweiligen Verwendungszweck gestattet. Im Zuge der Renovierungs-arbeiten wurden mehrere spektakuläre architektonische Details aus der Jahrhunderte zurückreichen-den, wechselvollen Baugeschichte des Gebäudes freigelegt und wieder entdeckt: unter anderem einhistorisches Kreuzgewölbe in einem der Kongresssäle, ein altes Theater mit einer Kapazität von 500Sitzen, das wiederhergestellt und mit modernstem Equipment ausgestattet wurde, oder eine unterirdi-sche Passage aus der Römerzeit, durch die jene Quelle fließt, die den unweit gelegenen Trevi-Brunnenspeist. Je nach ihrer Geschichte oder Atmosphäre sind die insgesamt neun Säle und Räume desKongresszentrums nach verschiedenen Künstlern unterschiedlichster Epochen benannt, wie etwa demFilmregisseur Federico Fellini (der in einer benachbarten Gasse wohnte), dem surrealistischen MalerGiorgio De Chirico oder den Renaissancemalern Raffaello Santi und Michelangelo Buonarroti. DemAnspruch an eine stilvolle, behutsame Zusammenführung von historischer Bausubstanz mit modern-ster Innenarchitektur und Kommunikationstechnologie folgt auch die Konzeption des Lichtdesigns,das in seinen Elementen einerseits zurückhaltend in den Hintergrund tritt, andererseits je nachVerwendungszweck (z.B. Konferenzen, Workshops, Fashion Shows, Gala-Diners, Ausstellungen,Theatervorstellungen) dramatische Rauminszenierungen und Effekte ermöglicht.

The recently opened Roma Eventi Congress Centre, situated on Piazza di Spagna in thehistorical centre of Rome, is one of the newest and most exclusive meeting points in the Romanworld of business and finance. On the one hand, the adaptation of the historic building placedmaximum value on retaining the original structure; on the other, the most flexible spatial conceptpossible was sought, which affords users maximum freedom in arranging the individual spaces fortheir respective uses. In the course of the renovation works several spectacular architecturaldetails of the building’s varied history extending back over centuries were revealed and rediscover-ed: among these a historical cross vault in one of the congress rooms, an old theatre with a sea-ting capacity of 500, which was restored and equipped with the latest equipment, and a subterra-

nean passage from the Roman age, through which flows the spring that feeds the nearby TreviFountain. Depending on their history or atmosphere, each of the total of nine halls and rooms ofthe congress centre is named after various artists from different epochs, such as film directorFederico Fellini (who lived in a neighbouring street), surrealist painter Giorgio De Chirico andRenaissance painters Raffaello Santi and Michelangelo Buonarroti. The claim to a stylish, carefulconvergence of historical building with modern architecture and communications technology isalso followed by the concept of the lighting design, whose elements on the one hand stand reser-vedly in the background, and on the other enable dramatic stagings of space and effects, depen-ding on the purpose (e.g. conferences, workshops, fashion shows, gala dinners, exhibitions andtheatre performances).

Il Centro Congressi Roma Eventi, recentemente inaugurato in Piazza di Spagna nel centro stori-co di Roma, è uno degli ultimi e più esclusivi punti d’incontro del mondo economico e finanziarioromano. Il riadattamento dell’edificio storico si è basato, da un lato, sull’esigenza conservativa dimantenere inalterata la struttura architettonica originale e, dall’altro, sul desiderio di creare uno spa-zio flessibile, che concedesse ai fruitori il massimo della libertà individuale nella sistemazione degliambienti per vari tipi di utilizzo. Nel corso dei lavori di restauro sono stati portati alla luce e riscopertidiversi particolari architettonici straordinari, riemersi dalla storia dell’edificio che nel corso dei secoliha subito vari rimaneggiamenti: fra l’altro una volta a crociera storica in una delle sale congressi, unteatro antico con una capacità di 500 posti, che è stato ristrutturato e dotato delle più moderne at-trezzature, o una galleria sotterranea di epoca romana, in cui scorre una sorgente che alimenta lanon distante fontana di Trevi. In base alla loro storia o atmosfera le sale e gli ambienti del CentroCongressi, complessivamente nove, sono intitolate ad artisti differenti di epoche diverse, come adesempio il regista Federico Fellini (che abitò in un vicolo adiacente), il pittore surrealista Giorgio DeChirico o i pittori rinascimentali Raffaello Sanzio e Michelangelo Buonarroti. L’esigenza di conciliare,con sensibilità e rispetto, la struttura storica preesistente con un’architettura degli interni modernissi-ma e le tecnologie della comunicazione trova espressione anche nella concezione del progetto illumi-notecnico, che con i suoi elementi, da un lato, si mantiene discretamente in secondo piano,dall’altro, in funzione dell’utilizzo specifico previsto (per es. conferenze, workshop, sfilate di moda,cene di gala, esposizioni, spettacoli di teatro), consente effetti e allestimenti spettacolari.

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MINIMAL 60 Sistema luminoso da incassoMITO Apparecchio da incassoFRAME 30 Sistema luminoso profilioVELA Apparecchio a sospensione

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Based on the idea of drawing enormous light pictures using electri-city generating wind turbines, Austrian artist Max Frey developedan indoor rotor that generates circular paintings in light. The rotorblade fitted with different coloured LEDs and fluorescent tubes iscontrolled by copper-coated circuit boards. This “visual” program-ming sets a multilayered transformation process in motion, whichuses movement to turn the stationary lights into complex, ever-changing picture compositions. The observer is an integral part ofthis light painting, as he observes pictures being created only out ofrotating lights. The colour compositions range from minimalisticlinear frameworks to reduced, monochromatic pictures to multi-coloured structures. With his installation “Rotor, 2005” Frey pre-sents a light play of impressive technical and artistic quality, whichmakes the appearances that are experienced only visually, seemalmost tangible.

After his training as a stone restorer Max Frey, born in Graz in 1976,studied visual media design at the University of Applied Art inVienna / Class Brigitte Kowanz.

MOVING LIGHT


PROJECTOFFICE BUILDING SEESTERN, DÜSSELDORF MINIMAL 100 Einbausystem

VELA EinbauleuchteTULA Pendelleuchte

MINIMAL 100 Recessed light systemVELA Recessed luminaireTULA Suspended luminaire

MINIMAL 100 Sistema luminoso da incasso VELA Apparecchio da incassoTULA Apparechio a sospensione

Ein zwölfgeschossiges Stahlbeton-Officegebäude aus den späten siebziger Jahren bildete dieAusgangsbasis für eine grundlegende Modernisierung und Revitalisierung, die das in Köln und Mann-heim ansässige Architekturbüro Fischer Architekten dem angejahrten Büro-Koloss angedeihen ließ.Der Neuausbau im Inneren des Gebäudes sowie die attraktive Auffrischung der Außenhülle waren dieHauptziele der baulichen Maßnahmen für eine langfristige Verwertbarkeit sowie eine flexible Vermark-tung und Neuvermietung des Gebäudes. Besonderen Landmark-Charakter als weithin sichtbaresSymbol der Modernisierung besitzen vor allem der neue Fluchttreppenturm und das Vordach inGestalt eines schwebenden Prismenkörpers, die mit ihrer Verkleidung aus goldeloxiertem Metall dieVeredelung des Gebäudes signalisieren und auch die Namensgebung entscheidend prägen: „aureum“- das Goldene. Im Inneren ist die Neugestaltung des Gebäudes vor allem durch Helligkeit und Offen-heit geprägt: bisher kleinteilig genutzte Flächen wurden komplett entkernt und zu einem weitläufigenFoyer umgebaut. Großzügige Bereiche unter maximaler Ausnutzung von Tageslicht wurden im gesam-ten Gebäude geschaffen, die Verbesserung der Erschließung bzw. die Orientierung durch Neuorgani-sation der Grundrisse und die Schaffung zeitgemäßer Büro-Zuschnitte vorgenommen. GroßzügigeRaumhöhen, helle Farben und hochwertige Materialien unterstreichen den Anspruch einer optimalen,angenehmen Atmosphäre in den Arbeits- und Empfangszonen. Um die Identifikation der Nutzer mitdem Gebäude zusätzlich zu unterstützen und die Funktion einer zeitgemäßen Büroumgebung alsmodernen Lebensraum zu betonen, wurde eine großzügige Kommunikationszone geschaffen, die alsLounge einen willkommenen Aufenthaltsort für Mitarbeiter und Besucher bildet.

A twelve-storey reinforced concrete office building from the late 1970s formed the basis for athorough modernisation and revitalisation, which was given the aging office block by architect officeof Fischer Architekten, based in Cologne and Mannheim. The reconstruction of the building's interiorand the attractive freshening of the exterior were the main objectives of the construction measuresfor long-term usability as well as the flexible marketing and re-leasing of the building. Above all, theescape tower lends a particular landmark character as a symbol of modernisation visible from afar,as does the front canopy in the shape of a floating prism, which with its coating of gold-eloxidedmaterial signals the improvement of the building and decisively marks its name: “aureum” – the goldone. Inside, the redesign of the building is above all marked by lightness and openness: previously

small areas were completed gutted and converted into an extensive foyer. Large areas were createdthroughout the building under maximum utilisation of daylight, while the improvement of the develop-ment and its orientation were undertaken through the reorganisation of the floors and the creation ofcontemporary office areas. Large room heights, light colours and high-quality materials underscorethe claim of an ideal, pleasant atmosphere in the work and reception zones. To further support theidentification of the user with the building and to emphasise the function of a contemporary officeenvironment as a modern living space, a large communications zone was created, which forms awelcome common room for employees and visitors in the form of a lounge.

