TRACKS Magazin 3 13 (Mai/Juni 2013)

JUSTIN TIMBERLAKEThe 20/20 ExperienceSony

CD Mainstream/Indie/Alternative

hug. Als Knirps war Justin Timberlake Disney-Star im «Mickey Mouse Club» und also potentiell so absturzgefährdet wie Brittney Spears, Selena Gomez und Milley Cirus (okay: Frau Aguliera und Ryan Goslin sind ordentlich erwachsen geworden). Doch statt des Absturzes kam zuerst 2002 sein aufregendes Debüt «Justified» und 2006 sein «Debüt» als ernst zu nehmender Schauspieler in «Alpha Dog» und «Black Snake Moan». Gleichzeitig erschien der Zweitling «FutureSex/Love Sounds», auf dem er überra-schend und sehr stilsicher den Geist von Michael Jackson in die Zukunft führte. Nun also das Album Nummer drei, und wir fragen uns erneut, woher Timberlake diese Lockerheit und Souveränität hernimmt, mit so viel Erwartungsdruck in der Doppelbelastung als Sänger und Schauspieler fertig zu werden. Zurzeit (das kann man wohl so sagen, weil er so viel-seitig ist), also zurzeit interes-siert ihn das Tanzen nicht mehr so intensiv wie bei «FutureSex/ LoveSounds», dafür umso mehr relaxte Clubmusik zum Rum-sitzen und schöne Mädels angucken. Dabei bleibt er bei einer gewissen Härte im Klang, wird nie rührselig und hält den Spannungsbogen auch im Midtempo mühelos. Grad so, als würde Sean Parker in «The Social Network» (grossartig gespielt von Timberlake) mal eben auf einen Drink ausgehen. Damit hebt er sich (schon wieder) von der langweiligen Masse der Schmuse-Clubmusik ab. Gut gemacht.

Mainstream/Indie/Alternative CD

PASSENGERAll The Little LightsWarner

DEAD CAN DANCEIn ConcertPias/Musikvertrieb

Dust To The Stars» nach Power Pop, Psychpop und Instrumentalmusik wieder einmal seiner anderen Liebe, dem Art- und Progressivrock zu. Auf «From The Dust To The Stars» zeigt er sich aber sti-listisch offener als auch schon. Die sieben, bis zu 15 Minuten langen Songs bieten in der Tradition von Bands wie Pink Floyd, den frühen Genesis, den Beatles, Tangerine Dream und anderen anspruchsvolle, ver-sponnene, experimentelle und kurzweilige Unterhaltung. JIMBO MATHUS & THE TRI-STATE COALITION White BuffaloJimbo Mathus hat eine Vergan-genheit als Gitarrist der Neo-Swing-Band Squirrel Nut Zippers.Was er mit The Tri-State Coalition macht, ist aber eine andere Geschichte. Auf dem zweiten Album mit dem Quintett spielt er angerauten und feinen Americana, Blues, Country und Rootsrock. DENIZ TEK Detroit Der Amerikaner Deniz Tek hat in der Vergangenheit mit Bands oder Künstlern wie den austra-lischen Radio Birdman, New Race, The Stooges, DTK-MC3 (mit Mitgliedern von MC5) und Scott Morgan (The Rationals) gearbeitet, aber auch immer wieder Soloalben veröffentlicht. Sein aktuelles Werk heisst nicht umsonst «Detroit». Die zehn Songs sind stark von der dort ansässigen Rockszene (MC5, Iggy And The Stooges, Alice Cooper, u.a.) beeinflusst. Raue Rocksongs mit einem Schuss Punk und Blues. BILLY MACKENZIE Outernational - «Outernational» war das erste Soloalbum des ehemaligen Mitglieds des genialen New- Wave-Duos The Associates (mit Alan Rankine). 1992 erschienen markierte es das definitive Ende der Associates, die eh nur noch aus Mackenzie bestanden. Für die zehn Songs (die Wiederveröffentlichung wartet mit vier Bonustracks auf) nahm er seine markante Tenorstimme etwas zurück und präsentierte gefälligen, oftmals tanzbaren Pop, dem eine gewisse Melancholie anhaftete. Diese Melancholie überschattete auch sein privates Leben. Billy MacKenzie, der in seiner Karriere u.a. mit Yello und Annie Lennox gearbeitet hatte, nahm sich 1997, gerade mal 39-jährig, das Leben.

THEY MIGHT BE GIANTS Nanobots«Istanbul (Not Constanti-nople)» vom 1990er Album «Flood» klingt noch gut in meinem Ohr: quirliger, spassi-ger und zeitlos guter Indie-pop. Dann habe ich die Band um John Flansburgh und John Linnell etwas aus den Augen und Ohren verloren. Zwischen «Nanobots» und «Flood» liegen, wenn ich richtig gezählt habe, zwanzig Alben (inklusive Best-Of- und Livealben). Immer noch ist ihr Sound unverkennbar, aber irgendwie wollen die fünfund-zwanzig(!) Nummern nicht mehr so viel Spass machen wie früher. Sind die beiden Herren älter und ernster ge-worden oder liegt es an mir?THE BLACK ANGELS Indigo Meadow Neo-Psychedelik, die zehnte (könnte auch die elfte sein). Die aus Austin, Texas stam-menden The Black Angels frönen auf «Indigo Meadow» wie viele andere dem Sound der späten Sechziger, aber nicht nur. Das bärtige Quar-tett vermischt Stonerrock, Psychdelik und Indierock zu einer zähen und fiebrigen Mischung, die irritiert aber auch fasziniert. 13th Floor Elevators, die Silver Apples, die Byrds, die experimentel-len Primal Scream, und die Queens Of The Stone Age hätten ihre Freude daran. CRIME & THE CITY SOLUTION American TwilightDreiundzwanzig Jahre nach ihrem letzen Werk « Paradise Discotheque» veröffentlichen die Australier Crime & The City Solution ein neues Al-bum. Für «American Twilight» hat Mastermind Simon Bon-ney David Eugene Edwards (16 Horsepower/Woven Hand) und Jim White (Dirty Three) an Bord geholt. Diese Frisch-zellenkur tut der Band gut. Die acht Songs, irgendwo zwischen Nick Cave, Sort Sol und Joy Division situiert, klin-gen atmosphärisch dicht, ein-dringlich und auf eine eigen-willige Art beseelt. JEREMY From The Dust To The Stars Der umtriebige amerikani-sche Musiker, Produzent und Labelbesitzer Jeremy Morris wendet sich auf «From The