Un palazzo di uffici di dodici piani, realizzato in cemento armato verso la fine degli anni Settanta,ha costituito la base di partenza per un’operazione radicale di riammodernamento e rivitalizzazione delcolosso ormai invecchiato, ad opera dello studio di architetti associati Fischer Architekten con sede aColonia e Mannheim. La ricostruzione all’interno dell’edificio e il rinnovamento estetico dell’involucroesterno erano gli obiettivi principali dell’intervento che mirava a una sfruttabilità a lungo termine e auna commercializzazione flessibile del complesso, compresa la possibilità di riaffitto. Il carattere dipunto di riferimento particolare in quanto simbolo di modernizzazione visibile da grande distanza, èquello che connota soprattutto la nuova torre della scala di sicurezza esterna e la tettoia a forma diprisma sospeso, che con il loro rivestimento in metallo anodizzato dorato denotano la nobilitazionedell’edificio e spiegano fondamentalmente anche il nome “aureum” che gli è stato dato. All’interno, laristrutturazione dell’edificio è improntata alla massima luminosità e apertura: superfici prima utilizzatein piccola parte sono state completamente svuotate per consentire la realizzazione di un ampio foyer.In tutto l’edificio sono stati creati ambienti spaziosi che sfruttano al massimo la luce del giorno. Inoltreè stato migliorato lo sfruttamento degli spazi con la riorganizzazione delle piante e la scelta di un nuo-vo orientamento, insieme alla creazione di nuovi tagli di ufficio più attuali. Le altezze notevoli degliambienti, i colori chiari e i materiali pregiati sottolineano l’esigenza di creare un’atmosfera piacevole,ideale nelle zone di lavoro e di ricevimento del pubblico. Per favorire ulteriormente l’identificazionedegli utenti con l’edificio e sottolineare la funzione di un palazzo di uffici attuale come spazio di vitamoderno, è stata realizzata una zona spaziosa dedicata alla comunicazione, un’area lounge che costi-tuisce un gradito luogo di sosta sia per gli impiegati che per i visitatori.

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BUSINESSArchitect: Fischer Architekten, MannheimLighting Design: ILW Ingenieur Leistung Wiener, Wiesbaden / Köhler Beraten + Planen, WiesbadenPhotos: Paul Ott, Graz


PROJECTFASHION STORE, LISBON MITO 80 Einbauleuchte

MITO 150 EinbauleuchteMITO 80 Recessed luminaireMITO 150 Recessed luminaire

MITO 80 Apparecchio da incassoMITO 150 Apparecchio da incasso

FASHIONArchitect: amAsociados s.a., BarcelonaLighting Design: Lightlab, Lisbon / amAsociados s.a., BarcelonaPhotos: FG + SG - Fotografia de Arquitectura, Lisbon

Ein traditionsreiches britisches Fashion-Label präsentiert sich aktuell so erfolgreich wie noch niein seiner 150jährigen Geschichte. Unter der Regie von Chefdesigner Christopher Bailey schaffte esdas Unternehmen in den vergangenen Jahren, sein Image als konservative Trenchcoat-Marke gegendas eines der führenden Trendsetter der internationalen Modeszene einzutauschen. Die generelle Ver-jüngung und Aktualisierung der Marke spiegelt auch das Shopdesign wider: ein großzügiges, hellesund weitläufiges Raumkonzept bietet die optimale Bühne für die Präsentation der umfangreichen Fas-hion- und Accessoire-Kollektionen, Formen und Farbgebung bekennen sich zu einer klaren undmodernen Identität, die allerdings die Tradition des Hauses keineswegs unberücksichtigt lässt. Hoch-wertige Materialien wie helles Leder, großflächige, charaktervoll gemaserte Holzverkleidungen undverchromtes Metall vermitteln eine zeitgemäße, lichtdurchflutete Interpretation klassischer britischerClubatmosphäre, die das Shoppingerlebnis zu einer sehr persönlichen, individuellen Erfahrung macht.Besonders die einladenden Clubsofas mit ihren gesteppten Lederbezügen sowie die zeitlosen, vonklassischen Bauhaus- und Art-Deco-Entwürfen inspirierten Lounge-Tischchen erinnern daran, dassauch das neue Gesicht der Marke für entspannte britische Kultiviertheit statt für grelle, bemühteSchnellebigkeit steht. Ganz unter diesem Aspekt steht auch das Lichtdesign, mit dem die ArchitektenamAsociados den neuen Women’s Fashion Store des Unternehmens in Lissabon ausstatteten: die kla-re Funktionalität und zurückhaltende Optik der weitgehend in die Deckenflächen versenkten oder inindirekte Lichtlösungen integrierten Beleuchtungskörper korrespondiert optimal mit der Markenphilo-sophie und ermöglicht durch größtmögliche Variabilität eine Vielzahl flexibler Lichtstimmungen zurPräsentation der wechselnden Kollektionen.

One highly traditional British fashion label is currently doing better than at any time in its 150-yearhistory. Under the direction of senior designer Christopher Bailey, the company has in recent years mana-ged to trade in its image of a conservative trenchcoat brand for that of one of the leading trendsetters onthe international fashion scene. The general rejuvenation and updating of the brand is also reflected by theshop design of its stores: a spacious, light and extensive interior concept offers the perfect setting for pre-senting the comprehensive fashion and accessory collections; shapes and colours profess a clear andmodern identity, which in no way ignores the company’s tradition. High-quality materials such as leather,together with large sections of characterful, grained wood trim and chrome-plated metal convey a con-temporary, light-drenched interpretation of a classic British club atmosphere, making shopping at this

brand a truly personal and unique experience. In particular, the inviting club sofas with their backstitchedleather covers and the timeless lounge tables inspired by classic Bauhaus and Art Deco designs are remi-niscent of the fact that the new face of the company also stands for relaxed British refinement, in place ofa gaudy, forced, fast-moving way of life. The lighting design with which architects amAsociados equippedthe new Women’s Fashion Store of this company in Lisbon is also about the aspect of refinement: the cle-ar functionality and reserved look of the luminaire bodies, which are largely installed flush with the ceilingsor integrated in indirect lighting solutions, corresponds ideally to the label’s brand philosophy and facilita-tes numerous flexible lighting moods of the greatest possible variety for the purpose of presenting thechanging collections.

Un marchio storico della moda britannica riscuote attualmente un successo senza precedenti neisuoi 150 anni di storia. Sotto la regia dello stilista Christopher Bailey, la storica casa di moda britanni-ca è riuscita in questi anni a trasformare la sua immagine di marchio conservatore, legato al classicotrench, imponendosi sulla scena internazionale della moda come uno dei più importanti creatori ditendenze. Il ringiovanimento e il rinnovamento del marchio si riflette anche nel design del nuovo store:un ambiente spazioso, arioso e luminoso che fa da palcoscenico ideale per la presentazione dellericche collezioni di moda e di accessori, forme e colori che si richiamano ad un’identità ben definita emoderna, senza peraltro trascurare l’antica tradizione della casa. I materiali pregiati come la pelle incolori chiari, le ampie boiserie di legno impreziosite da venature molto particolari, e il metallo cromatooffrono un’interpretazione attualizzata dell’atmosfera tipica da club britannico, che rivive nel negozioinondato di luce, rendendo lo shopping un’esperienza singolare, molto personale. Soprattutto gli invi-tanti divanetti da club con i loro rivestimenti in pelle trapuntata e gli intramontabili tavolinetti da salot-to, ispirati a modelli classici dell’art déco e della Bauhaus, sono lì a ricordarci che anche il nuovo voltodella storica casa di moda britannica vuole incarnare il raffinato aplombe inglese, opponendosi allo sti-le forzato e chiassoso delle tendenze più effimere. In questo solco si colloca anche il design illumino-tecnico che gli architetti amAsociados hanno creato per il nuovo Women’s Fashion Store di Lisbona: lasobria funzionalità e l’estetica discreta delle luci incassate nei soffitti quasi completamente a scompar-sa o incorporate in sistemi di illuminazione indiretti, corrisponde perfettamente alla filosofia del mar-chio britannico e consente di creare atmosfere sempre nuove grazie alla grande variabilità degli effettidi luce, adattabili flessibilmente alla presentazione delle varie collezioni che si alternano.

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PROJECTCENTRO RICERCHE FERRERO, ALBA COMBO Einbausystem

MINIMAL EinbausystemCOMBO Recessed light systemMINIMAL Recessed light system

COMBO Sistema luminoso da incassoMINIMAL Sistema luminoso da incasso

RESEARCH

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Mit Produkten wie „Nutella“ legte Ferrero in den Nachkriegsjahren des vergangenenJahrhunderts nicht nur die Basis für eine heute legendäre Produktidee, sondern auch für einSüßwaren-Imperium, das heute als eines der führenden Unternehmen seiner Branche mit zahlreichenerfolgreichen Marken auf mittlerweile fünf Kontinenten vertreten ist. Geblieben ist allerdings diegrundsätzliche Philosophie: gute Iden zu entwickeln und diese konsequent umzusetzen, unterBerücksichtigung Beispiel gebender Unternehmenswerte wie kompromissloser Qualitätskontrolle,ständiger Forschung und Weiterentwicklung sowie gelebter Verantwortung für Umwelt, Mitarbeiterund Gesellschaft. Um dieser Philosophie des in dritter Generation in Familienbesitz befindlichenUnternehmens den geeigneten Rahmen zu verleihen, wurde im September des vergangenen Jahresdas neue „Centro Ricerche Ferrero“ in Alba eröffnet. In dreijähriger Arbeit gestaltete eine Gruppe vonArchitekten, die vom Architektenstudio A.S. Architetti Associati di Torino koordiniert wurde, einenhistorischen Baukomplex (ursprünglich eine Spinnerei aus dem 18.-19. Jh.), der auch als Papierfabrikund dann als Sitz des Consorzio Agrario diente, in ein Gebäude um, das nicht nur modernsten archi-tektonischen Ansprüchen gerecht wird, sondern in seiner Konzeption auch sämtliche logistischeErfordernisse modernster Lebensmittelforschung berücksichtigt und mit aufwendigen Elektrik- undFluidmechanik-Systemen ausgestattet ist. Die historische Fassade wurde dabei vollständig erhalten.Im Innenbereich wurde eine Verbindungsstruktur aus Glas geschaffen, die das Highlight des Ferrero-Campus darstellt und ein weithin sichtbares Symbol der Ferrero-Philosophie ist: die Verbindung vonkompromisslosem Fortschritt mit bleibenden traditionellen Werten.

With products such as “Nutella”, in the years following the Second World War, Ferrero had setthe basis not only for the idea of a product that has become something of a legend, but also of asweets empire that, with its numerous successful brands, famous in the four corners of the globe,today represents one of the leading companies in its sector. The philosophy at the heart of it all hasremained unchanged: developing good ideas and realising them accordingly, with respect for exem-plary business values such as uncompromising quality control, continuous research and innovation,responsibility towards the environment, the employees and the company itself. To give a suitable fra-mework to this philosophy, respected by the family-owned business extending towards its third

generation, the new “Ferrero Research Centre” of Alba was inaugurated last September. In threeyears of work, the architectural studio A.S. Architetti Associati of Turin coordinated a team of profes-sionals who renovated the historical spinning mill building (Filanda) dating from the 18th - 19thCentury, later transformed into a paper manufacturing factory and successively into the headquartersof the Agrarian Consortium, transforming it into a building that, besides satisfying the most modernarchitectural needs, additionally takes into account in its conception all the logistic demands of themost modern alimentary research, equipped as it is with sophisticated electric and fluid-mechanicalsystems. Within the historical building, which has been completely restored, a glass body of connec-tion was inserted which represents the highlight of the Ferrero Campus, and is the symbol, visiblefrom a distance, of the Ferrero philosophy: the union of progress without compromise and timelesstraditional values.

Con prodotti come la „Nutella“, negli anni del dopoguerra del secolo scorso, la Ferrero ha posto lebasi non solo per lídea di un prodotto diventato leggenda, ma anche di un impero dolciario che oggi èrappresentato con numerosi marchi di successo nei cinque continenti come una delle aziende leader delsuo settore. La filosofia di fondo è rimasta immutata: sviluppare buone idee e realizzarle coerentemente,nel rispetto di valori aziendali modello come il controllo di qualità senza compromessi, la ricerca continuae línnovazione, la responsabilità nei confronti dellámbiente, dei dipendenti e della società. Per dare unacornice adatta a questa filosofia seguita dallázienda familiare giunta ormai alla terza generazione, nelmese di settembre dello scorso anno è stato inaugurato il nuovo „Centro Ricerche Ferrero“ di Alba. In treanni di lavoro lo studio A.S. Architetti Associati di Torino ha coordinato un pool di professionisti che harecuperato léx Filanda del XVIII – XIX secolo, poi trasformata in cartiera e successivamente in sede delConsorzio Agrario, trasformandola in un edificio che, oltre a soddisfare le esigenze architettoniche piùmoderne, nella sua concezione tiene conto anche di tutte le esigenze logistiche della ricerca alimentarepiù avanzata, ed è dotato di sofisticati sistemi impiantistici sia elettrici sia fluidomeccanici. Allínternodellédificio storico, che è stato recuperato integralmente, è stato inserito un corpo vetrato di collega-mento che rappresenta l´highlight del Campus Ferrero ed è il simbolo, visibile da lontano, della filosofiaFerrero: il connubio fra progresso senza compromessi e valori tradizionali intramontabili.

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Architects: Studio AS (Edoardo Astegiano / Renzo Conti), TurinPhotos: Paul Ott, Graz


Klare, kubische Formen wünschte ein slowenischer Bauherr, als er an Architekt Bojan Lebar mitdem Wunsch der Konzeption eines Familien-Eigenheims herantrat, das sich nicht dem konventionellenErscheinungsbild beugen sollte. Leba entsprach dem Wunsch, indem er ein zeitgemäß eigenwilliges unddennoch wie selbstverständlich wirkendes Gebäude entwarf, die formalen Anforderungen um ausgeklü-gelte funktionale Aspekte erweiterte und den Bau perfekt auf die individuellen Erfordernisse derBewohner zuschnitt. Alle Räume wurden so gestaltet, dass einerseits durch die großflächige Verglasungoptimaler Tageslichteinfall gewährleistet ist, andererseits ein gleichmäßiges, angenehmes Mikroklimaohne übermäßige Sonnenerwärmung in den Räumen herrscht. Der wuchtige Kubus des Obergeschoßesmit den privaten und den Schlafbereichen scheint gleichsam über dem transparenten Baukörper desUntergeschoßes mit den offenen Wohnzonen zu schweben. Eine Leichtigkeit, die sich auch im offenen,weitläufigen Innenraumkonzept widerspiegelt: Durchbrüche im Untergeschoß sorgen für ungehindertenDurchblick zwischen den nur durch Abtreppungen gegliederten Wohn-, Küchen- und Esszonen,Terrassen auf der West- und Ostseite des Hauses sorgen für Erweiterungen der Wohnbereiche in denAußenbereich. Der minimalistischen Klarheit der Architektur folgt auch das Kunstlichtkonzept, das zumGroßteil mit in regelmäßigen Abständen bündig in die Decken eingelassenen Spotleuchten realisiert undin einzelnen Wohnzonen mit abgehängten Deckenleuchten ergänzt wurde.

A Slovenian client was seeking clear, cubic forms when he approached architect Bojan Lebarwith a request to design a private family home that was not to bow to conventional appearances.Lebar complied with this request by designing a contemporarily individual yet naturally working buil-ding, expanding the formal requirements with cleverly thought-out functional aspects and customi-sing the building perfectly to the individual requirements of the inhabitants. All of the rooms havebeen designed so as to guarantee that they receive optimal daylight through the large windows, whi-le at the same creating an even, comfortable microclimate in the rooms without excessive heating bythe sun. The powerful cube of the upper floor, which contains the private and sleeping areas,

appears to float, so to speak, above the transparent structure of the ground floor with its open livingzones. A lightness that is also reflected in the open, extensive interior concept: Openings in the gro-und floor provide an unobstructed view between the living, kitchen and eating zones linked only bysteps, while terraces on the west and east side of the house provide extensions of the living area intothe outdoors. The minimalistic clarity of the architecture is mimicked by the artificial lighting con-cept, which was largely achieved with spotlights integrated flush into the ceiling at regular intervalsand supplemented with suspended ceiling lights in the individual living zones.

Forme cubiche pulite: questo era ciò che voleva un committente sloveno rivoltosi all’architet-to Bojan Lebar con la richiesta di progettargli una casa unifamiliare fuori dai canoni tradizionali.Lebar soddisfò questa richiesta progettando un edificio dall’aspetto moderno ed eccentrico, maallo stesso tempo privo di forzature. Un edificio che oltre a tenere conto delle esigenze sul pianoformale, aggiungeva aspetti funzionali intelligenti e adattava perfettamente le proprie caratteristi-che alle necessità specifiche dei suoi abitanti. Tutti gli ambienti sono stati organizzati in modo dagarantire un'esposizione ottimale alla luce del giorno grazie alle grandi vetrate, ma anche unmicroclima piacevole e uniforme, evitando un eccessivo riscaldamento solare degli ambienti. Ilcubo massiccio del piano superiore con le aree private e l’area notte, sembra quasi sospeso soprail corpo trasparente del piano inferiore con le zone giorno aperte. Una leggerezza che si rifletteanche nella spaziosità e apertura degli interni: le aperture al piano inferiore consentono la visionesenza impedimenti fra le zone soggiorno, cucina e sala da pranzo, suddivise solo da dislivelli. Leterrazze sul lato est-ovest della casa estendono le aree abitabili all’esterno. La linearità minimalisti-ca dell’architettura trova corrispondenza anche nell’impianto illuminotecnico, realizzato in granparte con faretti a scomparsa incassati nei soffitti a distanze regolari e completato nelle singolearee giorno da plafoniere per controsoffitto.