Pally’s kurz und knapp

SAINT LU2Warner

ERIC CLAPTONOld SockUniversal

hug. Wenn man sich Claptons Alben aus den Achtzigern anhört, ist es immer wieder hochgradig irritierend, wie unglaublich belang- und orientierungslos sich der grosse Slowhand den schreck-lichen Trends dieser Zeit anbieder-te. Tempi passati. Spätestens mit dem überragen-den Blues-Album «Me And Mr. Johnson» schuf er 2004 einen neuen Meilenstein seiner Karriere und spielte fortan losgelöst von selbstauferlegten Zwängen locker wieder tollen Blues. Nun interpretiert der Meis-ter zwölf Songs, die seine eigene Musik und seine grossartige Blues-Karriere geprägt haben: Von J.J. Cale über Peter Tosh bis George Gershwin ist das musika-lische Spektrum zwar gefährlich breit, aber was in dieser Samm-lung drin sein muss, muss eben drin sein. Und das klappt gut, denn Clapton macht aus dieser Fülle eine überaus entspannte, ein-heitliche Stunde neue Musik. Eine heitere Fingerübung und gleichzeitig eine würdige Respekt-bekundung. Wenn sich der Al-bumtitel auf die zum Teil sehr alten Songs bezieht, müssten die Socken eigentlich in Mehrzahl stehen. Sind sie aber nicht. Viel-leicht meint Clapton mit dem alten Socken sich selber – wir würden ihm diese köstliche Selbstironie durchaus zutrauen. Passt irgendwie zur Musik, die klingt, als hätte er sie nur für seine persönliche Sammlung eingespielt.

hug. Wenden wir uns den sanften Klängen zu: Der Fispelstimme des Briten Mike Rosenberg. Der wurde, man muss diesen lustigen Satz immer wieder zitieren, 2009 aus der von ihm gegründeten Band

Passenger rausgeworfen mit dem Argument, er sei «a bit of a tit for singing in a ridiculous mock foreign accent». Rosenberg behielt dann aber den Bandnamen und spielt seither als Solist mit Verstärkung unbeirrt eigenwilli-gen, spärlich inszenierten Neofolk mit von Klassikinstrumenten gesetzten Akzenten und liebens-würdigen Melodien, die – logisch – von seiner Zitterstimme getragen sind. Das bleibt auch auf seinem neuen Album so. Das kann man mögen oder nicht. Wir finden das

sehr charmant. Auf der beigefüg-ten Bonus-CD gibt's acht Akustik-Versionen zu hören, das ist nett.

hug. Es hat zwar eine Weile gedauert, bis der Zweitling der Österreicherin Luise Gruber alias Saint Lu endlich erschienen ist, aber «2» hält, was das selbstbe-titelte Debüt von 2009 in Aussicht stellte: Damals sang sie selbst-sicheren, poppigen Rock, jetzt ist es, wenn man so will, selbst-sicherer, rockiger Pop mit einer Menge Soul drin – und weiterhin ausdrucksstark mit einer leicht kratzig-röhrigen Stimme und einer satten Produktion. Man könnte jetzt sogar mit Fug und Recht behaupten, Saint Lu wandelt souverän auf den Spuren von Amy Winehouse selig, ohne sie je zu kopieren. Wer also starke Frauenstimmen und starke Frauenmusik mag: Kaufen!

BIG BOY PETE AND THE SQUIRE HitmenRocket Racket Records

rp «Hitmen» von Big Boy Pete And The Squire ist eine Zusam-menarbeit zwischen Peter Miller

(spielte in den Sechzigern in der englischen Beatband Jaywalkers) und Christopher Earl Zaijowski (The Squires Of The Subterrain). Die zwölf Songs auf «Hitmen» wurden von Peter Miller alias Big Boy Pete in Sechzigern geschrie-ben und den Jaywalkers angebo-ten, die sie aber ablehnten. Miller hat die Songs wieder ausgegraben und sie mit Zaijowski überarbeitet. Das Resultat lässt sich hören.

«Hitmen» enthält Material in der Tradition der Beatles, XTC, der Cleaners From Venus, Tomorrow, The Dukes of Stratosphear (XTC) und Blossom Toes. Wunderschön altmodischer Psychpop mit feinen Melodien und zuweilen Ausflügen in schräge Gefilde. «All Fun Of The Fair» klingt wie eine Mischung aus «Spazz» von The Elastik Band und Blossom Toes « Look At Me I'm You».

hug. Letztes Jahr taten sich die Australierin Lisa Gerrard (göttlich, ihr Gesang) und der Engländer Brendan Perry nach 16 Jahren (!) Bandpause und Soloprojekten wieder zu Dead Can Dance zu-sammen und begeisterten mit «Anastasis» ihre riesige globale Fangemeinde, die all die Jahre treu geblieben war. Hartmetaller, Schwarzkittel, Mittelalterfreunde, Emos und Melancholisten haben nie aufgehört, die schwebenden, Klassik-angehauchten, drama-tischen Lieder von Dead Can Dance zu lieben (die Trippel-Vinyl-Sonderedition von «In Concert» war innert Wochen ausverkauft). Logisch also, dass das Duo nach dem bejubelten «Wiedereinstieg» innert Kürze ein Live-Album nach-

schiebt. Es ist das Album zur aktuell laufenden einjährigen Welttournee, auf dem natürlich vor allem die Songs von «Anastasis» zu hören sind plus einige ältere. Bei der penibel sorgfältigen Arbeitsweise des Duos versteht es sich von selbst, dass während der Songs sämtliche Klang-Beeinträchti-gungen von Fan-Geklatsche ausgeblendet werden und «In Concert» fast die Qualität eines Studioalbums erreicht. Am 3. Juni spielen Dead Can im Zürcher Kongresshaus. Wir lieben die Band und das Album, und wir werden hingehen!

hh. Mit dem 19. Studioalbum und im 45. Jahr des Bestehens kommen Deep Purple mit ei-nem Album, das die Lücke zwischen den grossen Klassi-kern der 70er und den Platten der „Neuzeit“, sprich ab dem Reunion-Album „Perfect Strangers“ schliesst. Gleich der Opener des Albums „A Simple Song“ ist so simpel aber nicht, denn nach einem verhaltenen Intro donnert es in bester Purple-Tradition bra-chial los, die „beasty“ Ham-mond inklusive (ein Gruss an Jon Lord!). Der Song hätte es auch problemlos auf „In Rock“ geschafft, besser hätten Purple ihr neues Album nicht eröffnen können. Und fett rockend geht es weiter, „Weir-distan“ marschiert straight forward, einzig die Syntheziser -Einschübe mögen den old-school-Fan etwas verstören, aber Roger Glover entschädigt mit einem geilen Bass-Riff und Hammersound. „Out Of Hand“ erinnert an „Perfect Strangers“ (im positiven Sinn) und Gillan, der sich auf die-sem Album in bester Sanges-laune präsentiert, glänzt mit toller Melodieführung, das Sahnehäubchen liefert dann noch Steve Morse mit geilem Solo. Das alles zusammen mit einem tollen Arrangement macht „Out Of Hand“ zu ei-nem der besten Songs des Albums. Und das will was heissen, denn „So What“ besticht praktisch über die ganze Länge mit herausragen-den Songs, die jeden Purple-Fan in Verzückung versetzen werden – und zwar alte wie neue! In „Hell To Pay“ liefert Gillan eine massive Stadion-Hookline auf harter Rockbasis und das Hammond-Solo auf treibendem, pumpendem Bass/Drum-Teppich mit den Harmonie-Läufen von Ham-mond und Gitarre ist einfach nur geil! Der absolut perfekte Live-Song – Deep Purple at it's best! „Body Line“ mit einem an Blackmore erinnernden Gitarren-Solo swingt und groovt, einmal mehr besticht der Song durch die perfekte Symbiose von Glover und Paice. „Above And Beyond“ erinnert durch Keyboard-Thema und Gesangslinie an

Emerson, Lake & Palmer, bleibt aber stets Deep Purple.„Blood From The Stone“ mit Fender Rhodes Piano kommt etwas gemässigter daher, um in der Bridge allerdings wie-der heftig und satt Dynamik zu verbreiten. Das angejazzte Piano-Solo mag nicht jeder-manns Sache sein, bringt aber willkommene Abwechs-lung. „Uncommon Man“ mit langem Gitarren-Intro und typischen Keith Emerson Keyboard-Fanfaren ist ein verhaltener Midtempo-Rocker, der sich nach und nach zu musikalischem Breit-wand-Kino aufbaut. „Aprez Vous“ gibt dann wieder die typische Purple-Kante mit langem, spannendem „Frage/ Antwort“-Solo von Gitarre und Keyboard auf einem soliden Bassgroove. „All The Time In The World“ ist eine schöne rockige Ballade ohne Zuckerguss, von Ian Gillan mit viel Gefühl und Seele interpretiert. „Vincent Price“ mit dezenten Psychedelic-Einschüben, schwerem Groove und einem typischen Gillan-Schrei beschliesst das Album. Auf der Special-Edition gibt es noch den Jerry Lee Lewis-Klassiker „It'll Be Me“ als Bonus. Produzent Bob Ezrin hat hier ganze Arbeit geleistet. Der Sound ist perfekt, drückt gewaltig und liefert hohe Dynamik. Zudem hat er aus der Band absolute Höchstleistungen herausgekitzelt und sie wieder an ihre Wurzeln zurückgeführt. „So What“ ist mit Abstand das beste Purple-Album der letzten 30 Jahre und überholt das gefeierte „Perfect Strangers“ Reunion-Album mit Spielfreude, Energie und Klasse-Songs.

DEEP PURPLENow WhatEdel/Phonag

Grandios !

JUSTIN TIMBERLAKEThe 20/20 ExperienceSony

hug. Als Knirps war Justin Timberlake Disney-Star im «Mickey Mouse Club» und also potentiell so absturzgefährdet wie Brittney Spears, Selena Gomez und Milley Cirus (okay: Frau Aguliera und Ryan Goslin sind ordentlich erwachsen geworden). Doch statt des Absturzes kam zuerst 2002 sein aufregendes Debüt «Justified» und 2006 sein «Debüt» als ernst zu nehmender Schauspieler in «Alpha Dog» und «Black Snake Moan». Gleichzeitig erschien der Zweitling «FutureSex/Love Sounds», auf dem er überra-schend und sehr stilsicher den Geist von Michael Jackson in die Zukunft führte. Nun also das Album Nummer drei, und wir fragen uns erneut, woher Timberlake diese Lockerheit und Souveränität hernimmt, mit so viel Erwartungsdruck in der Doppelbelastung als Sänger und Schauspieler fertig zu werden. Zurzeit (das kann man wohl so sagen, weil er so viel-seitig ist), also zurzeit interes-siert ihn das Tanzen nicht mehr so intensiv wie bei «FutureSex/ LoveSounds», dafür umso mehr relaxte Clubmusik zum Rum-sitzen und schöne Mädels angucken. Dabei bleibt er bei einer gewissen Härte im Klang, wird nie rührselig und hält den Spannungsbogen auch im Midtempo mühelos. Grad so, als würde Sean Parker in «The Social Network» (grossartig gespielt von Timberlake) mal eben auf einen Drink ausgehen. Damit hebt er sich (schon wieder) von der langweiligen Masse der Schmuse-Clubmusik ab. Gut gemacht.