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PROJECTPRIVATE RESIDENCE, MORAVCI

LIVINGArchitect: Bojan Lebar, LjubljanaPhotos: Bogdan Zupan, Ljubljana

XALSTILO Pendelleuchte MITO EinbauleuchteFRAME 30 Einbauprofil

STILO Suspended luminaireMITO Recessed luminaire FRAME 30 Recessed light profile

STILO Apparecchio a sospensioneMITO Apparecchio da incassoFRAME 30 Sistema luminoso a profilo


MITO 150 EinbauleuchteSTRAIGHT Strahler und Stromschiene VAGA Wandleuchte

MITO 150 RECESSED luminaireSTRAIGHT Track light and track VAGA Wall luminaire

MITO 150 Apparecchio da incassoSTRAIGHT Faretto e binario elettrificatoVAGA Apparecchio da parete

PROJECTKNILLI MEN'S FASHION, GRAZ

Der Name Knilli zählt seit beinahe siebzig Jahren zu den exklusivsten Adressen für anspruchsvolleHerrenmode in Graz: ein Unternehmen, das jahrzehntelange Tradition mit neuesten internationalen Mode-trends zu vereinen versteht: Maßanzüge und zeitlose, edle Klassiker sind bei Knilli ebenso zu Hause wiehippe Designer-Labels, getreu dem Motto des Hauses, dass Mode ein facettenreiches Spiegelbild derPersönlichkeit darstellen soll, in einer ausgewogenen Balance zwischen Individualität und Aktualität. Ineinem ähnlich anspruchsvollen Spannungsfeld, zwischen der Tradition des Standorts mitten in der Alt-stadt von Graz und der Präsentation der neuesten Kollektionen der Fashion-Szene, stand auch die Neu-gestaltung der Herrenmode-Verkaufsräume von Knilli. Innenarchitekt Klaus Gamon stand vor der Heraus-forderung, dem Shop einerseits einen jungen und modernen Auftritt zu verleihen, das Shop-Konzept aberin Abstimmung mit und passend zur vorhandenen alten Bausubstanz zu gestalten. Gamon setzte auf einKonzept von eleganter Zurückhaltung, auf weitläufige, helle Wand- und Bodenflächen, die von modernenFormen und einzelnen Farbflächen gezielt akzentuiert werden. Purpurfarbene, indirekt hinterleuchteteWandpaneele sorgen für visuelle Spannung, die kantigen, futuristischen Formen von Bar und Lounge-Sitz-möbeln betonen zusätzlich den Anspruch der Modernität in den klassischen Altbauräumen mit den hohenBogenfenstern. Vor allem der Bar und der Lounge-Zone wurde im Rahmen der Neugestaltung besondereAufmerksamkeit geschenkt: Mode, so die Philosophie von Knilli, ist nicht zuletzt auch ein Erlebnis, beidem entspannte Kommunikation eine besondere Rolle spielt - manche Entscheidungen fallen eben beieinem Drink oder einem Espresso einfach leichter.

The name of Knilli has been one of the most exclusive addresses for attractive men's fashion inGraz for almost seventy years: a company that has understood how to combine decades-old traditionwith the latest international fashion trends: made-to-measure suits and timeless, noble classics are justas much at home at Knilli as hip designer labels, true to the company's motto that fashion should repre-sent a versatile reflection of the personality, in a perfect balance between individuality and up-to-the-minute style. The redesign of the men's fashion sales rooms at Knilli was also done in a similarly deman-ding area of tension between the tradition of the location in the heart of the Old Town of Graz and thepresentation of the latest collections from the fashion scene. Interior architect Klaus Gamon faced thechallenge of giving the shop a young and modern appearance, while at the same time designing the

shop concept in coordination with and suitable for the existing old building. Gamon went for a conceptof elegant reserve, for extensive, light walls and floors, which are deliberately accentuated with modernforms and individually coloured surfaces. Purple-coloured, indirectly backlit wall panels provide visualtensions, the angular, futuristic forms of the bar and lounge seating additionally emphasise the claim ofmodernity in the classical rooms of the old building with its tall arched windows. Above all, the bar andlounge zone was paid particular attention during the redesign: Fashion, according to the Knilli philoso-phy, is ultimately an experience in which relaxed communication plays an important role - some decisi-ons are simply easier to make over a drink or an espresso.

Da quasi settant’anni il nome Knilli è uno degli indirizzi più esclusivi per la moda maschile elegan-te a Graz: una ditta che sa coniugare una tradizione decennale con la moda di tendenza internaziona-le: Knilli offre vestiti sartoriali e capi classici raffinati e senza tempo insieme alle griffe di moda più tren-dy, fedele al motto della casa secondo cui la moda deve essere lo specchio variegato della personalitàdi chi la indossa, sempre in equilibrio fra individualità e attualità. Nel confronto dialettico fra il tradizio-nalismo della sede occupata dalla ditta nel cuore della città vecchia di Graz e la presentazione dellecollezioni di moda più attuali, si è inserita con ambizioni analoghe anche la ristrutturazione dei locali divendita di moda maschile di Knilli. La sfida che l’architetto Klaus Gamon, specialista di architetturad’interni, si è trovato di fronte è stata l’esigenza di dare al negozio un aspetto giovane e moderno, rea-lizzando allo stesso tempo un progetto in grado di armonizzarsi e di conciliarsi con la vecchia strutturapreesistente. Gamon ha optato per un progetto improntato ad un’elegante discrezione, puntando susuperfici ampie e chiare sia per i pavimenti che per le pareti, con il contrappunto mirato di formemoderne e singole superfici colorate. Pannelli color porpora, retroilluminati da fonti luminose indirette,inseriscono un elemento visivo catalizzatore, mentre le forme futuristiche spigolose dei mobili del bare dell’area lounge sottolineano l’esigenza di inserire un tocco di modernità negli ambienti classici delvecchio edificio con le alte finestre ad arco. Particolare attenzione nell’ambito della ristrutturazione èstata rivolta soprattutto al bar e alla zona lounge: in fondo la moda, secondo la filosofia di Knilli, èanche un’esperienza, in cui gioca un ruolo importante la possibilità di comunicare piacevolmente congli altri - certe decisioni si prendono più facilmente tra due chiacchiere e un caffè.

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MEN'S WORLDArchitect: Klaus Gamon, IN FORM, RankweilPhotos: Paul Ott, Graz

„Unsere Kunden sind die wichtigsten Erfolgsfaktoren unseres Unternehmens“, so Lloyd Martin,Geschäftsführer der Lloyd Martin Lighting Ltd. mit Sitz in Uxbridge, einem Außenbezirk etwa 24 kmwestlich des Londoner Ballungsraums mit seinen insgesamt 7,5 Millionen Einwohnern. „Deshalb glau-ben wir nicht nur an die absolute Notwendigkeit, die Bedürfnisse unserer Kunden voll und ganz zu ver-stehen, sondern auch an die Möglichkeit, ihre Erwartungen ständig übertreffen zu können. Wir glaubenan Spitzenleistungen ausgehend von den Menschen selbst; aus diesem Grund investieren wir regel-mäßig einen nicht unwesentlichen Teil unseres Gewinns in Maßnahmen zur Personalentwicklung und -unterstützung“.

Dank der Erfahrungen seiner mehr als 20-jährigen Tätigkeit in der britischen Beleuchtungsbranche istsich Lloyd Martin der Notwendigkeit bewusst, in diesem hart umkämpften Geschäft kontinuierlich inhöchste Qualitätsstandards und Innovation zu investieren: „Unser Erfolgsrezept ist im Grunde genom-men kein Geheimnis“, erklärt Martin. „Unsere Hauptstrategie besteht darin, innovative Produkte undProjekte anbieten zu können, die technische Lösungen und Service-Leistungen auf höchstem Niveaugewährleisten. Wir arbeiten kontinuierlich an der Optimierung unserer Produkte und Dienstleistungen,damit unsere Kunden herausragende Technologie und innovative Designlösungen erhalten, entspre-chend ihres geplanten Budgets.“ Das 2002 gegründete Unternehmen Lloyd Martin Lighting Ltd. ist heu-te einer der Hauptanbieter Großbritanniens im Bereich der Lichtsysteme für gewerbliche Architektursowie ein Vorreiterunternehmen bei der Bereitstellung von Beleuchtungslösungen für den alltäglichenBedarf.

In den letzten Jahren hat das Unternehmen Lloyd Martin Lighting Ltd. seine Strategien als Top-Anbieterweiter ausgebaut, äußerst wettbewerbsfähige Produktpreise festgelegt und im September 2005Geschäftsbeziehungen zu XAL aufgenommen. „Dank der Vertriebsvereinbarung mit XAL konnte sichdie Marke auf nationaler Ebene durchsetzen, wodurch die Verkaufszahlen der XAL-Produkte im gesam-ten Vereinigten Königreich deutlich gestiegen sind“, kommentiert Lloyd Martin den von beiden Unter-nehmen erzielten Erfolg. Das nächste Kapitel dieser Erfolgsgeschichte beginnt in Kürze mit der Entste-hung eines neuen Standorts, denn derzeit laufen die Vorbereitungen zur Schaffung des geplanten Sho-wrooms von Lloyd Martin Lighting und XAL in Großbritannien: Der neue Sitz in Farringdon, im Herzendes Londoner Gewerbegebiets, befindet sich in praktischer Nähe zu den Büros der namhaftestenArchitekten, Lichtplanern und Raumdesignern des Königreichs.