PASSENGERAll The Little LightsWarner

DEAD CAN DANCEIn ConcertPias/Musikvertrieb

Dust To The Stars» nach Power Pop, Psychpop und Instrumentalmusik wieder einmal seiner anderen Liebe, dem Art- und Progressivrock zu. Auf «From The Dust To The Stars» zeigt er sich aber sti-listisch offener als auch schon. Die sieben, bis zu 15 Minuten langen Songs bieten in der Tradition von Bands wie Pink Floyd, den frühen Genesis, den Beatles, Tangerine Dream und anderen anspruchsvolle, ver-sponnene, experimentelle und kurzweilige Unterhaltung. JIMBO MATHUS & THE TRI-STATE COALITION White BuffaloJimbo Mathus hat eine Vergan-genheit als Gitarrist der Neo-Swing-Band Squirrel Nut Zippers.Was er mit The Tri-State Coalition macht, ist aber eine andere Geschichte. Auf dem zweiten Album mit dem Quintett spielt er angerauten und feinen Americana, Blues, Country und Rootsrock. DENIZ TEK Detroit Der Amerikaner Deniz Tek hat in der Vergangenheit mit Bands oder Künstlern wie den austra-lischen Radio Birdman, New Race, The Stooges, DTK-MC3 (mit Mitgliedern von MC5) und Scott Morgan (The Rationals) gearbeitet, aber auch immer wieder Soloalben veröffentlicht. Sein aktuelles Werk heisst nicht umsonst «Detroit». Die zehn Songs sind stark von der dort ansässigen Rockszene (MC5, Iggy And The Stooges, Alice Cooper, u.a.) beeinflusst. Raue Rocksongs mit einem Schuss Punk und Blues. BILLY MACKENZIE Outernational - «Outernational» war das erste Soloalbum des ehemaligen Mitglieds des genialen New- Wave-Duos The Associates (mit Alan Rankine). 1992 erschienen markierte es das definitive Ende der Associates, die eh nur noch aus Mackenzie bestanden. Für die zehn Songs (die Wiederveröffentlichung wartet mit vier Bonustracks auf) nahm er seine markante Tenorstimme etwas zurück und präsentierte gefälligen, oftmals tanzbaren Pop, dem eine gewisse Melancholie anhaftete. Diese Melancholie überschattete auch sein privates Leben. Billy MacKenzie, der in seiner Karriere u.a. mit Yello und Annie Lennox gearbeitet hatte, nahm sich 1997, gerade mal 39-jährig, das Leben.

THEY MIGHT BE GIANTS Nanobots«Istanbul (Not Constanti-nople)» vom 1990er Album «Flood» klingt noch gut in meinem Ohr: quirliger, spassi-ger und zeitlos guter Indie-pop. Dann habe ich die Band um John Flansburgh und John Linnell etwas aus den Augen und Ohren verloren. Zwischen «Nanobots» und «Flood» liegen, wenn ich richtig gezählt habe, zwanzig Alben (inklusive Best-Of- und Livealben). Immer noch ist ihr Sound unverkennbar, aber irgendwie wollen die fünfund-zwanzig(!) Nummern nicht mehr so viel Spass machen wie früher. Sind die beiden Herren älter und ernster ge-worden oder liegt es an mir?THE BLACK ANGELS Indigo Meadow Neo-Psychedelik, die zehnte (könnte auch die elfte sein). Die aus Austin, Texas stam-menden The Black Angels frönen auf «Indigo Meadow» wie viele andere dem Sound der späten Sechziger, aber nicht nur. Das bärtige Quar-tett vermischt Stonerrock, Psychdelik und Indierock zu einer zähen und fiebrigen Mischung, die irritiert aber auch fasziniert. 13th Floor Elevators, die Silver Apples, die Byrds, die experimentel-len Primal Scream, und die Queens Of The Stone Age hätten ihre Freude daran. CRIME & THE CITY SOLUTION American TwilightDreiundzwanzig Jahre nach ihrem letzen Werk « Paradise Discotheque» veröffentlichen die Australier Crime & The City Solution ein neues Al-bum. Für «American Twilight» hat Mastermind Simon Bon-ney David Eugene Edwards (16 Horsepower/Woven Hand) und Jim White (Dirty Three) an Bord geholt. Diese Frisch-zellenkur tut der Band gut. Die acht Songs, irgendwo zwischen Nick Cave, Sort Sol und Joy Division situiert, klin-gen atmosphärisch dicht, ein-dringlich und auf eine eigen-willige Art beseelt. JEREMY From The Dust To The Stars Der umtriebige amerikani-sche Musiker, Produzent und Labelbesitzer Jeremy Morris wendet sich auf «From The

Pally’s kurz und knapp

SAINT LU2Warner

ERIC CLAPTONOld SockUniversal

hug. Wenn man sich Claptons Alben aus den Achtzigern anhört, ist es immer wieder hochgradig irritierend, wie unglaublich belang- und orientierungslos sich der grosse Slowhand den schreck-lichen Trends dieser Zeit anbieder-te. Tempi passati. Spätestens mit dem überragen-den Blues-Album «Me And Mr. Johnson» schuf er 2004 einen neuen Meilenstein seiner Karriere und spielte fortan losgelöst von selbstauferlegten Zwängen locker wieder tollen Blues. Nun interpretiert der Meis-ter zwölf Songs, die seine eigene Musik und seine grossartige Blues-Karriere geprägt haben: Von J.J. Cale über Peter Tosh bis George Gershwin ist das musika-lische Spektrum zwar gefährlich breit, aber was in dieser Samm-lung drin sein muss, muss eben drin sein. Und das klappt gut, denn Clapton macht aus dieser Fülle eine überaus entspannte, ein-heitliche Stunde neue Musik. Eine heitere Fingerübung und gleichzeitig eine würdige Respekt-bekundung. Wenn sich der Al-bumtitel auf die zum Teil sehr alten Songs bezieht, müssten die Socken eigentlich in Mehrzahl stehen. Sind sie aber nicht. Viel-leicht meint Clapton mit dem alten Socken sich selber – wir würden ihm diese köstliche Selbstironie durchaus zutrauen. Passt irgendwie zur Musik, die klingt, als hätte er sie nur für seine persönliche Sammlung eingespielt.

hug. Wenden wir uns den sanften Klängen zu: Der Fispelstimme des Briten Mike Rosenberg. Der wurde, man muss diesen lustigen Satz immer wieder zitieren, 2009 aus der von ihm gegründeten Band

Passenger rausgeworfen mit dem Argument, er sei «a bit of a tit for singing in a ridiculous mock foreign accent». Rosenberg behielt dann aber den Bandnamen und spielt seither als Solist mit Verstärkung unbeirrt eigenwilli-gen, spärlich inszenierten Neofolk mit von Klassikinstrumenten gesetzten Akzenten und liebens-würdigen Melodien, die – logisch – von seiner Zitterstimme getragen sind. Das bleibt auch auf seinem neuen Album so. Das kann man mögen oder nicht. Wir finden das

sehr charmant. Auf der beigefüg-ten Bonus-CD gibt's acht Akustik-Versionen zu hören, das ist nett.

hug. Es hat zwar eine Weile gedauert, bis der Zweitling der Österreicherin Luise Gruber alias Saint Lu endlich erschienen ist, aber «2» hält, was das selbstbe-titelte Debüt von 2009 in Aussicht stellte: Damals sang sie selbst-sicheren, poppigen Rock, jetzt ist es, wenn man so will, selbst-sicherer, rockiger Pop mit einer Menge Soul drin – und weiterhin ausdrucksstark mit einer leicht kratzig-röhrigen Stimme und einer satten Produktion. Man könnte jetzt sogar mit Fug und Recht behaupten, Saint Lu wandelt souverän auf den Spuren von Amy Winehouse selig, ohne sie je zu kopieren. Wer also starke Frauenstimmen und starke Frauenmusik mag: Kaufen!

BIG BOY PETE AND THE SQUIRE HitmenRocket Racket Records

rp «Hitmen» von Big Boy Pete And The Squire ist eine Zusam-menarbeit zwischen Peter Miller

(spielte in den Sechzigern in der englischen Beatband Jaywalkers) und Christopher Earl Zaijowski (The Squires Of The Subterrain). Die zwölf Songs auf «Hitmen» wurden von Peter Miller alias Big Boy Pete in Sechzigern geschrie-ben und den Jaywalkers angebo-ten, die sie aber ablehnten. Miller hat die Songs wieder ausgegraben und sie mit Zaijowski überarbeitet. Das Resultat lässt sich hören.

«Hitmen» enthält Material in der Tradition der Beatles, XTC, der Cleaners From Venus, Tomorrow, The Dukes of Stratosphear (XTC) und Blossom Toes. Wunderschön altmodischer Psychpop mit feinen Melodien und zuweilen Ausflügen in schräge Gefilde. «All Fun Of The Fair» klingt wie eine Mischung aus «Spazz» von The Elastik Band und Blossom Toes « Look At Me I'm You».

hug. Letztes Jahr taten sich die Australierin Lisa Gerrard (göttlich, ihr Gesang) und der Engländer Brendan Perry nach 16 Jahren (!) Bandpause und Soloprojekten wieder zu Dead Can Dance zu-sammen und begeisterten mit «Anastasis» ihre riesige globale Fangemeinde, die all die Jahre treu geblieben war. Hartmetaller, Schwarzkittel, Mittelalterfreunde, Emos und Melancholisten haben nie aufgehört, die schwebenden, Klassik-angehauchten, drama-tischen Lieder von Dead Can Dance zu lieben (die Trippel-Vinyl-Sonderedition von «In Concert» war innert Wochen ausverkauft). Logisch also, dass das Duo nach dem bejubelten «Wiedereinstieg» innert Kürze ein Live-Album nach-

schiebt. Es ist das Album zur aktuell laufenden einjährigen Welttournee, auf dem natürlich vor allem die Songs von «Anastasis» zu hören sind plus einige ältere. Bei der penibel sorgfältigen Arbeitsweise des Duos versteht es sich von selbst, dass während der Songs sämtliche Klang-Beeinträchti-gungen von Fan-Geklatsche ausgeblendet werden und «In Concert» fast die Qualität eines Studioalbums erreicht. Am 3. Juni spielen Dead Can im Zürcher Kongresshaus. Wir lieben die Band und das Album, und wir werden hingehen!

hh. Mit dem 19. Studioalbum und im 45. Jahr des Bestehens kommen Deep Purple mit ei-nem Album, das die Lücke zwischen den grossen Klassi-kern der 70er und den Platten der „Neuzeit“, sprich ab dem Reunion-Album „Perfect Strangers“ schliesst. Gleich der Opener des Albums „A Simple Song“ ist so simpel aber nicht, denn nach einem verhaltenen Intro donnert es in bester Purple-Tradition bra-chial los, die „beasty“ Ham-mond inklusive (ein Gruss an Jon Lord!). Der Song hätte es auch problemlos auf „In Rock“ geschafft, besser hätten Purple ihr neues Album nicht eröffnen können. Und fett rockend geht es weiter, „Weir-distan“ marschiert straight forward, einzig die Syntheziser -Einschübe mögen den old-school-Fan etwas verstören, aber Roger Glover entschädigt mit einem geilen Bass-Riff und Hammersound. „Out Of Hand“ erinnert an „Perfect Strangers“ (im positiven Sinn) und Gillan, der sich auf die-sem Album in bester Sanges-laune präsentiert, glänzt mit toller Melodieführung, das Sahnehäubchen liefert dann noch Steve Morse mit geilem Solo. Das alles zusammen mit einem tollen Arrangement macht „Out Of Hand“ zu ei-nem der besten Songs des Albums. Und das will was heissen, denn „So What“ besticht praktisch über die ganze Länge mit herausragen-den Songs, die jeden Purple-Fan in Verzückung versetzen werden – und zwar alte wie neue! In „Hell To Pay“ liefert Gillan eine massive Stadion-Hookline auf harter Rockbasis und das Hammond-Solo auf treibendem, pumpendem Bass/Drum-Teppich mit den Harmonie-Läufen von Ham-mond und Gitarre ist einfach nur geil! Der absolut perfekte Live-Song – Deep Purple at it's best! „Body Line“ mit einem an Blackmore erinnernden Gitarren-Solo swingt und groovt, einmal mehr besticht der Song durch die perfekte Symbiose von Glover und Paice. „Above And Beyond“ erinnert durch Keyboard-Thema und Gesangslinie an