„We believe our customers are the most important factors and assets of our business“, says LloydMartin, Managing Director of Lloyd Martin Lighting Ltd. in Uxbridge, a suburb situated about 24 km westfrom the centre of the megalopolios of Greater London, with its 7.5 million inhabitants. „We do not onlybelieve in the absolute need to fully understand our customers’ needs but also to constantly meet andsurpass their expectations. We believe in excellence through people - this is why we regularly invest aconsiderable amount of our annual profits into staff development and support.“

With over 20 years of experience in the UK lighting industry, Lloyd Martin knows about the constantneed for uncompromising quality and innovation in a most competitive business: „The ingredients forour success are no secret“, he says. ”Our key strategy is to be able to deliver innovative products and

design services providing outstanding technical solutions and support. We are continually working onimproving our products and services to ensure our clients receive outstanding technical excellenceand innovative design solutions within their intended budgets.“ Founded in 2002, Lloyd MartinLighting Ltd. today is one of Britain’s leading suppliers of commercial architectural lighting productsand a pioneer in providing lighting solutions for everyday purposes.

In recent years, Lloyd Martin Lighting Ltd. further expanded its strategy as a supplier of high quality andcompetitively priced products and established business relations with XAL in September 2005. „Ourdistributor agreement with XAL has enabled us to establish the brand nationally and as such hasincreased sales of XAL products in the UK significantly,“ says Lloyd Martin about the mutual successstory that is soon to be continued at a new location: currently, he is working towards setting up the newUK showroom for Lloyd Martin Lighting and XAL located in Farringdon - at the heart of London’s com-mercial district and close to the majority of the UK’s most influential architects, lighting and interiordesigners.

“Crediamo che i nostri clienti rappresentino i beni e i fattori più importanti nella nostra attività”, affer-ma Lloyd Martin, Amministratore Delegato di Lloyd Martin Lighting Ltd. di Uxbridge, una zona perifericasituata circa 24 km a ovest del centro della Greater London, megalopoli di 7,5 milioni di abitanti. “Non solocrediamo nell’assoluta necessità di comprendere a pieno le necessità dei nostri clienti, ma anche nellapossibilità di soddisfare e superare costantemente le loro aspettative. Crediamo nell’eccellenza che nascedalle persone; per questo motivo investiamo regolarmente una parte considerevole dei nostri guadagniannui nelle attività di sviluppo e supporto del personale“.

Con oltre 20 anni di esperienza alle spalle nel Regno Unito nel campo dell’illuminazione, Lloyd Martin èconsapevole della necessità costante e imprescindibile di investire in qualità e innovazione in quello che èun settore altamente competitivo: “Gli ingredienti del nostro successo non sono un segreto”, afferma. “Lanostra principale strategia è essere in grado di fornire prodotti innovativi e progetti che offrono soluzionitecniche e assistenza di altissimo livello. Lavoriamo continuamente al miglioramento dei nostri prodotti eservizi affinché ai nostri clienti siano garantite eccellenza tecnica e soluzioni progettuali innovative, nei limi-ti di budget attesi”. Fondata nel 2002, la Lloyd Martin Lighting Ltd. è oggi uno dei principali fornitori britan-nici di prodotti per l’illuminazione destinati all’architettura commerciale e un’azienda pioniera nella fornituradi soluzioni di illuminazione di uso quotidiano.

Negli ultimi anni Lloyd Martin Lighting Ltd. ha ulteriormente ampliato le sue strategie come fornitore di altaqualità, definito prezzi di prodotti altamente competitivi e stretto rapporti commerciali con XAL a settem-bre 2005. “Il nostro accordo di distribuzione con XAL ci ha consentito di affermare il marchio su scalanazionale, nonché di aumentare in modo significativo le vendite dei prodotti XAL nel Regno Unito“, affer-ma Lloyd Martin parlando del successo ottenuto da entrambe le società, che presto proseguirà con lanascita di una nuova sede; infatti sta attualmente lavorando alla creazione del nuovo showroom nel RegnoUnito di Martin Lighting e XAL che sarà ubicato a Farringdon, nel cuore del quartiere commerciale londi-nese e vicino alla maggior parte degli studi di architetti, progettisti di impianti di illuminazione e designer diinterni più prestigiosi dell’isola.

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NETWORKPARTNERS LIGHTLAB / PORTUGALLLOYD MARTIN LIGHTING / ENGLAND

XALNETWORK

LONDON, ENGLAND

LLOYD MARTIN LIGHTING LTD.

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LISBON, PORTUGAL

LIGHTLAB Als Hafenstadt mit jahrhundertealter Tradition steht Lissabon als internationale wirtschaftliche

Drehscheibe seit jeher für Weltoffenheit und kulturelle Vielfalt. Mit dem EU-Beitritt Mitte der achtzi-ger Jahre machte sich auch eine neue Design- und Architektur-Dynamik in Portugal bemerkbar, dieu.a. moderne Klassiker wie das Museu Serralves in Porto oder das Expo-Gelände und den U-Bahnhof Oriente in Lissabon hervorbrachte. Als junge Vertreter dieses internationalen Architektur-und Stilbewusstseins in Portugal gründeten auch Carlos Duarte und João Marques im September2004 ihr Unternehmen Lightlab.

Nach einer achtjährigen Karriere als Kooperationspartner eines führenden internationalen Lichtde-sign-Unternehmens beschloss Carlos Duarte gemeinsam mit seinem damaligen Kunden João Mar-ques, den Sprung in die Selbständigkeit zu wagen. Nach einer gründlichen Research-Phase, in derdie beiden die aktuellen Gegebenheiten des portugiesischen Lichtdesign-Marktes eingehenderforschten, machten sie sich daran, ein junges, dynamisches Team zusammenzustellen, das künf-tig in Portugal für neue Impulse sorgen sollte.

Ihre Suche nach innovativen Produkten, die ihren hohen Ansprüchen an konsequentes Design,architektonische Kompetenz und einfache Anwendbarkeit entsprachen, führte sie schließlich auchin das Grazer Headquarter von XAL. Ein Besuch, der sie als künftige XAL-Partner in Portugal nichtnur von der Qualität, sondern auch von der hohen Flexibilität und technologischen Überlegenheitder XAL Product-Range restlos überzeugte. In ihrer Arbeit verstehen sich Lightlab - ganz ihrerNamensgebung gemäß - als Lichtlabor, das nicht allein den Vertrieb innovativen Lichtdesigns inden Mittelpunkt seiner Leistungen stellt, sondern vor allem auch als innovatives Lichtplanungs-Unternehmen und als kompetente Schnittstelle zwischen Architekten, Baufirmen, Lichtdesignern,Lichttechnikern und Kunden fungiert.

„Wir verstehen uns einerseits als Geschäftspartner für anspruchsvolles Lichtdesign, ebenso aller-dings auch als Kreative und als Lichtdesign-Projektmanager, die stets die maximale Nähe zum Ver-lauf eines Projekts suchen, von der Präsentation über die Kalkulation und Auswahl geeigneter Pro-dukte bis zur Koordination der Installation“, sagen die beiden Betreiber von Lightlab. Ein ebensoambitioniertes wie umfangreiches Leistungsspektrum, das Lightlab in den zweieinhalb Jahren sei-nes Bestehens bereits eine Vielfalt an anspruchsvollen Projekt-Realisierungen eingetragen hat:Bankfilialen und Shops in Lissabon tragen heute genauso die Lichtdesign-Handschrift von Lightlabwie Auto-Showrooms, Zahnarzt-Ordinationen, Fernsehstationen, Privatvillas, Universitäten, Biblio-theken, Büros oder trendige Restaurants.

As a harbour city with a centuries old tradition, Lisbon is an international hub that has repre-sented openness to the world and cultural diversity from the very beginning. With accession to theEU in the mid-1980s came a new dynamism in design and architecture in Portugal, which amongstother things gave rise to modern classics such as the Museu Serralves in Porto, or the Expo siteand Oriente metro station in Lisbon. As young representatives of this Portuguese awareness ofstyle and architecture, Carlos Duarte and João Marques founded their company Lightlab in Sep-tember 2004.

After an eight-year career as the joint venture partner of a leading international lighting designcompany, Carlos Duarte decided to take the leap into independence with his customer of the time,João Marques. After a thorough research phase, in which the two of them intensively researchedthe current conditions of the Portuguese lighting design market, they set about assembling ayoung, dynamic team that in future was to provide new impulses in Portugal.

Their search for innovative products that met their strict requirements for consistent design, archi-tectural competence and simple use finally led them to the headquarters of XAL in Graz. It was avisit that fully convinced them, as future XAL partner in Portugal, not only of the quality, but also ofthe high level of flexibility and technological superiority of the XAL product range. In its work,Lightlab – as its name suggests – sees itself as a lighting laboratory that not only places the distri-bution of innovative lighting designs at the heart of its services, but above all also acts as an inno-vative lighting planning company and a competent interface between architects, constructionfirms, lighting designers, lighting technicians and customers.

“On the one hand we see ourselves as business partners for attractive lighting design, but also ascreators and as lighting design project managers, who are constantly searching for maximum clo-seness to the course of a project, from the presentation, to the calculation and selection of suita-ble products, to coordinating the installation,” say the two operators of Lightlab. An equally ambi-tious and comprehensive spectrum of services which Lightlab has introduced to numerous attractiveprojects in the two and a half years of its existence: bank offices and shops in Lisbon today bearexactly the same lighting design signature of Lightlab as car showrooms, dentists’ surgeries, tele-vision stations, private villas, universities, libraries, offices and trendy restaurants.