Emerson, Lake & Palmer, bleibt aber stets Deep Purple.„Blood From The Stone“ mit Fender Rhodes Piano kommt etwas gemässigter daher, um in der Bridge allerdings wie-der heftig und satt Dynamik zu verbreiten. Das angejazzte Piano-Solo mag nicht jeder-manns Sache sein, bringt aber willkommene Abwechs-lung. „Uncommon Man“ mit langem Gitarren-Intro und typischen Keith Emerson Keyboard-Fanfaren ist ein verhaltener Midtempo-Rocker, der sich nach und nach zu musikalischem Breit-wand-Kino aufbaut. „Aprez Vous“ gibt dann wieder die typische Purple-Kante mit langem, spannendem „Frage/ Antwort“-Solo von Gitarre und Keyboard auf einem soliden Bassgroove. „All The Time In The World“ ist eine schöne rockige Ballade ohne Zuckerguss, von Ian Gillan mit viel Gefühl und Seele interpretiert. „Vincent Price“ mit dezenten Psychedelic-Einschüben, schwerem Groove und einem typischen Gillan-Schrei beschliesst das Album. Auf der Special-Edition gibt es noch den Jerry Lee Lewis-Klassiker „It'll Be Me“ als Bonus. Produzent Bob Ezrin hat hier ganze Arbeit geleistet. Der Sound ist perfekt, drückt gewaltig und liefert hohe Dynamik. Zudem hat er aus der Band absolute Höchstleistungen herausgekitzelt und sie wieder an ihre Wurzeln zurückgeführt. „So What“ ist mit Abstand das beste Purple-Album der letzten 30 Jahre und überholt das gefeierte „Perfect Strangers“ Reunion-Album mit Spielfreude, Energie und Klasse-Songs.

DEEP PURPLENow WhatEdel/Phonag

Grandios !

Als eine der „Überbands“ der 80er und 90er hat man es in der Gegenwart nicht gerade leicht. Denn wer sich traut, ein neues Album rauszubringen, der hat in der Regel bloss zwei Optionen. Entweder, er konzentriert sich auf die Wahrung des Besitzstandes, was meistens nicht sonderlich spannend endet (Rolling Stones und Bon Jovi lassen grüssen) oder aber er enttäuscht auf der ganzen Linie.

pc. Umso bemerkenswerter ist es, dass Depeche Mode nach zwei eher mässigen Veröffentlichungen (2005: Playing The Angel, 2009: Sounds Of The Universe) dieser besonderen Herausforderung noch einmal die Stirn zu bieten. Und dieses Mal hat es sich gelohnt. Und das, obwohl die Themen auf der textlichen Ebene genau dieselben geblieben sind. „Es gibt eigentlich nur drei Themen: Tod, Schmerz und Leiden“, scherzt Songwriter und Keyboarder Martin Gore in Interviews, „ wir variieren das jeweils ein bisschen von Song zu Song.“ Wenig verwunderlich also, dass Sänger Dave Gahan zum Beispiel in der Single „Heaven“ davon erzählt, dass er sich in Staub auflösen möchte. So mancher wird beim Hören die bewegte Bandgeschichte vor dem inneren Auge Revue passieren lassen: Wie der Erfolg die Musiker immer weiter voneinander distanzierte und wie Dave keine Drogensorte unversucht liess, was Ende der 90er Jahre in einem Selbstmordversuch gipfelte. Doch für Gahan hat der Song nichts mit dem Tod zu tun. „Für mich geht es um diese Grenze zwischen dem Bewussten und dem Moment, wo man wegdriftet, so wie das beim Musikmachen passieren kann“, erklärt der 50jährige in Interviews. Und obwohl die Depeche Mode-typische Düsterheit auch auf „Delta Machine“ vom Anfang bis zum Schluss zu spüren ist, sieht Gahan die Musik als eine Art Rettungsanker, die ihm durch die schweren Zeiten geholfen hat. Musik helfe einem, Dinge zu überstehen. Hochs und Tiefs gehörten zum Leben und aus ihnen müsse man lernen, sagt Dave Gahan. Vielleicht ist das der grösste Unterschied zu früheren Depeche Mode Alben. Statt sich einfach nur den ganzen Schmerz und dem Leid eines Songs zu ergeben, schöpft die Band mittlerweile Kraft aus dieser Musik. So, wie die schwarzen Sklavenarbeiter damals aus dem Blues neue Kraft schöpften. Da ist es schon fast logisch, dass „Delta Machine“ eine ganze Reihe von bluesartigen Zügen aufweist. Dies verdeutlicht zum Beispiel der Song „Angel“, der fast schon eine Art Blues ist, nur mit dem Unterschied, dass die Licks und Fills nicht von Gitarren, sondern von Synthesizern übernommen werden. Dieses Muster wiederholt sich auch in anderen Songs (ohne repetitiv zu wirken): Die Synthesizer schaffen Riffs, die dem Song eine klare Gestalt geben (besonders ausgeprägt z.B. in „Secret To An End“) und daran erinnern, warum sich Depeche Mode in ihren Anfängen eben gerade nicht für Gitarren, sondern für eine Band mit drei Synthesizern entschieden hatten: Um umkompliziert die Koffer packen zu können, um überall im Land auftreten zu können. Und dieses Konzept hat sie bekanntermassen zu einer der erfolgreichsten Tourbands überhaupt gemacht. Auch in der Gegenwart. So erreichen sie durch ihre Liveauftritt heute mehr Fans als noch während ihrer Zeit in den 90er Jahren. Das wird auch dieses Mal nicht anders sein, wenn sie im Mai ihre neue Tournee starten und dabei im Juni auch in der Schweiz gastieren. Fünf bis sechs Songs des neuen Albums will die