Come città portuale che vanta una tradizione secolare, Lisbona nella sua qualità di fulcro eco-nomico internazionale garantisce da sempre ricchezza multiculturale e apertura verso il mondo.Con l’ingresso nella UE verso la metà degli anni Ottanta, in Portogallo si è messo in luce anche unnuovo dinamismo nel campo dell’architettura e del design, che ha prodotto fra l’altro capolavori diarchitettura moderna come il Museu Serralves di Porto o l’edificio dell’Expo e la stazione dellametropolitana Oriente di Lisbona. Come giovani rappresentanti di questa tendenza stilistica earchitettonica internazionale affermatasi in Portogallo, anche Carlos Duarte e João Marques fon-darono nel settembre 2004 la loro azienda Lightlab.

Dopo una carriera di otto anni come collaboratore di un’importante azienda illuminotecnica inter-nazionale, Carlos Duarte decise insieme al suo ex cliente João Marques di osare il salto, sceglien-do di mettersi in proprio. Dopo un’intensa fase di “studio”, trascorsa indagando la situazioneattuale del mercato portoghese nel settore illuminotecnico, i due cominciarono a mettere insiemeun team giovane e dinamico, che in futuro avrebbe dovuto generare nuovi impulsi in Portogallo.

La loro ricerca di prodotti innovativi all’altezza delle loro forti esigenze di coerenza stilistica, com-petenza architettonica e semplicità di utilizzo, alla fine li fece approdare anche al quartier generaledi XAL a Graz. Una visita che come futuri partner XAL in Portogallo li convinse completamente nonsolo della qualità, ma anche dell’elevata flessibilità e superiorità tecnologica della gamma di pro-dotti XAL. A conferma del suo nome, il Lightlab si pone nel suo lavoro come un laboratorio dellaluce. Un laboratorio che al centro della sua attività non mette solo la distribuzione di design illumi-notecnico innovativo, ma che interpreta il suo ruolo soprattutto come azienda di progettazione illu-minotecnica innovativa, in grado di fungere da interfaccia competente fra architetti, imprese dicostruzioni, progettisti dell’illuminazione, impiantisti e clienti.

“Da un lato” -affermano i due gestori di Lightlab – “operiamo come partner commerciali nel settoredel design illuminotecnico d’alta fascia, dall’altro ci comportiamo come creativi e come projektmanager illuminotecnici che cercano sempre di seguire da vicino tutte le fasi di un progetto, dallasua presentazione alla fase dei computi e della selezione dei prodotti più adatti fino al coordina-mento dell'installazione”. Una gamma di servizi tanto ambiziosa quanto ampia che nei due anni emezzo dalla sua nascita ha già fruttato al Lightlab una serie notevole di realizzazioni di progettiimportanti: oggi a Lisbona filiali di banche e negozi recano nel loro design illuminotecnico la firmadi Lightlab, per non parlare dei saloni di automobili, ambulatori dentistici, stazioni televisive, villeprivate, università, biblioteche, uffici o ristoranti di tendenza.

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COMBO-ART

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PRODUCT NEWS

Eine Variation zum Thema Minimalismus und Ornament. Die klare, geometrische Form des Leuch-tenprofils aus Aluminium und die ausgewogene direkte/indirekte Lichtverteilung macht die LIN-Serie vonXAL zur universell einsetzbaren Wandleuchte für eine Vielzahl von Anwendungen und Lichtsituationen.Und mit der werkzeuglos montierbaren Dekorabdeckung in 6 Varianten wird LIN in Sekundenschnellezum dekorativen und nicht minder universell einsetzbaren Leuchtenobjekt LIN-ART.

A variation on the topic of minimalism and ornamentation. The clear, geometrical form of thelighting profile made from aluminium and the balanced distribution of direct/indirect light makes the LINrange from XAL a universal wall luminaire for a whole range of applications and lighting situations. And

with six variants of the decorative cover (no tools needed!), LIN becomes the decorative and equallyuniversal lighting object LIN-ART in a matter of seconds.

Una variazione sul tema del minimalismo e del decorativismo. La forma geometrica pulita di questalampada in profilato di alluminio e la ripartizione equilibrata fra luce diretta e indiretta fa della serie LIN diXAL la lampada applique d’impiego universale per numerose applicazioni e situazioni d’illuminazione. Inol-tre, con la copertura decorativa montabile senza attrezzi, disponibile in 6 varianti, LIN si trasforma in unattimo nell’oggetto luminoso decorativo LIN-ART, senza per questo limitare la sua possibilità di utilizzouniversale.

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Bisher einfarbig erhältlich, erweitert sich auch die COMBO-Serie von XAL um eine Variante mitdekorativen ornamentartigen Mustern. Der Leuchtenkörper aus natur eloxiertem Aluminiumprofil tritt, inDecken von 2-25mm versenkt, unsichtbar in den Hintergrund. Hinter der satinierten Acryl-Abdeckungsorgt allerdings modernste Lichttechnologie für eine Vielzahl an Ausleuchtungs- und Lichtstimmungs-Varianten: Die Strahler von COMBO sind jeweils um 355° dreh- und 45° schwenkbar, eine Auswahl vonFarbfiltern, Linsen und Wabenrastern als Zubehör ermöglicht weitere Variabilität der Lichteffekte. Und inder RGB-LED-Variante ermöglicht COMBO effektvolle, dynamische Farbwechsel, programmierbar z.B.über die blueXAL-Bus-Schnittstelle.

Previously only available in one colour, the COMBO range from XAL now has a variant with deco-rative, ornamental patterns. The luminaire body made from a naturally eloxided aluminium profilesteps invisibly into the background when sunk into ceilings with a depth of 2 to 25 mm. However,behind the satinised acrylic cover, the very latest in lighting technology provides numerous variants of

illumination and lighting mood: The COMBO light units can each be rotated by 355° and pivoted by45°, while accessories in the form of a selection of colour filters, lenses and honeycomb rasters enablefurther variation of the lighting effects. And in the RGB-LED variant, COMBO enables effective, dyna-mic colour changes, programmable via, for example, the blueXAL bus interface.

Disponibile finora in versione monocolore, anche la serie COMBO di XAL si amplia con una versionearricchita da fantasie decorative e motivi ornamentali. La lampada in profilato di alluminio anodizzato natu-rale, incassata in soffitti di 2-25 mm, si ritira invisibile in secondo piano. Tuttavia, dietro la copertura satina-ta in acrilico, una tecnologia modernissima offre numerose possibilità di variare illuminazione e atmosfereluminose: i faretti di COMBO sono girevoli di 355° e orientabili di 45°, un assortimento di filtri colorati, lentie griglie a nido d’ape, disponibili come accessori, consentono di variare ulteriormente gli effetti luminosi.Inoltre, nella versione a LED RGB, COMBO permette cambi di colore dinamici, di grande effetto, pro-grammabili per es. mediante l’interfaccia bus blueXAL.

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LIN-ART

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Klarer Minimalismus und dekorative Ornamentik? Für PICTOzwei Gegensätze, die durchaus vereinbar sind. Der schlichte, weißlackierte Leuchtenkörper aus Aluminium ist durch seine randloseIntegrierbarkeit in Gipskartonwände (10 - 25mm Wandstärke) nahe-zu unsichtbar. Die werkzeuglos montierbare Dekorabdeckung machtPICTO wiederum zum markanten Blickfang – und sorgt in 7 Varian-ten für Vielfalt und Abwechslung.

Clear minimalism and decorative ornamentation? For PICTO,these are two opposites that actually combine perfectly. The sim-ple, white-painted luminaire body made from aluminium is virtuallyinvisible, thanks to its rimless integration into plasterboard walls(10 – 25 mm wall thickness). In turn, the decorative cover, whichcan be installed without the need for tools, makes PICTO a realeye-catcher – available in 7 varieties for diversity and alternatives.

Minimalismo essenziale e decorativismo ornamentale? Per PIC-TO due filosofie opposte assolutamente conciliabili tra loro. La sobrialampada di alluminio verniciato di bianco è quasi invisibile grazie almontaggio a scomparsa in pareti di cartongesso (spessore 10–25mm). D’altro canto la copertura ornamentale montabile senza attrezzifa di PICTO un forte elemento di richiamo, offrendo anche possibilitàdi variazione e diversificazione con le sue 7 varianti.

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TOP 3

BEST OFOBLIVION

by Dark / Arne Quinze (BE)www.dark.bewww.quinzeandmilan.tv

HEAT WAVEby Joris Laarman (NL)www.droogdesign.nl

DEERby Moroso / Arne Quinze (IT/BE)www.moroso.it

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Die Welt des Phantastischen, Futuristischen ist die Welt des belgischen Stardesigners Arne Quinze. Oftwirken seine Kunststoffmöbel und Objekte wie aus einem psychedelischen Science-Fiction-Film entlehnt,erweisen sich bei näherem Besehen - oder auch intensiverem Benutzen - allerdings als hoch funktionelleund bis ins letzte Detail durchdachte Gebrauchsgegenstände, meist mit überraschenden und anspruchsvol-len Konzeptideen im Hintergrund. Sein ironisch „Oblivion“ („Vergessen“) betiteltes Lichtobjekt, das ArneQuinze für das belgische Lichtdesign-Unternehmen Dark entwarf, bildet hier keine Ausnahme: „Oblivion“, soformuliert Quinze selbst, stammt aus einem von Trollen, Elfen, Einhörnern und anderen Fabelwesen bevöl-kerten Kosmos. Das komplexe, organische 3D-Design des Lichtobjekts entstand allerdings nicht etwa amComputer, sondern nach alter Handwerkstradition, aus einem 1:1-Modell, das Quinze dann in eine Pres-sform umwandelte. „Oblivion“, so sagt Quinze, „erzählt in gewisser Weise eine vergessene Geschichte undbewahrt sie so vor dem Vergessen: die Geschichte eines manuellen, handwerklichen Prozesses, wie er überlange Zeit den heutigen industriellen Prozessen vorausging. Die Geschichte dieses manuellen Prozesses istin ‚Oblivion’ und in seiner außergewöhnlichen Form in vieler Hinsicht präsent.“ Unter der schlichten weißenOberfläche von „Oblivion“ verbirgt sich hochkarätige Lichttechnologie: Das 1,8 Meter lange Lichtobjekt istdimmbar und kann über einfaches Auswechseln des Farbfilters seine Farbe wechseln und den unterschied-lichsten Umgebungen angepasst werden. So ist „Oblivion“ in Restaurants, Bars, Clubs, Hotels und öffentli-chen Zonen ebenso universell zu Hause wie in privaten Wohnumgebungen. In Gruppen oder auch in Reihengehängt, wirkt „Oblivion“ wie ein Schwarm rätselhaft leuchtender, im Raum schwebender Flugtiere, alsBodenleuchte wie ein geheimnisvolles Rudel lautlos ihre Umgebung erobernder Fabelwesen - ein Design,das Quinze selbst ebenso selbstironisch wie selbstbewusst als „einzigartigen und Epoche machenden Ent-wurf in der Geschichte des Lichtdesigns“ bezeichnet.

The world of the fantastic and the futuristic is the world of top Belgian designer Arne Quinze. His plasticfurniture and objects often seem as if they have been derived from a psychedelic science fiction film, but oncloser inspection – or even during intensive use – prove themselves to be highly functional commoditiesconsidered down to the very last details, mostly with surprising and sophisticated conceptual ideas workingin the background. His ironic lighting object entitled “Oblivion”, which Arne Quinze designed for Belgianlighting design company Dark, is no exception to this: “Oblivion”, as Quinze himself says, comes from a cos-mos populated by trolls, elves, unicorns and other mythical creatures. However, the complex, organic 3Ddesign of the light did not originate on the computer, but in old handicraft tradition from a 1:1 scale modelwhich Quinze then converted into a press mould. “Oblivion,” so says Quinze, “in a certain way creates a for-gotten history and in this way protects it against oblivion: the history of a manual, craftsmanlike process as it

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D was practised long before today’s industrial processes came into being. This history of this manual processis present in many aspects in “Oblivion” and in its extraordinary shape.” Beneath the plain white surface of“Oblivion” hides top quality lighting technology: the 1.8 metre long lighting object is dimmable and canchange its colour to suit a wide range of environments by simply swapping the colour filter. This makes“Oblivion” as universally at home in restaurants, bars, clubs, hotels and public areas as it is in private livingenvironments. Hung in groups, or even in rows, “Oblivion” works like a swarm of enigmatically illuminatingflying beasts floating in the room, as floor lights like a secretive pack of mythical creatures silently conque-ring their environment – a design that Quinze himself describes both self-ironically and self-consciously as a“unique and epoch-making design in the history of lighting design”.

Il mondo del fantastico e del futuristico è il mondo del designer belga di fama mondiale Arne Quin-ze. Spesso i suoi mobili e oggetti realizzati con materiali plastici sembrano presi in prestito da un filmpsichedelico di fantascienza, ma osservandoli da vicino – o magari usandoli quotidianamente – notere-mo che in realtà si tratta di oggetti d’uso estremamente funzionali, studiati fin nei minimi particolari, sca-turiti per lo più da intuizioni concettualmente sorprendenti e raffinate. Non fa eccezione nemmeno il suooggetto luminoso, ironicamente intitolato “Oblivion” (“Oblio”), che Arne Quinze ha disegnato per l’azien-da belga di progettazione illuminotecnica di lampade Dark: “Oblivion” – come afferma lo stesso Quinze -deriva da un cosmo popolato di folletti, elfi, unicorni e altre creature favolose. Il complesso disegno tridi-mensionale organico del corpo luminoso non è nato però al computer, ma, secondo la metodologia arti-gianale tradizionale, da un modellino a grandezza naturale che Quinze poi ha trasformato in uno stampo.“Oblivion”, sostiene Quinze, “racconta in un certo senso una storia dimenticata, salvandola così dall’ob-lio: la storia di un processo manuale, artigianale, come quello che ha preceduto per lungo tempo i pro-cessi industriali odierni. La storia di questo processo manuale è presente per molti versi in ‘Oblivion’ enella sua forma fuori del comune.” Sotto la sobria superficie bianca di “Oblivion” si cela una tecnologiadell’illuminazione molto sofisticata: l’oggetto luminoso, lungo 1,8 metri, è modulabile con dimmer e puòcambiare colore, con la semplice sostituzione del filtro colorato, per adattarsi agli ambienti più diversi.“Oblivion” infatti può essere usato universalmente sia in ristoranti, bar, club, alberghi e spazi pubblici, siain abitazioni private. Appeso in gruppi o anche a file, “Oblivion” richiama l’idea di uno sciame di animalialati, inspiegabilmente luminosi che si librano nello spazio, oppure, come lampada da terra, un brancomisterioso di creature favolose che conquistano silenziose l’ambiente - un design, che Quinze stesso,con un pizzico di autoironia ma sicuro di sé, definisce come un “progetto unico, destinato a fare epocanella storia del design illuminotecnico”.

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XENON ARCHITECTURAL LIGHTING Magazine 11

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BIZARRE LIGHTINGOBLIVION

by Dark / Arne Quinze (BE)

BAROQUE HEATING


FRACTAL SEATINGDEER

by Moroso / Arne Quinze (IT/BE)HEAT WAVE

by Joris Laarman (NL)

Mit „Heat Wave“ ist dem niederländischen Designer Joris Laarman die perfekte Verbindungdes scheinbar Widersprüchlichen gelungen: Auf der Suche nach einem Heizkörper-Konzept mitmöglichst großer Oberfläche zur optimalen Wärmeabstrahlung stieß Laarman nicht etwa aufmodern-puristische Formen, sondern auf eine scheinbar unfunktionelle, rein dekorativeFormensprache, die auf Vorbildern des Rokoko und des Barock basiert. „Funktionalität und Poesieder Formgebung müssen einander keineswegs ausschließen“, argumentiert Laarman, „Nüchternheitund Minimalismus sind nicht zwangsläufig funktioneller als eine durch und durch dekorative Form.Übertriebener Funktionalismus versündigt sich sogar unter Umständen am guten Stil.“ Das Resultatvon Laarmans Überlegungen: die verschlungenen, verschnörkelten Wärmeschlangen von „HeatWave“ bieten nicht nur optisch einen einzigartigen Blickfang, sie erfüllen auch in funktionellerHinsicht sämtliche Anforderungen an einen zeitgemäßen Heizkörper. Mit seiner zunächst nur alsexperimenteller Denkanstoß im Rahmen seiner Diplomarbeit gedachten Verabschiedung vom purenHeizkörper-Funktionalismus erntete Laarman nicht nur auf Anhieb große internationaleMedienbegeisterung, sondern auch beinahe auf Anhieb den Auftrag für ein Serienprodukt: das fürebenso clevere wie alltagstaugliche Design-Experimente bekannte niederländische Label DroogDesign nahm zunächst eine strombetriebene Variante in ihre Kollektion auf, demnächst wird es„Heat Wave“ auch als Heißwasserradiator geben. „Heat Wave“ ist als modulares System konzipiert,das mit einer ungewöhnlichen, „Polyconcrete“ getauften Werkstoff-Kombination (Beton undAluminium, verstärkt mit Glasfiber) für optimale Wärmeleitung sorgt. „Heat Wave“ besteht aus vierBasismodulen mit einer Leistung von je 200 Watt, die nach einem einfachen Baukastensystem inGruppen von 1,2,4 oder 6 Elementen beliebig untereinander kombinierbar sind. Die Heißwasser-Radiator-Version von „Heat Wave“ soll ab Frühjahr 2007 erhältlich sein.

With “Heat Wave”, Dutch designer Joris Laarman has succeeded in creating the perfect com-bination of the apparently contradictory: On the search for a radiator design with the largest possi-ble surface area for optimal heat radiation, Laarman came across not modern-puristic forms, but anapparently non-functional, purely decorative expression of form based on models of the Rococoand Baroque periods. “The functionality and poetry of design must in no way exclude each other,”argues Laarman. “Modesty and minimalism are not inevitably more functional than a purely decora-tive form. In some circumstances, excessive functionalism is even a sin against good style.” Theresult of Laarman’s considerations: the entwined, ornate heating snakes of “Heat Wave” not onlyoffer a unique eye-catcher, but also functionally fulfil all the requirements placed on a contemporaryradiator. With his departure from pure radiator functionalism, initially intended only as an experimen-tal thought in his dissertation, Laarman not only immediately reaped large international mediaenthusiasm, but almost instantly an order for a series product: Dutch label Droog Design, known forits clever yet everyday design experiments, initially included an electrically operated variant in itscollection; “Heat Wave” will later also be available as a hot water radiator. “Heat Wave” is designedas a modular system which ensures the ideal channelling of heat with an unusual combination ofmaterials dubbed “polyconcrete” (concrete and aluminium, reinforced with fibreglass). “Heat Wave”comprises four basic modules each with a capacity of 200 W, which can be combined with eachother in a simple modular system in groups of 1, 2, 4 or 6 elements. The hot water radiator versionof “Heat Wave” should be available from spring 2007.