Band an ihren Konzerten jeweils zum Besten geben. Gut genug ist das Material dafür allemal. Und abwechslungsreich: Da wabern die Minimal-Elektroarrangements in „My Little Universe“ und dann wird es wieder beinahe akustisch in schweren und schleppenden „Slow“.So scheinen Depeche Mode noch immer eine Zukunft zu haben. Obwohl, oder vielleicht gerade weil Dave Gahan, Martin Gore und Andrew Fletcher an völlig unterschiedlichen Orten leben (New York, Santa Barbara/USA und London). Und gerade weil sich die Band entschlossen hat, sich nach ihrem Tiefpunkt wieder aufzurappeln. Die eigentliche Läuterung von Depeche Mode und von Dave Gahan im Speziellen vervollständigt eine kleine Anekdote: Dave hat sich inzwischen von einem Piercing getrennt, das er jahrelang an einer relativ ungewöhnlichen Stelle trug. Auslöser dafür sei sein Stiefsohn gewesen, der – als Dave gerade nackt aus der Dusche stieg – fragte: „Papi, warum trägst Du eigentlich ein Ohrring am Po?“

Der Ohrring am Po

LIVE7. Juni 2013

Bern, Stade de Suisse9. Juli 2013

Locarno, Piazza Grande10

CD Mainstream/Indie/Alternative Mainstream/Indie/Alternative CD

InseratVOLBEAT

1984 - InfluenzaDie Elsässer Postpunk-irgendwas-Gitarren-Indies sind fünf Jahre nach ihrem Debüt «Open Jail» offener geworden und haben sich von der knappen Prägnanz zu korrekten Indie-Songs Marke Great Britain entwickelt. Nicht schlecht. Aber das Debüt hatte mehr Power. APPARAT - Krieg und Frieden Jetzt aber: Apparat, der deutsche Elektronik-Minimalist, probiert wieder mal was Neues und präsentiert uns strenge Soundscapes, die sich für den Soundtrack zu einem wenig heiteren Film eignen. Entsprechend heisst das Album im Untertitel: «Music For Theatre».ROVER - RoverTimothée Régnier spielte früher in Punkbands, auf seinem Debüt präsentiert er leicht verquirlte französische Lieder, die vielleicht deshalb schräge Einschläge haben, weil sie in der Bretagne entstanden sind. Klingt wie der kleine Bruder von Arno. ATTWENGER - ClubsSie waren schon immer die lustigsten und schrägsten aller lustigen und schrägen Österreicher und werden es mit dieser Auswahl von Live-Mitschnitten (36 Tracks in 50 Minuten) auch bleiben. Quirlig überschäumende Hedonisten-Volksmusik zum Mitjubeln, die beiden Jungs und Gäste in Bestform. Die CD kommt mit einer DVD, auf der zwei Roadmovies und Videoclips zu sehen sind. PSYCHO PUNCH - Smakk ValleyKaum was Neues von den Punk-Rockern aus Schweden, aber das ist okay so: Party-Pogo straight in your Face.SONNY EMORY - Rock Hard CachetDer Honorarprofessor für angewandte Schlaginstrumente an der Georgia State University hält unverdrossen die Fahne des Fusionjazz hoch. Wer die guten alten Mother's Finest immer noch vermisst und Billy Cobham gerne wieder zu seinen besten Zeiten hätte: Voilà!STINKY LOU - 12 Roots N Boogie Blues HitsRe-Release des vergriffenen Vinyls von Stinky Lou and the Goon Mat with Lord Benardo, wie das Projekt vollständig heisst. Klingt, als wäre der alte Danzig voll auf dem Hound-Dog-Taylor-Trip, und die Cramps würden applaudieren. Das ist lustig!JUNIP - JunipZwölf Jahre brauchte das Trio aus Schweden für ihr 2010er-Debüt «Fields», nun folgt der Nachfolger «Junip» geradezu in Rekordtempo. Die Songs bleiben freundlicher, warmer, ruhiger Pop mit schöner Feinarbeit an der akustischen Gitarre und präzisen KeyboardsALEX HEPBURN - Together AloneDie Sängerin aus London leidet an dem, was man Brüche in der Biografie nennt. Aber Alex jammert nicht, sondern verarbeitet ihre schmerzhaften Erfahrungen und Verluste in intensiven, kraftsprühenden Songs zwischen Soul, Blues und Rock und setzt mit ihrer kratzigen Stimme noch einen drauf. Sie wird zu recht als Newcomerin mit grosser Zukunft gehandelt. HELLDORADO - Bones In The Closet Wenn man aus dem kalten Norwegen kommt, Spaghetti-Western mag und jede denkbare Country-Spielart auf die Schippe nimmt, hat das mit Humor zu tun. Und den pflegt das Trio mit seinem vierten Album wieder trefflich. Klingt wie der Soundtrack zu einem Tarantino-Film.SAALSCHUTZ - NichtsnutzWer Dieter Thomas Kuhn und Nena mag, wird das neue Album des Zürcher Duos lieben. Wir aber finden: Wenn schon lustig, dann richtig. Zum Beispiel mit den Torpedo Boyz.

HUG’s Shorties

THE STROKESComedown MachineSony

rp Nach zehn Jahren und vier Alben macht die deutsche Indie-rockband Earthbend Schluss. Das ist umso bedauernswerter, weil das Trio um Sänger Andrè Kunze mit «Serenity» ihr bestes Album abliefert. Der Albumtitel, Serenity heisst übersetzt Gelas-senheit, lässt vermuten, dass wenigstens der Band der Ab-schied nicht so schwer fiel. «Serenity» ist ein Album so gross wie ein Monument, ein Meilenstein. Gewaltige Rock-riffs, kraftvolle Drums, grosse Melodien verbinden sich zu Breitwandrock mit epischen Momenten und vibrierender

Dramatik, Earthbend liefern mit den neun Songs Hymnen für die grosse Bühne ab, die ihnen bis anhin verwehrt war. «Serenity» gehört in grosse Stadien, auf grosse Bühne. Songs wie «Gypsy Queen», «Sirenity», «Jitter jive», «Airplane» oder «Steamers» lassen keine Zweifel daran. Bei «Airplane», beispiels-weise läuft es einem ob der In-tensität kalt den Rücken runter. Rockmusik muss bewegen, be-rühren, erschüttern. «Serenity» tut genau dies und noch mehr. Und so ein Meisterwerk er-scheint nur als Download. Eine Schande.