Con “Heat Wave” il designer olandese Joris Laarman è riuscito nell’impresa di conciliare perfet-tamente ciò che apparentemente è inconciliabile: alla ricerca di un’idea per disegnare un termosifonedi ampia superficie per un’irradiazione ottimale del calore, Laarman, invece di approdare a formepuristiche moderne, ha trovato un linguaggio formale puramente decorativo, in apparenza poco fun-zionale, che s’ispira al Rococò e al Barocco. “La funzionalità e la poesia della forma non devonoassolutamente escludersi l’un l’altra”, sostiene Laarman, “sobrietà e minimalismo non sono necessa-riamente più funzionali di una forma in tutto e per tutto decorativa. Il funzionalismo esagerato, indeterminate circostanze, fa addirittura male al buon gusto.” Il risultato delle riflessioni di Laarman? Leserpentine termiche intrecciate e piene di svolazzi di “Heat Wave” sono un richiamo visivo straordi-nario dal punto di vista estetico, ma allo stesso tempo soddisfano, sotto l’aspetto funzionale, tutti irequisiti di un termosifone moderno. Staccandosi dal mero funzionalismo del termosifone, inizialmen-te solo come spunto di riflessione sperimentale nell’ambito della sua tesi di laurea, Laarman si è gua-dagnato immediatamente non solo l’entusiasmo dei media internazionali, ma anche, quasi al primocolpo, l’incarico di progettare un articolo da produrre in serie: il marchio olandese Droog Design,noto per i suoi esperimenti di design tanto intelligenti quanto utili nell’uso quotidiano, ha inserito inun primo tempo nella sua collezione una versione a corrente elettrica, prossimamente “Heat Wave”sarà disponibile anche come radiatore ad acqua. “Heat Wave” è concepito come un sistema modu-lare che con un’insolita combinazione di materiali battezzata “Polyconcrete” (cemento e alluminio,rinforzati con fibra di vetro) garantisce una conduzione termica ottimale. “Heat Wave” è costituito daquattro moduli base con una potenza di 200 Watt ciascuno. Questi moduli si possono combinare apiacere in gruppi di 1, 2, 4 o 6 elementi con un semplice sistema componibile. La versione di “HeatWave” come radiatore ad acqua sarà disponibile a partire dalla primavera del 2007.

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Ungezwungener Formlosigkeit ebenso ungewöhnliche wie perfekte Formen zu verleihen - mitdiesem Anspruch setzt sich der belgische Rebell unter den Star-Designern Arne Quinze seitBeginn seiner ungewöhnlichen Karriere auseinander. Mit 15 ging er von zu Hause fort und lebtesechs Monate als Street-Kid in Amsterdam und Brüssel. Mit 17 sprühte er lieber Graffiti, als eineSchule zu besuchen, mit Anfang zwanzig besuchte er das erste Mal die Möbelmesse in Mailand,das Epizentrum der modernen Designwelt – und fand alles, was er sah, "entsetzlich langweilig"."Also mietete Quinze eine kleine Werkstatt, fing an zu zeichnen, bestellte Materialien und bautePrototypen. „Nach sechs Monaten“, so lacht er heute „hatte ich meine erste Kollektion - undeinen Haufen Schulden." Doch Quinze hatte zugleich mit seinem Wagemut auch jene gewissePortion Glück, die ihn heute zu einem der weltweit gefragtesten Möbel- und Interiordesignermachte: Poppige Entwürfe wie der „Tag'liatelle Chair“ - ein Sessel mit dem Aussehen an einerGabel aufgedrehter Nudeln – sorgten bei den Einkäufern großer Interieurfirmen für Aufsehen,zusätzlich ließ sich Quinze eine eigene Fertigungstechnik für sein selbst entwickeltes Material(Polyurethan mit einer gummiartigen Haut) patentieren, das er in der eigenen Fabrik produzierte.Der „Tag'liatelle Chair“ wurde bald zum Kultobjekt: für das handgefertigte Stück gibt es eine lan-ge Warteliste, auf der laut Arne Quinze auch einige Namen von Hollywood-Größen stehen. Fürdas renommierte italienische Design-Label Moroso entwickelte Quinze mit „Deer“ nun einSitzmöbelsystem, das auf ähnlichen Grundlagen basiert wie „Tag'liatelle“: ungewöhnliche, dyna-mische und scheinbar keiner Ordnung gehorchende Elemente aus Polyurethan-Kaltschaum, dieals drei Basis-Module auf unterschiedlichste Weise und für die unterschiedlichsten Einsatzzweckekombinierbar sind: als großzügig angelegte Sitz-Inseln und Wartezonen für öffentliche Bereicheebenso wie als intime Sitzgruppen für den privaten Bereich. Allen Anwendungsmöglichkeiten von„Deer“ gemeinsam ist, so Quinze, vor allem der Anspruch der „Destrukturiertheit“: Ordnung in derUnordnung, System in der formalen Anarchie - ideal für einen Lebensstil, der Stilbewusstseinnicht mit Langeweile verwechselt.

Lending unforced formlessness forms that are as unusual as they are perfect – the Belgian rebelamongst the top designers, Arne Quinze, has battled with this claim since beginning of his unusualcareer. He left home at 15 and lived for six months as a street kid in Amsterdam and Brussels. At 17 hepreferred spraying graffiti to going to school, at the start of his twenties he visited the furniture fair inMilan for the first time, the epicentre of the modern design world – and found everything he saw “dread-fully boring”. So Quinze rented a small workshop, started to draw, ordered materials and built prototy-pes. “After six months,” as he laughs today, “I had my first collection – and a pile of debts.” But at thesame time, Quinze also had a certain amount of luck with his boldness, which has made him one of theworld’s most sought-after furniture and interior designers today: Trendy designs like the “Tag’liatelleChair” – a chair with the appearance of noodles twisted on a fork – caused a sensation among buyers oflarge interior furnishing companies, and Quinze also had a home-grown production technology patentedfor his self-developed material (polyurethane with a rubber-like skin), which he produced in his own fac-tory. The “Tag’liatelle Chair” soon became a cult object: the handmade piece has a long waiting listwhich, according to Arne Quinze, includes the names of a few Hollywood greats. For renowned Italiandesign label Moroso, Quinze has now developed the “Deer” seating system, which is based on similarprinciples to “Tag’liatelle”: unusual, dynamic and apparently randomly arranged elements of polyurethanecold foam, which as three basic modules can be combined in various ways and for various purposes: asgenerous seating islands and waiting areas for public areas as well as intimate groups of seats for priva-te use. What is common to all the possibilities for using “Deer” is, according to Quinze, above all theclaim of “deconstruction”: order in disorder, system in formal anarchy – ideal for a lifestyle that does notconfuse style-awareness with boredom.

Conferire all’informalità disinvolta forme tanto inconsuete quanto perfette – con questa esi-genza si è confrontato dall’inizio della sua insolita carriera Arne Quinze, il grande designer belga,ribelle per natura. A 15 anni andò via di casa e visse sei mesi ad Amsterdam e Bruxelles comebambino di strada. A 17 anni preferiva disegnare graffiti con le bombolette spray piuttosto cheandare a scuola. Appena ventenne visitò per la prima volta la fiera del mobile di Milano, epicentrodel design moderno mondiale, e trovò “spaventosamente noioso” tutto ciò che aveva visto.Quinze allora prese in affitto un piccolo laboratorio, cominciò a disegnare, ordinò materiali ecostruì prototipi. “Dopo sei mesi” - oggi nel dirlo gli viene da ridere – “avevo la mia prima colle-zione e un mucchio di debiti.” Ma insieme all’ardimento Quinze ebbe anche quella dose di fortu-na che oggi gli permette di essere uno dei designer di mobili e progettisti d’interni più richiestidel mondo: progetti appariscenti come la “Tag'liatelle Chair” – una poltrona che imita l’aspetto diuna forchettata di tagliatelle arrotolate – suscitarono grande scalpore presso gli acquirenti digrandi aziende di arredamento, inoltre Quinze fece brevettare una propria tecnica di produzioneper il materiale realizzato da lui stesso (poliuretano autopellante), che lui produceva nella propriafabbrica. In poco tempo la “Tag'liatelle Chair” divenne un oggetto di culto: per l’articolo realizzatoa mano c’è una lunga lista d’attesa, in cui figurano a detta di Arne Quinze anche alcuni nomi del-lo star system di Hollywood. Per la rinomata marca italiana di design Moroso, ora Quinze ha realiz-zato con “Deer” un sistema di sedute che si basa su presupposti simili a quelli della poltrona“Tag'liatelle”: elementi insoliti e dinamici che in apparenza non obbediscono ad alcun ordine, rea-lizzati in schiuma flessibile di poliuretano stampato a freddo e combinabili con tre moduli basenei modi più svariati e per gli utilizzi più svariati: come ampie isole di sedute e sistemi d’attesaper grandi spazi pubblici, ma anche come gruppi intimi di sedute per ambienti privati. SecondoQuinze, le varie possibilità d’impiego di “Deer” hanno tutte una cosa in comune e cioè l’esigenzadi “destrutturazione”, ovvero l’esigenza di portare ordine nel disordine, sistematicità nell’anarchiaformale - ideale per uno stile di vita che non confonde la ricercatezza con la noia.

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