EARTHBEND SerenityNoisolution

UMBERTO ECHOElevator DubsEnja/Musikvertrieb

TEXASThe ConversationPias/Musikvertrieb

hug. Einst war Texas aus Schottland die meistgespielte Band Englands. Das war 1989, und es folgte eine Zeit, in der die Band sehr sicher auf dem schma-len Pfad zwischen Geplätscher und sauberem Radiopop wandelte. Die ganze Welt mochte Songs wie «I Don't Want A Lover» und das unbeschwerte «Inner Smile». Doch dann sank der Stern von Texas zusehends, ihre Alben wurden immer deutlicher uninspiriert und verloren sich auf der Geplätscher-Seite. Die Single «Say What You Want» mit dem Wu-Tang Clan rettete zwar aus der Verlegenheit, aber schliesslich versandete die Band, und Sängerin Sharleen Spiteris Solo-Album «Melo-dy» markierte 2008 so etwas wie die Kapitulation von Texas, zumal «Melo-dy» selber vom Publikum kaum wahr-genommen wurde, jedenfalls nicht hierzulande. Und nun sind sie also wieder da, nach acht Jahren Pause. Sharleen ist hübsch hergerichtet im signalisierenden Americana-Hemd, die neue Musik ist wohltuend satt produ-ziert, und die Band scheint wieder zu Kräften gekommen zu sein. Natürlich bleiben Texas bei ihrem Pop mit dem typisch federnden Rhythmus. Sie kommen sogar wieder in die Nähe ihres alten Pfads und mit dem Song «Hearts Are Made To Stray» wieder zu amtlicher Radiotauglichkeit. Das ist gut. Allerdings noch nicht das Gelbe vom Ei. Immerhin: Heute würden wahrscheinlich die Pretenders so tönen.

LONG DISTANCE CALLINGThe Flood InsideSuper Ball Music/EMI

lg. Long Distance Calling haben sich trotz reiner Instrumentalmusic (mit wenigen Ausnahmen) im Sog des Postrocks/-metals recht schnell einen Namen gemacht und eine stets wach-sende Fanbasis verzeichnet. Auch auf dem vierten Album haben die deu-tschen am bewährten Rezept festge-halten und schön mäandrierende Musik mit viel Tiefgang geschaffen. Doch es ist eine Neuerung zu ver-zeichnen: Martin Fischer (ex-Fear My Thoughts) wurde als fester Mann fürs Mikrophon an Bord genommen (wenn auch nicht auf allen Songs von "The Flood Inside") und er löst seine Auf-gabe mit Bravour und verleiht den Songs noch grössere Dimensionen ("Inside The Flood"). Man könnte ihn am ehesten mit Mike Patton (Faith No More) vergleichen und im Bereich der zeitlosen Rockstimmen einordnen. Mit "The Flood Inside" haben sich Long Distance Calling vom Korsett des Postrocks befreit und haben wunder-bar atmosphärischen (Progessive) Rock geschaffen, der die Band sicher noch weiter bringen wird. Man kann fast keine Songs hervorheben, denn sie sind alle genial. Ich versuche es Mal und nenne "Nucleus", "Ductus" und "Waves" als Anspieltipps. Grandiose Scheibe!

hug. Wer bis beziehungsweise trotz des letzten Albums der New Yorker gehofft hatte, dass die Jungs doch noch irgend-wie zurück zu ihren Rockwurzeln mit Punk-Attitüde finden, muss nun defini-tiv alle Hoffnungen begraben. Seit «Angels» sind The Stroke noch netter, noch poppiger geworden, und sie lau-fen nun dauernd Gefahr, ihre Konturen zu ganz verlieren. Von «Comedown Machine» ist es für die Hörer nur ein kleiner Schritt hinüber ins Alternative-Pop-Lager, wo es ähnliche, aber viel bessere Songs zu entdecken gibt. Schade eigentlich.

DIVING FOR SUNKEN TREASUREMotherfucker Jazz BarRookie Records

rp Der Albumtitel « Motherfucker Jazz Bar» zeugt nicht gerade von Feingefühl,

Behutsamkeit oder gar politi-scher Korrektheit. Das ist es auch nicht, um was es dem Berliner Quartett um Frontmann Huckleberry Blues, Schlagzeu-ger Johnny Dingsbums, Gitar-rist Max Paul Maria und Chris McCool am Stehbass geht, wie die Künstlernamen vermuten lassen. Diving For Sunken Trea-sure haben sich Spass auf die Flagge ihres Schiffes, ähhmm,

Schnellbootes geschrieben. Ihre Mischung aus Rockabilly, Spag-hettiwestern Seemannsliedern, Punk, Blues und Gypsy-Punk geht meistens rasant ab. Songs wie «At The Harbor», «Elopun-ti», «Bridges» oder «Around The Bend» gehen ab wie ein Schnellboot und verbreiten gute Laune. Zwischenstopps wie «Song Of The Sirens» oder «Going Down» bringen neue

Energie, damit es weitergehen kann. Gypsy-Punk-Entertain-ment für eilige Seemänner.

hug. Als «eklektisch maximalistisch» beschreibt der Münchner Grossmeister des Mischpults seinen Stil, wenn er mal nicht grad Reggae-, Jazz- und Pop-Bands produziert. Das klingt natürlich etwas exaltiert, stimmt aber: Wenn Umberto Echo Dubmusik macht, ist das endlos spannend, weil er keine Beschränkung akzeptiert und sich als Multiinstrumentalist in verschiedensten Stilrichtungen bestens auskennt. Auf dem dritten Album, das unter seinem

Namen erscheint, versammelt er eine ganze Reihe grossartiger Reggae- und Jazz-Musiker, darunter den Schweizer Jojo Mayer, den zwatzligsten Schlagzeuger der Welt, und konstruiert seine eigene Klang- und Rhythmus-Welt, in der sich Nils Petter

Molvaer ebenso zu Hause fühlen würde wie Bill Laswell. In Anspielung auf den Albumtitel kommt man nicht umhin zu sagen: Endlich kann man sich aufs Liftfahren freuen. Wer sich gerne ernsthaft mit Musik auseinandersetzt, kommt um dieses Album nicht herum.